Männliche Akte in der Kunstgeschichte Automatische übersetzen

Die erste große Kultur, die die Bedeutung der männlichen Aktstatue erkannte, war das antike Griechenland, dessen religiöse Feste oft sportliche Wettkämpfe beinhalteten, bei denen junge nackte Männer ihre körperlichen Fähigkeiten demonstrierten und um beträchtliche Ehren wetteiferten.

Der männliche Akt in der griechischen Kunst

Die griechische Kunst spiegelte das griechische Leben wider, und so wurde der stehende männliche Akt ) kouros) seit der frühen Archaik (600-500 v. Chr.) zu einem konstanten Bild in der bildhauerischen Ikonographie des klassischen Altertums.

Einige der berühmtesten Statuen von nackten Männern wurden von unbekannten Künstlern angefertigt. Dazu gehören der Pharnesische Herakles (5. Jh. v. Chr.), der fabelhaft aufgerichtete Zeus der Artemis (um 470), der Belvedere-Apoll (330), der Sterbende Gallier (240) und das Halbrelief Faunus von Barberini (220). Zu den berühmtesten griechischen Bildhauern, die stehende männliche Aktstatuen schufen, gehören Polyklet (5. Jahrhundert), Phidias (c. 488-431 v. Chr.), Myron (aktiv 480-444 v. Chr.), Praxiteles (aktiv 375-335 v. Chr.) und Hagesander, Athenodorus und Polydorus (1.-2. Jahrhundert v. Chr.), Schöpfer von Laokoon und seinen Söhnen).

Die griechische Bildhauerei schuf eine große Anzahl von männlichen Aktstatuen ) kouroi), die entweder gewöhnliche Männer - als Votivgaben für die Götter in religiösen Heiligtümern - oder die Götter selbst darstellten.

Es ist wichtig zu wissen, dass die griechischen Bildhauer bei der Schaffung von männlichen und weiblichen Akten in der Regel das Ideal - den idealen Zustand von Gesundheit, Jugend und geometrischen Proportionen - und nicht die physische Form des Aktes verherrlichten. Der griechische männliche Akt sollte also eher an die Vernunft als an die Sinne appellieren.

Während die Griechen die männliche Nacktheit sowohl in der Bildhauerei als auch in der Malerei bewunderten und verherrlichten, vertraten andere Teile der antiken Welt eine ganz andere Auffassung und betrachteten die Nacktheit als ein Zeichen der Schande und der militärischen Niederlage.

Männliche Nacktheit in der römischen Kunst

Obwohl die Künstler des alten Rom sklavische Nachahmer der Griechen waren, die sie in allen schönen Künsten, insbesondere in der Bildhauerei, für weit überlegen hielten, folgten sie auch der römischen Doktrin, dass die Kunst den Interessen Roms dienen und zu seiner Macht beitragen sollte. Nackte Kaiser konnten die Barbarenstämme nicht beeindrucken, wohl aber große, imposante Soldaten. Daher wurde in der römischen Kunst mit wenigen Ausnahmen die idealisierte Nacktheit durch politische und militärische Bilder ersetzt, die Realismus und Ernsthaftigkeit ausstrahlten.

Männliche Nacktheit in der byzantinischen Kunst

Zum Leidwesen der Liebhaber von kouros und kore und der Aktkunst im Allgemeinen machte das Christentum dem weitgehend ein Ende. Ein halbnackter Christus am Kreuz war an der Tagesordnung, aber im Allgemeinen wurden Jesus, Gott, die Apostel und andere männliche christliche Figuren bekleidet dargestellt. Dies stand im Einklang mit den Evangelien und der Geschichte von Adam und Eva im Garten Eden, deren Nacktheit mit Scham und Strafe verbunden war. Es entsprach auch der allgemeinen Vorstellung, dass Nacktheit als Bedrohung für das geistige Wohlbefinden angesehen wurde.

Die Tatsache, dass fast die gesamte byzantinische Kunst religiös war, bedeutete, dass Nacktheit noch weniger akzeptabel war. Gelegentlich enthielten nicht-religiöse klassische Themen, wie die auf einigen byzantinischen Elfenbeinkästchen dargestellten, Darstellungen männlicher Nacktheit - manchmal recht detailliert -, aber diese waren die Ausnahme. Für weitere Einzelheiten siehe: Christliche Kunst der byzantinischen Epoche (ca. 400-1200).

