JMW Turner:
Englischer Landschaftskünstler, Aquarellmaler Automatische übersetzen

Joseph Mallord William Turner, ein führender Vertreter der englischen Landschaftsmalerei, schuf eine große Anzahl von Aquarellen, Stichen und Ölgemälden. Seine einzigartige Kombination aus Romantik und bodenständigem Realismus hatte einen bedeutenden Einfluss auf seine Zeitgenossen, einschließlich der französischen Schule von Barbizon, und legte den Grundstein für die revolutionäre Landschaftsmalerei des französischen Impressionismus .

Turners Gemälde

Bekannt als „Maler des Lichts“, gehören zu seinen bedeutendsten Werken „Hannibal Crossing the Alps“, (1812, Tate, London) ; Regen, Dampf und Geschwindigkeit - Die Great Western Railway, (1844, National Gallery, London), The Burning of the Houses of Lords and Commons, (1835, Philadelphia Museum of Art) und The Battling Temeraire, (1838, National Gallery, London). Er gilt zu Recht als einer der besten Landschaftsmaler in der Geschichte der europäischen Malerei.

Biografie

Turner wurde 1775 in London als Sohn eines Barbiers und Perückenmachers geboren. Seine Mutter, die in einer psychiatrischen Anstalt untergebracht war, starb, als er erst 9 Jahre alt war. Sein Vater brachte ihm das Lesen bei, und das war das Ende seiner Ausbildung, abgesehen von seinem Kunststudium. Im Alter von 13 Jahren verkaufte er seine Zeichnungen im Schaufenster seines Vaters. Mit 14 trat er in die Schule der Londoner Royal Academy of Arts ein und wurde ein Jahr später in die Akademie aufgenommen (mit 27 wurde er zum Vollmitglied gewählt). (Anmerkung: Für einen Vergleich mit einem anderen Landschaftsmaler siehe: Richard Parkes Bonington .)

Im Alter von 15 Jahren wurde eines seiner Aquarelle zur Ausstellung an der Akademie angenommen, eine sehr seltene Ehre für einen so jungen und noch nicht etablierten Künstler. Sein Frühwerk bestand hauptsächlich aus Zeichnungen und Aquarellen, und es dauerte einige Zeit, bis er sich bereit fühlte, sich der Ölmalerei zuzuwenden.

1796 stellte er sein erstes Ölgemälde in der Akademie aus „Fischer am Meer“ und stellte für den Rest seines Lebens fast jedes Jahr aus. Im Alter von 18 Jahren hatte er sein eigenes Atelier in der Harley Street. Innerhalb von zwei Jahren kauften Drucker eifrig seine Zeichnungen für Reproduktionen. Der frühe Erfolg verschaffte Turner den finanziellen Spielraum für Innovationen, was er viele Jahre lang tat. Wichtige frühe Werke sind „Hannibal Crossing the Alps“ und „Ulysses Mocking Polyphemus“, 1829 (National Gallery, London).

Er unternahm ausgedehnte Reisen durch ganz Europa, darunter Frankreich, die Schweiz und Italien, aber seine wahre Inspiration fand er in Venedig, wohin er im Laufe seines Lebens immer wieder zurückkehrte. Er schuf zahlreiche Aquarelle und Ölgemälde, die diese Stadt darstellen, darunter Grand Canal, Venedig, 1835 (Metropolitan Museum of Art, New York).

Naturkatastrophen und -phänomene beflügelten seine Fantasie, er liebte es, Schiffe, Brände, raue See, Stürme und Nebel zu malen. Diese Themen finden sich in den Gemälden „Burning of the Houses of Lords and Commons“, „Peace: Burial at Sea, 1842 (Clore Gallery, London), Rain, Steam and Speed - The Great Western Railway und Slave Ship (Sklavenhalter werfen die Toten und Sterbenden über Bord, ein Taifun kommt), 1840 (Museum of Fine Arts, Boston). Das Thema der zerstörerischen Kraft der Natur taucht erstmals in seinem Gemälde „Hannibal überquert die Alpen“ auf und zieht sich durch seine gesamte Karriere. Er liebte es, Ereignisse aus erster Hand zu erfahren; als er von einem Brand in den Houses of Parliament erfuhr, eilte er sofort an den Ort des Geschehens. Es heißt, er habe sich sogar an den Mast eines Schiffes gebunden, um das Drama der tobenden See aus nächster Nähe zu erleben.

