Winslow Homer:
Amerikanischer Realist Genre-Maler, Seascape Artist Automatische übersetzen

Biografie

Eines der am meisten Amerikas berühmte Maler Homer hatte ein einzigartiges Talent, die Natur auf eine Weise darzustellen, die den amerikanischen Pioniergeist überzeugend widerspiegelte. Autodidakt sowohl in Aquarell als auch in Öl und ein Meister der Buchillustration Obwohl er am bekanntesten für seine Seestückkunst ist, die typischerweise von starkem narrativem Inhalt durchdrungen ist. Er hat auch viele gute abgeschlossen Landschaften und Genrebilder.

Homers Fächer

Seine realistische Malerei befasst sich mit dem dunklen Leben von Fischern, Soldaten, Seeleuten, Waldläufern, Jägern, Pionieren – den Werktätigen und den Vagabunden und den Leidenden der Menschheit. Das "barbarische Gähnen" seines Pinsels besaß nichts von der Redewendung der höflichen Gesellschaft, nichts von der Sanftmut von John Singleton Copley, Blackburn, Smibert, John Singer Sargent oder einer der anderen beliebten amerikanischen Salonmaler. Seine Stimme war neu, rassig mit der frischen Rassigkeit einer neuen Welt. Peinlich? Widerspenstig? Ungepflegt? Ja, so ungeschickt und unruhig und so ungepflegt wie ein Nordosten vor der Küste von Maine. Und so majestätisch.

Wie der gute Herr schuf Winslow Homer so viele Bilder des gemeinen Volkes, weil er das gemeine Volk liebte. Und verstand sie. Kein anderer Künstler in Amerika hatte ein besseres Verständnis des menschlichen Herzens bei der Herstellung von Homespun.

Jugend

Er kannte die einfachen Leute, weil er einer von ihnen war. Er stammte aus einer alten Massachusetts-Linie von harten Arbeitern, frommen Anbetern und einfachen Lebern. Sein Vater, Charles Savage Homer, war ein Hardware-Händler mit einem puritanischen Gewissen und einer sparsamen Seele. Seine Mutter, Henrietta Benson Homer, war eine talentierte Aquarellistin und wurde später die erste Kunstlehrerin ihres Sohnes. Sie und Homer würden zeitlebens eine enge Beziehung haben.

Winslow, der zweite von drei Söhnen, wurde am 24. Februar 1836 in der 25 Friend Street geboren, einer der ältesten Straßen im North End Labyrinth von Boston. Als Winslow ein Kind von sechs Jahren war, zog seine Familie nach Cambridge. Hier, im Schatten des Harvard College, erhielt Homer seine erste Ausbildung. Es gab jedoch nichts von dem Harvard-Einfluss in der Ausbildung von Homers Verstand. Sein Charakter war hausgemacht. Er mochte seine Spiele mehr als seine Bücher. Zusammen mit seinen beiden Brüdern verbrachte er viele Stunden mit Angeln, Schwimmen, Bootfahren und Toben an den Stränden von Cambridgeport. Hier entwickelte er einen frühen Geschmack für Zeichnung. Wohin er auch ging, er zeichnete Bilder seiner Umgebung – einfache kleine Schwarz-Weiß-Darstellungen von Fuß- und Bootsrennen, von den Menschen zu Hause, den Fußgängern auf den Straßen, den Arbeitern am Flussufer, dem Mann mit der Schubkarre, Knabenkindersportarten mit Peitschenhieb und Käfer und Keil. Von diesem Tag bis zum Ende seiner Karriere schuf Winslow Homer gerne Bilder, die eine Geschichte erzählten. "Kunst um der Kunst willen" war für ihn eine bedeutungslose Phrase. Ein Bild, das keine Geschichte erzählte, war so unpassend wie ein Satz, der weder ein Thema noch ein Prädikat enthielt.