Beachten Sie auch, dass die byzantinische religiöse Tradition jede dreidimensionale Darstellung von Menschen verbot. Daher gab es in der byzantinischen Kunst keine Bildhauerei und infolgedessen auch viel weniger Hinweise auf männliche (oder weibliche) Akte. Außerdem sahen die byzantinischen Behörden ihre Kultur als ein Leuchtfeuer des christlichen Guten inmitten der heidnischen Finsternis. Und weil sie Nacktheit mit den heidnischen Griechen assoziierten, sahen sie sie als etwas Primitives und Rückständiges an.

Männliche Nacktheit in der mittelalterlichen europäischen Kunst

Die romanische und gotische Kunst wurde von der Bildhauerei beherrscht, insbesondere von der kirchlichen Steinskulptur, vor allem von Statuen auf Säulen, von denen keine Nacktheit zeigt. Bis zur Renaissance war die christliche Kirche praktisch der einzige große Kunstmäzen, der fast die gesamte Monumentalarchitektur, Bildhauerei, Malerei und illuminierte Handschriften in Europa finanzierte. Sie hatte keinen Bedarf an Darstellungen nackter Götter und riet daher von der Verwendung von Nacktheit in der bildenden Kunst ab, nicht zuletzt wegen ihrer Betonung des Wertes von Zölibat und Keuschheit. Diese Haltung schloss das Studium der nackten Figur ebenso aus wie das Zeichnen nach dem Leben. Rom war ebenso wie Konstantinopel der Ansicht, dass Nacktheit das geistige und körperliche Wohlbefinden des Menschen untergräbt.

Männliche Nacktheit in der Kunst der Renaissance

Die Rückbesinnung auf die klassischen Werte und die griechisch-römische Kultur während der italienischen Renaissance machte die nackte Figur (männlich und weiblich) wieder zum idealen Standard der bildenden Kunst . Insbesondere der männliche Akt wurde in mehreren ikonischen Werken der Bildhauerei dieser Zeit verwendet, darunter Donatellos Bronzestatue des David (um 1435-53) und die Marmorskulpturen des Bacchus (1497), Der sterbende Sklave (1513-16) und David von Michelangelo. Der spätere manieristische Maler Giambologna schuf seine überwältigende „Entführung der Sabinerinnen“ (1581-3). Weitere Beispiele für nackte männliche Statuen der Renaissance sind: Herkules und Kakus (1525-34) von Baccio Bandinelli ; und Perseus (1545-54) von Benvenuto Cellini.

In der Malerei wurde die Nacktheit ebenfalls alltäglich. Tommaso di Mazaccio ließ in seinem berühmten Fresko „Die Vertreibung aus dem Garten Eden“ (1426) für die Brancacci-Kapelle alle nackt, und Antonio Pollaiuolo tat dasselbe in seinem berühmten Stich „Der Kampf der zehn nackten Männer“ (1470-5). Die Malerei der Hochrenaissance (ca. 1490-1530.) erlebte den Höhepunkt der männlichen Figur - Michelangelo malte die Fresken der Sixtinischen Kapelle - eine Fülle religiöser Bilder mit nackten Männern aller Größen und Formen, darunter seine berühmte „Erschaffung Adams“, der von Gott „den Lebensfunken“ erhält; Luca Signorelli stellte viele männliche Akte in seinem Fresko Das Jüngste Gericht für die Kuppel der Kathedrale von Orvieto in Umbrien aus dem Jahr 1504 dar; und Leonardo da Vinci verwendete männliche Akte in seinem berühmten Vitruvianischen Menschen (ca. 1492). Einige Künstler der nördlichen Renaissance verwendeten ebenfalls männliche Nacktheit, insbesondere Jan van Eyck in seiner wunderbaren Darstellung von Adam in seinem wunderbaren Genter Altarbild (1432), und Hieronymus Bosch in solch fantastischen Werken wie Garten der Lüste (1510).