Mit zunehmender Reife wurde sein Werk fast impressionistisch, da er weniger auf Details als auf die atmosphärische Gesamtwirkung achtete. Er wurde ein Meister in der Wiedergabe von reinem Licht mit schimmernden Farben. Ein Beispiel dafür ist das Gemälde „Great Western Railway“, in dem der Zug kaum zu erkennen ist.

Für Turner war das Studium des Lichts von größter Bedeutung, und er wollte nicht, dass die Gegenstände im Gemälde von dieser Aufmerksamkeit ablenken, sondern konzentrierte sich auf das Spiel des Lichts auf Wolken, Wasser, Himmel und Feuer. Seine Technik wurde von den französischen Impressionisten, insbesondere von Claude Monet, kritisch hinterfragt. Doch nicht jeder war mit seinem späteren Werk zufrieden. Ein amerikanischer Käufer soll von der Unschärfe“ seiner späten Gemälde enttäuscht gewesen sein „.

Weitere wichtige Werke von Turner sind Staffa, Fingal’s Cave, 1832 (Yale Centre for British Art, New Haven), Norham Castle, Sunrise, ca. 1835 (Clore Gallery), Innenraum in Petworth, ca. 1837 (Tate Gallery, London), Mondlicht, Aquarell, 1840 (Tate), Sonnenuntergang über einem See, 1840 (Tate) und Landschaft mit fernem Fluss und Bucht, 1840 (Musée du Louvre, Paris).

Je älter er wurde, desto exzentrischer wurde er, und mit Ausnahme seines Vaters, mit dem er 30 Jahre lang zusammenlebte, hatte er keine engen Freunde. Er weigerte sich, an der Royal Academy teilzunehmen und erlaubte niemandem, ihm beim Malen zuzusehen. Er hatte zwar noch Ausstellungen, weigerte sich aber, Bilder zu verkaufen.

Als er sich überreden ließ, ein Bild zu verkaufen, war er danach mehrere Tage lang deprimiert. Seine letzte Ausstellung fand 1850 in der Akademie statt, und danach verschwand er aus seinem Haus. Seine Haushälterin suchte mehrere Monate lang nach ihm und fand ihn schließlich im Haus seiner Vermieterin in Chelsea. Er war schon seit einiger Zeit krank und starb am nächsten Tag im Dezember 1851. Er war sechsundsiebzig Jahre alt. Als er seinen letzten Atemzug tat, sprach er die Worte „Die Sonne ist Gott“. Er wurde in der St. Paul’s Cathedral beigesetzt und ruht neben Sir Joshua Reynolds.

Der einflussreiche Kunstkritiker John Ruskin bezeichnete Turner später als den einzigen Künstler, der „die Stimmungen der Natur am ergreifendsten und wahrheitsgetreuesten wiedergeben konnte“. Zusammen mit William Hogarth, Gainsborough und John Constable gilt Turner als einer der größten Künstler Englands, und er ist im einundzwanzigsten Jahrhundert so beliebt wie zu seiner Zeit. Im Jahr 1984 stiftete die Tate Gallery einen neuen Preis für Avantgarde-Kunst, den Turner Prize, der die Karriere von heute berühmten Künstlern wie Tracey Emin, Damien Hirst und dem Fotografen und Bildhauer Steve McQueen begründete.

2003 veranstaltete das Birmingham Museum and Art Gallery eine große Ausstellung mit dem Titel „Turner’s Britain“, und 2005 wurde Turners Gemälde „Battling Temeraire“ in einer BBC-Umfrage zum „größten Gemälde Großbritanniens“ gewählt.

Turners Landschaftsmalerei

Als einer der großen romantischen Maler malte Turner schon in jungen Jahren Aquarelle in der Art topografischer Zeichner. Selbst im Lichte seiner späteren Leistungen ist es schwierig, in diesen Jugendwerken Anzeichen von Genialität zu finden. Eine Zeichnung wie „Lambeth Palace“ von 1790, sein erstes ausgestelltes Werk, ist eine kompetente und saubere Architekturzeichnung, und obwohl sie für einen fünfzehnjährigen Jungen recht vielversprechend ist, gibt es darin keinen Hinweis auf außergewöhnliche Fähigkeiten.