Lehrling Lithograf

Sein Vater war klug genug, die Fähigkeit seines Sohnes, Geschichten zu erzählen, durch das Medium des zu erkennen Zeichenstift. Er nahm seinen Jungen aus der Schule und brachte ihn zu Mr. Bufford, einem Bostoner Lithograph der für einen Jungen geworben hatte "mit einem Talent zum Zeichnen." Homers Aufgaben in Buffords Lithografieladen brachten ihm die Würze der Abwechslung. Er druckte Karten. Er fertigte Bilddekorationen für Buchumschläge an. Er zeichnete Titelseiten für so beliebte Songs wie "Katy Darling" und "Oh, Whistle und ich komme zu dir, mein Junge". Schließlich wurde er mit der wichtigen Aufgabe betraut, die Porträts des gesamten Senats von Massachusetts auf Stein zu entwerfen.

Aber das war nicht die Art von Arbeit, an der er interessiert war. Eines Nachmittags, als Homer einen halben Urlaub verbrachte, ging er in Dobsons Bildergalerie. Er blieb vor einem Genre-Gemälde von Edouard Frere stehen. Ein Kunstkenner sah ihn eine Weile an und ging dann auf ihn zu. "Du magst gute Bilder?" er hat gefragt.
"Ja, Sir… ich habe vor, selbst Maler zu werden."
"Wirklich? Welchen speziellen Arbeitsbereich planen Sie aufzunehmen?"
"So ähnlich, Sir" – deutete auf Freres Bild "nur ein verdammter Anblick besser."

Sein eigenes Künstleratelier

An seinem 21. Geburtstag im Jahr 1857 verließ er seine Lehre und mietete ein eigenes Studio in Boston. Er war kein sehr einnehmender junger Mann – eher klein, leicht, fest; haselnussbraune Augen, ein dicker brauner Haarschopf, ein strähniger brauner Schnurrbart und ein beginnender Bart, der wie unregelmäßige Grasbüschel auf einem Felsvorsprung an seinem Kinn wuchs. Aber er besaß eine Yankee-Entschlossenheit und eine Yankee-Schlauheit. Er wusste, wie man arbeitet und wie man seine Arbeit verkauft. In dem Bestreben, würdevoller auszusehen, wie es sich für einen angesehenen jungen Künstler gehört, der jetzt für sich selbst im Geschäft war, entwarf er den eingebildetsten Dandy der Bostoner Boulevards, einen Franzosen namens Paunceloup. Er erwischte diesen Mann in seinem charakteristischen Schritt – Kopf hoch, Brust raus, Mantel perfekt geschnitten und perfekt gepresst, ein lebendes Modell des gepflegten jungen Aristokraten. Er brachte diese Skizze zu seinem Schneider und verkaufte sie sofort für einen neuen Anzug.

Illustrator für Harpers Woche

Seine Fähigkeit, das Leben der Stadt in seinen Schritten einzufangen, erregte die Aufmerksamkeit der Herausgeber der Harper’s Week. Sie begannen, seine Skizzen von Boston zu kaufen – eine Straßenszene im April, ein Blick auf das Boston Common, ein Familientreffen zu Thanksgiving, eine Eislaufparty auf Frog Pond, ein Schneesturm auf der Tremont Street – Skizzen, die voller lebensechter Menschen und lebhafter Menschen waren Action, jeder von ihnen eine vollständige und interessante und dramatische Geschichte.

Die Herausgeber von Harper’s waren bestrebt, seine Kunst auszunutzen, die der ihrer anderen Mitwirkenden so deutlich überlegen war. Sie schlugen vor, er solle nach New York kommen, damit sie enger zusammenarbeiten könnten. Er folgte ihrem Vorschlag und machte sich im Herbst 1859 auf den Weg zu den neueren und reicheren Weiden Manhattans. (Um über den größten Illustrator des 20. Jahrhunderts in Amerika zu lesen, siehe Norman Rockwell 1894-1978, deren Motivbilder denen von Homer nicht unähnlich waren.)

Übersiedlung nach New York

Wer von zu Hause wegreist, beobachtet den lateinischen Dichter Horace, ändert seinen Himmel, aber nicht seine Meinung. Der Geist und das Genie von Homer, trotz seines Umzugs nach New York, bezog seinen Lebensunterhalt weiterhin aus dem Boden von New England.