In der Kunst der Renaissance waren die Akte jedoch nicht die idealisierten und geometrisch proportionierten Figuren des klassischen Altertums. Sie waren real, individuell, aus Fleisch und Blut. So ist zum Beispiel David von Michelangelo (1475-1564) weit von mathematischer Perfektion entfernt und könnte in der Tat kaum unterschiedlicher sein als die leicht verweichlichte Version von David von Donatello (1386-1466).

Was geschah also mit der christlichen Moral? Nun, wenn sie dem Genie von Michelangelo erlag, dann können wir sagen, dass die christliche Kirche immer noch eine ambivalente, ja sogar antipathische Haltung gegenüber männlichen und weiblichen Akten hatte. Tatsächlich versuchte das Konzil von Trient (1545-63), den „unzüchtigen“ und „heidnischen“ Elementen Einhalt zu gebieten, die seiner Meinung nach in der religiösen Kunst des fünfzehnten und sechzehnten Jahrhunderts unter dem Einfluss des klassischen Kanons so weit verbreitet waren.

Der männliche Akt in der Barockkunst

Um 1600 war der Manierismus, die letzte Phase der Renaissance, vorbei, aber sein Einfluss hielt noch mindestens drei Jahrhunderte lang an. Das lag an den Akademien der schönen Künste, die im 16. und 17. Jahrhundert in ganz Europa entstanden, um Malerei und Bildhauerei zu fördern. Ihre „akademische Kunst“ legte großen Wert auf das Zeichnen nach dem Akt und hielt so die figurative Tradition von Michelangelo und anderen aufrecht.

In der Barockkunst war der Akt weitgehend, wenn auch nicht vollständig, auf allegorische oder mythologische Werke beschränkt. So verwendete Rubens die männliche Nacktheit in seinem mythologischen Gemälde „Betrunkener Herkules“ (1614), Caravaggio in seinem Gemälde „Amor Vincit Omnia“ (1603), und Gwerchino (1591-1666) („Blinzelnd“) in seinem Gemälde, das die Gefangennahme von Samson darstellt, malte Samson allein nackt, unfähig, sich zu wehren.

In der Bildhauerei setzte Bernini den Standard für männliche Nacktheit mit Werken wie Pluto und Proserpina (1621-2) und David (1623-4), gefolgt von Pierre Puget ) Milon von Croton, 1671-82), François Girardon ) Pluto entführt Proserpina, 1693-1710) und Balthasar Permoser ) Apollo, 1715). Jean-Baptiste Pigalle verursachte einen Skandal mit seiner prächtigen Aktstatue des alternden Voltaire (1776).

Männliche Nacktheit in der Kunst des Rokoko und des Neoklassizismus

Männliche Nacktheit war in der Kunst des achtzehnten Jahrhunderts üblich, wenn auch vielleicht weniger offensichtlich als weibliche Nacktheit - zumindest während der Rokokozeit . Sie wurde hauptsächlich in historischen Gemälden (d. h. in Werken, die „Geschichte“ oder Erzählungen enthalten, wie z. B. mythologische Gemälde), in dekorativen Entwürfen und insbesondere in der Bildhauerei verwendet.

In der neoklassischen Kunst Bildhauer wie Antonio Canova ) Apollo, der sich selbst krönt, 1781; Perseus mit dem Haupt der Medusa, 1797-1801; Damoxenos, 1796; Herkules und Lichas, 1795-1815) orientierte sich bei seinen Skulpturen an klassischen Formen - sein Perseus ahmt die Proportionen und die Pose des berühmten Apollo von Belvedere nach - ebenso wie John Flaxman ) Fury of Atamas). Auch der französische Maler Jacques-Louis David folgte der traditionellen Pose in seinem Gemälde „Der nackte Mann, bekannt als Patroklos“ (1779), ebenso wie Jean-Auguste Dominique Engres in seinem Gemälde „Ödipus und die Sphinx“ (1808). Der große deutsche Maler und Figurenzeichner Anton Raphael Mengs schuf ebenfalls eine Reihe hervorragender männlicher Akte, darunter seine Buntstift- und Kohlezeichnung „Sitzender Akt als Zyklop“ (1770).