Aber in den letzten Jahren des 18. Jahrhunderts trat er allmählich in den Vordergrund der Aquarellisten und begann, ein umfangreiches Wissen über die Natur zu sammeln, das in seinem späteren Werk Früchte trug. Zu dieser Zeit arbeitete er hauptsächlich für Kupferstecher und unternahm lange Reisen zu Fuß durch England, Wales und Schottland. Er unternahm lange Fußreisen durch England, Wales und Schottland und fertigte Bleistiftskizzen von alten Gebäuden, Abteien, Schlössern und dergleichen an, die später in Aquarelle umgesetzt wurden.

Es war eine Zeichnung von Norham Castle, die 1798 in der Akademie ausgestellt wurde, die seinen Ruf begründete, auch wenn sie schon vorher Aufmerksamkeit erregt haben muss. Im darauffolgenden Jahr wurde er zum A.R.A. gewählt, was auf die Position hinweist, die er erreicht hatte. Zu diesem Zeitpunkt war er Thomas Girtin in seiner breiteren und kühneren Behandlung des Aquarells gefolgt und begann, die zögerliche Art seiner früheren Arbeiten hinter sich zu lassen.

Nach dem Tod von Girtin im Jahr 1802 blieb Turner der führende Aquarellist seiner Zeit, aber seine eigentliche Karriere hatte kaum begonnen. Im selben Jahr unternahm er seine erste Überseereise, die ihn durch Frankreich und Belgien in die Schweiz führte. 1803 stellte er in der Royal Academy sein großes Gemälde „Pierce Calais“ (National Gallery) aus, sein erstes bedeutendes Ölgemälde. Zuvor waren seine wenigen Ölgemälde dumpf und schwer im Ton, uninteressant in der Ausführung und seinen Aquarellen völlig unterlegen.

Das Gemälde „von Piers in Calais“ ist in seiner Art ein Meisterwerk, auch wenn ihm der Glanz und die Lebendigkeit fehlen, die sein späteres Werk kennzeichnen. Mit ihm beginnt seine lange Rivalität mit den Meistern der Vergangenheit, denn seine Inspiration ist zweifellos das Werk der niederländischen Landschaftsmaler. In der Wellenmalerei übertrifft er sie sofort. Maler wie Van de Velde und Van de Capelle malten glatte Meere mit einer viel wasserähnlicheren Erscheinung als in diesem Gemälde, aber bei der Darstellung rauer Meere sind ihre Wellen zu sehr wie bloße Profile ohne Körper und Gewicht. Turner hat hier jedoch sofort das Gewicht und das Volumen des Wassers erfasst. Der Glanz auf der Wasseroberfläche stört ihn nicht sonderlich, aber die Kraft und das Gewicht der Wellen sind atemberaubend, und sie sind vollständig modelliert, wie ein Bildhauer sie modelliert hätte. Die verblüffende Wahrhaftigkeit seiner Wellenzeichnung war einer der Punkte, auf die Ruskin Turners Überlegenheit gegenüber den Meistern der Vergangenheit stützte, und in dieser ersten Meereslandschaft sind sie völlig gerechtfertigt. Ein solches Meer hatte man noch nie gesehen, und in diesem einen Punkt der Wellenmalerei wurde er vielleicht nicht einmal von Turner selbst übertroffen.

Von dieser Zeit an bis zu seiner ersten Italienreise im Jahr 1819 entwickelte Turner seine Fähigkeiten als Ölmaler allmählich in der Rivalität mit verschiedenen Meistern, insbesondere mit Claude. Die Rivalität mit Claude erreichte 1815 ihren Höhepunkt, als „Dido Building Carthage“ (National Gallery) und „Crossing the Stream“ (National Gallery, 497) in der Royal Academy ausgestellt wurden. Dido“ ist eine freimütige Nachahmung einer der typischen klassischen Kompositionen von Claude, und Turner hatte das Gefühl, seinen Meister endlich übertroffen zu haben, und überließ es der Nation zusammen mit „The Sun Rising Through Vapour“ (National Gallery), um für immer neben „The Landing of the Queen of Sheba“ von Claude (National Gallery) und „The Marriage of Isaac and Rebecca“ (National Gallery) zu hängen.

Wir mögen den Erfolg Turners in dieser langen Rivalität unterschiedlich beurteilen, aber es ist sicher, dass er viel von Claude gelernt hat, und in „Crossing the Stream“ können wir sehen, wie er die Methoden der klassischen Landschaft auf die englische Szene anwendet. Hier beschränken sich die klassischen Techniken auf den Vordergrund des Gemäldes, und in der Ferne und am Himmel greift Turner auf sein eigenes Naturstudium zurück. Es ist dieser Teil des Gemäldes, der unweigerlich die Aufmerksamkeit auf sich zieht. Er ist erfüllt von sanfter Luft und Sonnenlicht, einem Gefühl von unendlichen Details, die man eher fühlt als sieht, etwas, das Claude nie erreicht hat.