Die Redakteure der Harper’s Week boten ihm eine feste Anstellung in ihrem Stab an. Aber er lehnte das Angebot ab, weil er, wie er sagte, die Freiheit bereits gekostet und sie der Sklaverei vorgezogen hatte. "Die Sklaverei bei Bufford war zu frisch in meiner Erinnerung, als dass ich mich darum kümmern könnte, mich wieder zu binden. Seit ich meine Nase von diesem lithografischen Stein gezogen habe, hatte ich keinen Meister und werde keinen haben."

Kunstkurse

Stattdessen blieb er freiberuflich und eröffnete ein Studio im Tenth Street Studio Building. Darüber hinaus besuchte er bis 1863 Kunstkurse an der National Academy of Design und studierte kurz bei Frédéric Rondel, der ihm die Grundlagen des Malerei der schönen Kunst. Innerhalb von 12 Monaten produzierte Homer ausgezeichnet Ölgemälde. Seine Mutter versuchte, Geld aufzutreiben, um ihn zur Weiterbildung nach Europa zu schicken, doch als der Bürgerkrieg ausbrach, trat er als Künstlerkorrespondent dieser Zeitschrift an die Front.

Amerikanischer Bürgerkriegskünstler

Die Bilder, die er in dieser Zeit malte, waren selten Bilder von Kampfszenen. Seine Aufgabe bestand nicht darin, den Krieg zu verherrlichen oder zu verurteilen, sondern lediglich einfache, realistische Geschichten über die Soldaten zu erzählen. Und die meisten dieser Bilder beschreiben nicht den Tod, sondern das Leben der Soldaten – in ihren Zelten, beim Essen, am Biwakfeuer, beim Spielen, beim Singen ihrer Lieder, beim Erzählen ihrer Geschichten und beim Lesen der Briefe ihrer Familien zu Hause. Und irgendwie wirken diese Bilder dramatischer als viele der Kampfszenen der konventionellen Maler. Homer hat fast alle seine Effekte indirekt erzeugt. Seine Kriegsbilder sind auffällig für das, was sie weglassen, als für das, was sie beinhalten. Die Skizze mit dem Titel Verwundet zeigt zum Beispiel nicht den betroffenen Soldaten, sondern seine verängstigte Frau, als sie das Telegramm liest. Homer war ein Meister der dramatischen Auslassung.

Homers Kriegsarbeit war gefährlich und stressig, aber als er in sein Studio zurückkehrte, gewann er seine Kraft zurück und konzentrierte seine kreativen Fähigkeiten neu. Er produzierte eine Reihe von kriegsbezogenen Bildern, die auf seinen Zeichnungen basierten, darunter Sharpshooter on Picket Duty (1862), Home, Sweet Home (1863) und Prisoners from the Front (1866). Er zeigte Home, Sweet Home an der National Academy und sein enthusiastischer Empfang von den Kritikern führte zu seiner Wahl zum Associate Academician, dann 1865 zum Full Academician.

Aber es waren nicht die Kriegsbilder, die die Erinnerung an Winslow Homer aufrechterhalten sollten. Dies waren lediglich eine Reihe von Übungen zum Zeichnen und Malen. Sie sollten ihn auf seine eigentliche Arbeit vorbereiten, die später kommen sollte.

Reisen nach Europa

Und was war seine eigentliche Arbeit? Auf diese Frage wusste noch nicht einmal Homer selbst die Antwort. Wenn der richtige Moment kam, würde er es wissen. Vorläufig muss er jedoch weiter üben, malen, sein Werk kritisieren und sich auf den feierlichen Moment vorbereiten, in dem er den Ruf hören würde. Im Jahr 1867 unternahm er eine Reise nach Europa – seine früh gefeierten Arbeiten Prisoners from the Front wurden zu dieser Zeit auf der Exposition Universelle in Paris ausgestellt. Er studierte die alten Meister, kopierte sie aber nicht. Sie waren geschickt, wunderschön, manchmal erhaben, aber sie sprachen nicht seine Sprache. Er war ein Yankee, ein freier Bürger einer freien Welt, einer Welt, die sich von den Traditionen der Vergangenheit gelöst hatte. Er hat während seiner Zeit in Paris nicht offiziell studiert. Stattdessen schuf er etwa ein Dutzend kleiner Landschaftsbilder, die hauptsächlich das Leben der Bauern darstellten und eine stärkere Affinität zu ihnen zeigten Jean Francois Millet und das Französische Barbizon Schule als mit neueren Talenten wie Edouard Manet und Gustave Courbet. Obwohl er von Manet beeindruckt war, untersuchte er die Wiedergabe von Licht und Farbe auf eine andere Weise als die Impressionisten – Anstatt Formen zu verwischen, suchte er Leuchtkraft in einer festen Konstruktion aus klaren Umrissen und breiten Ebenen von Hell und Dunkel – wie in Long Branch, New Jersey (1869). In der Zwischenzeit arbeitete er auch weiterhin für Harper’s und zeigte Szenen aus dem Pariser Leben.