Der männliche Akt in der Kunst des neunzehnten Jahrhunderts

Das neunzehnte Jahrhundert bietet der klassischen Tradition des männlichen Aktes eine letzte Chance. Pierre-Charles Simard nutzte diese Gelegenheit mit seinem marmornen Meisterwerk „Orestes im Schutz des Pallas-Altars“ (1839-40) voll aus. Jean-Baptiste Carpeaux nutzte die Nacktheit in seiner düsteren Bronze Ugolino (1862), und Rodin schuf Meisterwerke wie Zeitalter der Bronze (1876), Der Denker (1881) und Der Kuss (1889), die allesamt nicht der klassischen Proportionslehre entsprachen.

Einen intimeren Stil männlicher Akte schuf der belgische Bildhauer Georges Minné in Werken wie Spurgeon I (1891) und Kniender junger Mann am Brunnen (1898), während der französische Künstler Marius-Jean-Antonine Mercier den bemerkenswerten David (1872-3) schuf, der Anklänge an Donatello aufweist. Zu den Beispielen männlicher Nacktheit in der Malerei des neunzehnten Jahrhunderts gehören so kraftvolle Bilder wie Der nackte Mann (1810-11) von Théodore Géricault.

Der männliche Akt in der Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts

Trotz des Aufkommens des Kubismus, des Expressionismus und anderer moderner Schulen und des anschließenden Niedergangs der klassischen Tradition bleibt der männliche Akt ein starkes Symbol in der bildenden Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts. In der Bildhauerei sind Beispiele für männliche Nacktheit: Unstoppable Benga (1935) von Richmond Barthes; Storm (1947-8) von Germaine Richier; und das hyperrealistische Couple (1971) von John De Andrea . In der Malerei wird das Beispiel der männlichen Nacktheit durch zahlreiche Werke des großen figurativen Genies Lucian Freud, wie „Nackter Mann mit Ratte“ (1977).

Obwohl die Fotografie in jüngster Zeit als bildende Kunst angesehen wird, gehört diese Kunstform aufgrund der fehlenden Barriere zwischen dem fotografischen Abzug und dem Betrachter in eine ganz andere Kategorie als die Malerei und die Bildhauerei und wird daher hier nicht berücksichtigt. Siehe aber auch Kamerakünstler wie Robert Mapplethorpe und andere.

Top 10 der größten männlichen Akte der Kunstgeschichte

Die Liste wurde von unserem Redakteur Neil Collins LLB MA zusammengestellt, der auch unsere Listen der Größten Gemälde: Top 300, und Größten Skulpturen: Top 100 zusammengestellt hat.

10. Kniender junger Mann am Springbrunnen (1898)
Bronzeskulptur, Musée d’Orsay, Paris.
Von George Minné (1866-1941).

9. Sterbender Gallier (um 240)
Marmorkopie eines Bronzeoriginals, Kapitolinisches Museum, Rom.
Werk eines unbekannten Bildhauers.

8. Orestes im Schutz des Altarbildes von Pallas (1839-40)
Marmorskulptur, Museum der Schönen Künste, Rouen.
Von Pierre-Charles Simart (1806-1857).

7. Jason mit dem Goldenen Vlies (1803-28)
Marmor, Thorvaldsen Museum, Kopenhagen.
Autor Bertel Thorvaldsen (1770-1844).

6. Perseus mit dem Haupt der Medusa (1545-54)
Bronze, Loggia dei Lanzi, Florenz.
Autor Benvenuto Cellini (1500-1571).

5. Apollo Zauroctonos (4. Jahrhundert)
Marmor, Museo Pio Clementino, Vatikanstadt.
Kopie nach dem Original von Praxiteles (tätig Mitte des 4. Jahrhunderts v. Chr.).

4. Vergewaltigung der Sabinerinnen (1581-3)
Marmor, Loggia dei Lanzi, Florenz.
Autor Giambologna (1529-1608).

3. Apollo, der sich selbst krönt (1781)
Marmor, J. Paul Getty Museum, Los Angeles.
Autor Antonio Canova (1757-1822).

2. David von Michelangelo (1501-4)
Marmor, Galleria dell’Accademia, Florenz.
Michelangelo Buonarroti (1475-1564).

1. David von Donatello (ca. 1440)
Bronze, Museo Nazionale del Bargello, Florenz.
Werk von Donatello (1386-1466).

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