Während dieser Rivalität mit Claude im Gange, ahmt Turner gleichzeitig bewusst andere Meister nach. In dem Gemälde „Spithead: Boat Crew Raising Anchor“ (National Gallery) setzte er seine Rivalität mit niederländischen Künstlern fort, die an Seestücken arbeiteten.

In „Frosty Morning“ (National Gallery) mit seinem lockeren und strengen Schema aus Braun- und Grautönen zollt er Crome Tribut, und wenn es auch nicht die Würde und Kraft von Crome erreicht, so hat es doch mehr Zartheit in seiner Atmosphäre und dem blassen Sonnenlicht, das gerade den Raureif auf dem Gras zu schmelzen beginnt.

In „Die Heilige Familie“ misst er seine Kräfte mit Tizian, in „Der Drache der Hesperiden“ mit Poussin, und in einigen kleinen Figurenbildern kommt er sogar mit Wilkie auf eine Linie. In einer Reihe von kleinen Skizzen, meist in der Umgebung der Themse und von Windsor, die zwischen 1805 und 1810 entstanden, nähert er sich der Manier von Constable. In der Zwischenzeit schuf er weiterhin exquisite Aquarelle, die ganz und gar seine eigenen waren.

1819, als er zum ersten Mal Italien besuchte, hatte er bereits einige seiner besten Gemälde geschaffen - „Calais Wharf“, „Crossing the Stream“, „Walton’s Bridges“ und „Frosty Morning“, die alle für sich genommen Meisterwerke sind - und er hatte auf den schweren Ton seiner früheren Werke verzichtet. Als Aquarellist war er unübertroffen, er konnte Wellen, Himmel und Entfernungen malen wie kein anderer vor ihm, aber sein Studium des Lichts als Selbstzweck stand erst am Anfang.

Die Brillanz des Sonnenlichts und der üppige Reichtum an Bildmaterial in Italien überwältigten ihn anfangs fast, und die frühesten seiner italienischen Gemälde gehören nicht zu seinen erfolgreichsten, obwohl sie eine neue Etappe in seiner kaleidoskopischen Karriere eröffnen. Bis dahin hatte er sich bei seinen Gemälden, die mit Claude konkurrierten, auf Material gestützt, das von Claude selbst geliefert worden war, doch nun sah er zum ersten Mal die tatsächlichen Landschaften, die Claude inspiriert hatten, und begann, Bilder zu malen, die immer noch auf Claudes allgemeinem Kompositionsschema basierten, aber mit Material, das er direkt aus der Natur entnahm. Die Bucht von Bayeux“ (Tate Gallery) veranschaulicht diese Phase. Es enthält viel Künstliches, aber es ist in einer höheren Tonalität gemalt als seine früheren Werke und zeigt ein neues System zur Darstellung der Tonwerte der Natur und eine neue Beobachtung der Wirkung des Lichts auf die Farbe.

Am revolutionärsten war Turner in seiner Behandlung des Lichts. Die alten Meister hatten versucht, in ihren Gemälden die gleiche Tonskala wie in der Natur zu verwenden, mit dem Ergebnis, dass große Bereiche der Gemälde in vergleichsweise großer Schwärze erschienen. Turner erkannte, dass er die Töne der Natur in eine andere Skala übersetzen musste, um die Wirkung der allgemeinen Wahrheit zu erhalten, denn die Bandbreite der Töne in der Natur vom vollen Sonnenlicht bis zur absoluten Dunkelheit ist viel größer als die Skala der Palette des Künstlers von Weiß bis Schwarz. Wenn der Künstler also dieselben Tonintervalle wie die Natur verwendet, erreicht er zu schnell das Ende seiner Skala.