Rückkehr nach New York

Er kehrte nach New York zurück und versuchte, diese Schönheit in einer Reihe historischer amerikanischer Bilder darzustellen, unter anderem anhand von Zeichnungen, die er während des Bürgerkriegs angefertigt hatte, wie The Sharpshooter und Prisoners from the Front. Als er diese beendet hatte, sagte er noch einmal: "Gut gemacht, aber es ist nicht ganz das, was ich tun möchte." Dann wandte er sich zu seiner Inspiration den Arbeitern und Bauern Amerikas zu, weiß und schwarz. Er malte sie in ihren Häusern, in ihren Schulen, bei ihren saisonalen Beschäftigungen – A Winter Morning, Shoveling Out ; Beeren sammeln ; Marktszene, weißer Gebirgswagen ; Der Landladen ; New England Factory Life, Überqueren der Weide ; Die Mittagspause ; Der Besuch (zu den emanzipierten Sklaven) der Alten Geliebten ; Eine glückliche Negerfamilie in Virginia. "Diese Bilder", schrieb der Herausgeber von Harper’s Weekly, "sind wunderschöne Gedichte." Aber Homer war noch nicht ganz zufrieden. Er suchte immer noch nach dieser höchsten Inspiration.

Aquarellist

Wie der große amerikanische Künstler Edward Hopper Nach fünfzig Jahren begann Homer damit Aquarelle regelmäßig im Jahr 1873 während eines Sommeraufenthalts in Gloucester, Massachusetts. Während Hopper im 19. Jahrhundert von Gloucesters großen viktorianischen Häusern fasziniert war, die von reichen Kapitänen erbaut wurden, war Homer von der Küste und ihren Meereslandschaften fasziniert. Seine Aquarelltechnik war von Anfang an flüssig und selbstbewusst, und seine Gemälde erwiesen sich als außerordentlich beliebt, was seine Finanzen erheblich verbesserte. Seine Arbeiten reichten von der detaillierten Tafel (1877) bis zum eher impressionistischen Schoner bei Sonnenuntergang (1880).

Wird Vollzeitmaler

1875 stellte er seine Arbeit als kommerzieller Illustrator und Lithograf ein, um sich ganz auf seine Malerei zu konzentrieren. Sein Gemälde Snap the Whip aus dem Jahr 1872 war sehr gut aufgenommen worden und wurde 1876 auf der Centennial Exposition in Philadelphia ausgestellt, ebenso eines seiner schönsten und berühmtesten Gemälde Breezing Up (1876).

Von 1881 bis 1882 lebte und malte Homer zwei Jahre in Cullercoats – einem Dorf an der Küste von Northumberland in England. Diese Bilder stellten den Arbeitsalltag gewöhnlicher Männer und Frauen dar, aber in einem neuen Stil – seine Farbpalette war enger gefasst; Seine Bilder sind größer, ehrgeiziger und bewusster komponiert. Und indem er weniger sentimental handelte, schuf er Werke von nachhaltigerer Natur. Er stellte sein aus Englische Landschaften Nach seiner Rückkehr in New York waren die Kritiker beeindruckt von der Veränderung des Stils.

Homers Meeresbilder

Nach seiner Rückkehr aus England malte er ein anderes Bild – Winter at Sea. Er sah es sich an, als er fertig war. Dies war das Thema, nach dem er gesucht hatte. Dies sollte von nun an seine Inspiration sein. Winslow Homer war der Poet Laureate of the Storm geworden. Seine Aufgabe war es fortan, die Saga of the Sea zu malen.

Er verließ New York und baute sich ein Häuschen an der felsigen Küste von Maine. Hier, in dem kleinen Fischerdorf Prout’s Neck , blieb er von 1884 bis zu seinem Tod 1910 sechsundzwanzig Jahre. Er reiste immer noch – zu den Adirondacks, nach Kanada, Bermuda, Florida und in die Karibik – und malte überall die Aquarelle auf dem viel von seinem späteren Ruhm basieren würde – aber Prouts Hals war sein besonderer Platz.

Prout’s Neck liegt auf einem schroffen Vorgebirge, das steil in den Nordatlantik hineinragt, und duftet nach scharfen Kiefern und dem salzigen Meer. Und die einsame Wildheit der Szene appellierte mächtig an das einsame Genie Homers. Sein Haus war in sicherer Entfernung vom Meer zurückversetzt. Aber er baute sich ein anderes kleines Plätzchen, ein tragbares, kastenartiges Obdach mit einem Fenster zum Meer. Hier, bei östlichem Wetter, schloss er sich wie ein Taucher zwischen den Klippen ein und malte die Wut des Ozeans, als es in Berge von Spray über seinem Kopf ausbrach.

Er liebte das Meer, sowohl in seiner Wut als auch in seiner Ruhe. Monatelang lebte er allein, mit dem Meer als einzigem Begleiter. Mit diesem Kameraden zum Reden, Studieren, Malen war Winslow Homer ganz für sich allein. In einem kleinen Garten, den er hinter seinem Häuschen angelegt hatte, pflanzte er alles Gemüse, das er brauchte. Eines Sommers züchtete er sogar eine Ernte von Tabak. Er lernte das Schwitzen und Trocknen der Blätter und ging in eine Fabrik in Portland, wo er Unterricht in der Herstellung seiner eigenen Zigarren erhielt.

Die Lebenslinie

Er malte 1884 das erste große Bild in seiner langen Serie von Meereslandschaften. Er nannte es die Lebenslinie. Es ist die Geschichte eines Schiffbruchs, aber es ist kein Schiff auf der Leinwand. Homer, der Meister des dramatischen Versäumnisses, stellte die Tragödie des sinkenden Schiffes dar, indem er die Rettung eines der Passagiere darstellte, die vom Schiff genommen wurden. Diese Rettung erinnert den Betrachter nicht nur an die Schrecken des Meeres, sondern auch an den Einfallsreichtum und den Mut des Menschen. Über den oberen Teil des Bildes erstreckt sich in der Mulde zwischen zwei Wasserbergen eine Lebenslinie vom Schiff bis zur Küste. Von der Leine mit Seilen und Umlenkrollen aufgehängt, schwingt ein Rettungsstuhl auf das Land zu. Auf dem Stuhl sitzt ein Seemann, der die bewusstlose Gestalt eines Mädchens in seinen ständigen Armen trägt. Ihr Gesicht ist weiß. Ihr mit Salzwasser getränktes und von der Gewalt des Meeres zerrissenes Kleid schmiegt sich an ihre schlaffe Form. Ihr rechter Arm hängt schlaff in Richtung der Wellen. Das Gesicht des Seemanns – und hier haben wir noch einen dramatischen Aspekt des Malers – wird von einem Schal verdeckt, den der Sturm um sein Gesicht geschlagen hat. Hätte Homer das Gesicht des Seemanns gemalt, hätte er zwei Zentren von gleichem Interesse geschaffen. Er hätte die Einheit des Bildes zerstört. Aber er wusste es besser. Er wollte, dass der Zuschauer sich nicht so sehr auf den Mut des Retters konzentrierte, sondern vielmehr auf die Hilflosigkeit des Geretteten. Einfallsreichtum? Mut? Ja. Aber vor allem die tragische Kleinheit der Menschheit inmitten des zerklüfteten Meeres.