Dieses Tonsystem kann recht erfolgreich eingesetzt werden, solange das dargestellte Objekt nur ein schmales Band der gesamten Tonskala der Natur umfasst, aber bei der Darstellung des hellen Sonnenlichts, mit dem sich Turner später im Leben beschäftigte, wird dies unmöglich. Er überwand diese Schwierigkeit und erzielte eine Wirkung von allgemeiner Wahrhaftigkeit, indem er die Tonabstände in seinen Gemälden stark reduzierte. Nimmt man die konventionellen Zahlen 1000 und 100 als volle Skalen in der Natur und in der Palette des Künstlers, so bezeichnete Turner das Intervall eines Tons in der Natur als ein Zehntel eines Tons in seiner eigenen Skala. Es ist höchst unwahrscheinlich, dass Turner sich bewusst ein solches Schema ausgedacht hat, und wenn doch, dann hat er es sicher nicht konsequent angewandt, aber diese Zahlen geben eine allgemeine Vorstellung davon, wie er mit den Problemen bei der Darstellung von hellem Licht umging.

Er untersuchte auch mit größerer Präzision als je zuvor die genauen Auswirkungen von Licht und Atmosphäre auf die Farbe. So stellte er beispielsweise fest, dass Schatten dazu neigen, eine Farbe zu haben, die das entsprechende Licht ergänzt, und nicht einfach eine dunklere Schattierung desselben Farbtons. In beiderlei Hinsicht, in seinem Tonsystem und in seinem Umgang mit Farben, war Turner ein Vorläufer der französischen Impressionisten, und es war zum Teil der Anblick seiner Gemälde im Jahr 1870, der Claude Monet und Camille Pissarro dazu veranlasste, die impressionistische Technik zu entwickeln.

Turners eigene Einstellung zur Natur unterschied sich natürlich sehr von der der französischen Impressionisten, die Anhänger einer präzisen wissenschaftlichen Wahrheit waren. Turner interessierte sich viel weniger als diese für den visuellen Eindruck der Dinge, die er sah, als vielmehr für den geistigen Eindruck, den sie auf ihn machten. Er studierte die visuellen Tatsachen der Natur als Mittel des persönlichen Ausdrucks und wandte sein gesammeltes Wissen an, um großartige Visionen von Farbe und Licht zu schaffen, die nichts weniger als wörtliche Abschriften der Natur waren. Die Natur war für ihn ebenso ein Vehikel der Fantasie wie für William Blake, und es gibt eine bewusste Poesie in seinen Gemälden, die einigen modernen Geschmäckern missfällt.

Die epische Ader in seinem Werk gipfelte in dem großartigen Gemälde „Odysseus verhöhnt Polyphem“ (National Gallery), das 1829 in der Akademie ausgestellt wurde - ein strahlender Traum aus reich orchestrierter Farbe, die mit feurigem Licht pulsiert. Nach diesem Datum wird sein Werk immer lyrischer, und das reine Licht wird für ihn fast zur Besessenheit.

Das Verhältnis von Licht zu Form und Farbe in seinen späteren Werken ist fast völlig entgegengesetzt zu dem der früheren Künstler. Bei den frühen Meistern wurde das Licht lediglich als ein Mittel betrachtet, mit dem Form und Farbe sichtbar gemacht werden konnten. Spätere Maler, Claude, Rembrandt und andere, schätzten die Wirkung des Lichts auf die Dinge um ihrer selbst willen, aber in Turners späteren Werken haben die Formen überhaupt keine Bedeutung mehr, außer als Oberflächen, die das Licht reflektieren. In „Petworth’s Interior“ (National Gallery) sind die Formen in einer alles durchdringenden Ausstrahlung verschmolzen, die das eigentliche und einzige Thema des Gemäldes ist. In diesem und anderen späteren Werken sind Form und Farbe lediglich die Mittel, mit denen das Licht gesehen wird.

Turner verbrachte einen Großteil seines späteren Lebens im Ausland, vor allem in der Schweiz, in Norditalien und in Venedig, und schuf fast bis zum Schluss Aquarelle dieser Orte von erlesener Zartheit und Schönheit.

Seine späten Ölgemälde wurden zu seiner Zeit selbst von Ruskin missverstanden, und viele seiner schönsten Licht- und Farbeindrücke lagerten viele Jahre lang in den Kellern der National Gallery, von wo sie schließlich entfernt wurden, um in Millbank zu hängen. Einige von ihnen sind stark verblasst, denn Turner war nicht aufmerksamer gegenüber der Chemie der Malerei als Reynolds. Andere haben sich einen träumerischen Charme bewahrt, der in der Kunst seinesgleichen sucht.

Turners Ölgemälde, Aquarelle und Zeichnungen hängen in den besten Kunstmuseen der Welt.

Für Vertreter der romantischen Landschaftsmalerei, die von Turner beeinflusst wurden, siehe Hudson River School (ca. 1825-75) und Luminismus (ca. 1850-75).