Golfstrom

Diese tragische Kleinheit des Menschen erscheint in Homers Golfstrom (1899) noch ergreifender ) Metropolitan Museum of Art, New York City) ein Bild, das er bei einem Besuch im Süden gemalt hat. Ein schiffbrüchiger Neger liegt ausgestreckt in einem saillosen und ruderlosen Rettungsboot und treibt ziellos über dem blauen karibischen Wasser. Das Schiff ist von einer Reihe von Haien umgeben, die mit weit geöffneten Mäulern hungrig warten. In der Ferne zieht ein Handelsschiff am Horizont vorbei. Niemand an Bord hat den erschöpften Seemann beobachtet, der zu schwach ist, um sich dieser letzten schwindenden Hoffnung auf Rettung bewusst zu werden. Es gibt nur ein Ende dieser düsteren und grässlichen Geschichte – die Haie.

Homer ist jedoch nicht oft der Maler des Pessimismus. Der Poet Laureate of the Ocean präsentiert es in all seinen Stimmungen. Und er präsentiert seine Seeleute, "die Bauern, die die Wellen für ihren Unterhalt pflügen", in all ihren Stimmungen. Er zeigt ihnen, wie sie ihre Netze schleppen, mit dem Fang ihres Tages zurückkehren, mit ihren Mädchen am Strand tanzen, mit ihrem herzhaften Schwung an der Ankerkette ziehen und nachts zu ihrem Schiff rudern, während die Wellen "den Mond küssen". Beobachten Sie die ankommenden Boote mit ihrem Fernglas vom Ufer aus oder kümmern Sie sich auf einfache, unheldenhafte Weise um die alltäglichen Heldentaten des Seemanns.

Winslow Homer ließ sich von diesen alltäglichen Pflichten des Seemanns und den unscheinbaren Routineteilen an Bord des Schiffes zu zwei der glamourösesten Tiefseeklassiker Amerikas inspirieren – The Lookout und Eight Bells.

Der Ausguck

Der Lookout, eine Nachtszene an Bord, wurde im Mondlicht gemalt und nie bei Tageslicht retuschiert – eine Leistung, die nicht einmal Whistler jemals zu wagen gewagt hatte. Auf diesem Bild hat Homer die Quintessenz der Poesie einer Nacht auf See eingefangen, wie es vielleicht noch keinem anderen Maler gelungen ist. Ein Sternenhimmel über ihnen, darunter eine Furche aus weißem Schaum; und dazwischen die Zierglocke eines Schiffes, eine Ecke des Decks, ein paar Seile und das bärtige Gesicht und die erhobene Hand eines Seemanns. Dies sind ungefähr die einzigen Details auf dem Bild. Und doch ist der Effekt einer von riesigen Räumen, einsamen Stunden, furchtloser Mühe. Der Seemann, der auf der Hut ist, hat gerade gerufen: "Alles in Ordnung!" Sein Mund ist noch offen und seine Hand vollendet gerade die Geste, die seinen Anruf begleitet hat. Der Kopf des Seemanns mit seinem Ölzeughut, den scharfen Zügen und den ergrauten Haaren sieht aus, als wäre er aus Bronze modelliert worden. Der ewige Wächter des Meeres. "Schlaf, meine Kumpels! Die Sterne sind ausgegangen, das Meer ist glatt, das Schiff ist sicher. Alles ist gut!"

Acht Glocken

Ebenso beeindruckend in seiner poetischen Einfachheit ist Eight Bells (1886). Auf dem Deck eines Schiffes stehen zwei bärtige Matrosen, die zu zwei Dritteln bemalt sind. Beide tragen Ölmützen und schwere Riffjacken. Die Hauptfigur, die die Bildmitte einnimmt, steht mit dem Rücken zum Betrachter dem Meer zugewandt. Er hält ein Teleskop in seinen beiden Händen und ist damit beschäftigt, "die Sonne abzuschießen" – das heißt, er nimmt den Breitengrad des Schiffes ein. Sein Assistent rechts ist im Profil zu sehen. Er beugt sich über einen Chronometer, um die Länge des Schiffes zu bestimmen. Der einzige Teil des Schiffes, den der Zuschauer sehen kann, ist der obere Teil der Bollwerke, die sich vom Deck direkt hinter dem Rücken des Assistenten erheben. Das Meer brodelt mit Schaum. Das Schiff hat gerade einen schweren Sturm überstanden. Die Wolken wirbeln immer noch in zerlumpten, graugrauen Dämpfen, aber hier und da versucht der Himmel, in kleinen blauen Flecken durchzubrechen. Für die Segler ein prosaisches Detail des Alltags – das Einnehmen der Schiffsposition am Mittag. Aber für den Zuschauer eine Sache der Magie und Ehrfurcht – das Lesen der täglichen Wegweiser auf den nicht markierten Autobahnen des Meeres. Der unbesiegbare Ozean, erobert durch den Einfallsreichtum und die Beharrlichkeit des Menschen. Dies ist das Geheimnis des Zaubers, den Eight Bells auf den Zuschauer gewirkt hat – von allen anderen Seepics von Winslow Homer.

Winter in der Karibik

In den Wintern der Mitte der 1880er Jahre reiste Homer zu den wärmeren Orten Floridas, Kubas und der Bahamas und malte eine Reihe von Aquarellen für das Century Magazine. Anstelle der turbulenten dunklen See des Nordatlantiks hat er nun das glitzernde Meer und den Himmel der Karibik eingefangen und seine Maltechnik und Farbgebung weiter ausgebaut. Ein Garten in Nassau (1885) ist eines seiner besten Aquarelle aus dieser Zeit.

1893 vollendete Homer eines seiner berühmtesten "darwinistischen" Gemälde, The Fox Hunt, das eine Herde hungernder Krähen zeigt, die auf einen Fuchs fallen, der von tiefem Schnee müde ist. Dies war Homers größtes Gemälde und es wurde sofort von der Pennsylvania Academy of Fine Arts gekauft, dem ersten Ankauf seiner Werke durch ein bedeutendes amerikanisches Museum.

Obwohl er Mitte der 1890er Jahre fest als einer der größten amerikanischen Künstler etabliert war, erlangte sein Werk nie die Popularität (unter Kunstkäufern) von Mainstream-Salonbildern oder von Porträtgemälden wie John Singer Sargent. Tatsächlich dauerte es Jahre, bis eine gute Anzahl von Homers Seestücken verkauft war, und einige bedeutende Bilder brachten ihm weniger als 500 Dollar ein. Wirklichen Wohlstand erlangte er erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts.

Homer starb 1910 im Alter von 74 Jahren in seinem Prout’s Neck Studio, das später vom Portland Museum of Art erworben wurde.

Ansehen und Vermächtnis

Anders als sein Zeitgenosse Thomas Eakins (1844-1916) unterrichtete Homer nie oder nahm Schüler auf, aber sein einzigartiger Kunststil beeinflusste Generationen amerikanischer Maler, da er den Kampf des Menschen mit der Natur direkt und energisch darstellte. Besonders verehrt wurde er von einem seiner Zeitgenossen, dem amerikanischen Illustrator Howard Pyle (1853-1911), sowie von Pyles Schüler Newell Convers Wyeth (1882-1944) und seinem Sohn Andrew Wyeth (1917-2009) sowie der frühere Iowaner Künstler Grant Wood (1892-1942). Homer war auch ein Einfluss auf Realismusschulen des 20. Jahrhunderts in Amerika, einschließlich Amerikanische Szenenmalerei und seine Niederlassung im Mittleren Westen Regionalismus.

Trotz seines Mangels an formalen Kunst Ausgebildet war er Meister mehrerer Medien in Malerei und Druckgrafik, wie in seinen Werken veranschaulicht: Der Krieg für die Union, (1862) a Holzschnitt Gravur (Kopien in verschiedenen Museumssammlungen); Acht Glocken (1886) Öl auf Leinwand (Addison Gallery of American Art); Verbessere die Gegenwart (1889), Radierung (Kopien in verschiedenen Museumssammlungen); Nach dem Hurrikan, Bahamas (1899), Aquarell (Art Institute of Chicago).

Homer gilt neben Eakins und dem Expatriate James McNeill Whistler (1834-1903) als der größte amerikanische Maler seiner Zeit. Seine Bilder sind im zu sehen beste Kunstmuseen quer durch Amerika.