Henri Matisse:
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Henri Matisse (1869–1954)

Zur Analyse von Werken koloristischer Maler wie Henri Matisse
sehen: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Einführung

Der Führer der Fauves- Gruppe, eine sehr einflussreiche Bewegung im frühen 20. Jahrhundert Französische Malerei, Matisse war ein Schlüsselexponent von Post-Impressionismus, bekannt für seine Verwendung von Farbe als Ausdrucksmittel und nicht als Beschreibung. Tatsächlich spielte Farbe eine zentrale Rolle während seiner gesamten Karriere als Maler, wie in seinem Porträt von Madame Matisse, der Dessert-Harmonie in Rot, seiner Nu Bleu- Serie von blauen Akten und dem lebendigen Papier zu sehen ist Collagen er produzierte in seinen späteren Jahren. Viele dieser und anderer Werke von Matisse sind als Drucke in Form von erhältlich Plakatkunst. Matisse wurde auch für seine kreative Missachtung der konventionellen Regeln des Zeichnens und der Perspektive sowie für seine fließende und innovative Zeichnungskunst ausgezeichnet. Er hat nicht gemalt, was er gesehen hat, sondern was er über das gefühlt hat, was er gesehen hat : siehe zum Beispiel Kapuzinerkressen und der ’Tanz’ (1912, Metropolitan Museum of Art). Auch nach dem Untergang von Fauvismus, Matisse blieb eine wichtige Figur in der expressionistische Bewegung, weiterhin auf Farbe angewiesen, um seine freudige Vision von kühnem Muster und auffälligem Ornament zu kommunizieren (z. B. in The Moorish Screen und Lady in Blue). Er gilt als einer der wichtigsten Franzosen expressionistische Maler.

Bis 1909 hatte Matisse weltweite Berühmtheit erlangt. Seine avantgardistischen Methoden stießen auf erhebliche Kontroversen, wurden aber – unterstützt vom Kunstsammler – Ambroise Vollard (1866-1939) sowie Gönner der Familie Stein und der Russen Schtschukin und Morosov – Matisse behaupteten seine Position als prominentes Mitglied der Postimpressionistische Malerei Bewegung und gilt heute als einer der einflussreichsten und anhaltend innovativsten Maler des zwanzigsten Jahrhunderts. Siehe zum Beispiel Mark Rothkos Gemälde (1938 & ndash; 70). Dies trotz des Aufkommens von Picasso und Kubismus in den frühen 1900er Jahren, die zu der Zeit die Schneide der modernen Kunst wurden.

Biografie von Henri Matisse (1869-1954)

Henri Matisse, geboren in Le Cateau-Cambresis (Nordfrankreich), war einer der Anführer der Avantgarde moderne Kunst vor dem Ersten Weltkrieg. Er war berühmt für seinen brillanten und ausdrucksstarken Umgang mit Farben und seine kühnen Innovationen. Seine künstlerische Identität entwickelte sich langsam und mit offensichtlichen Schwierigkeiten. Obwohl er zu Beginn des Jahrhunderts 30 Jahre alt war, entdeckte er erst 1905 seine eigene Vision. Danach wurde er schnell als Anführer der als Fauves bekannten Malergruppe berüchtigt. In seinem Alter wurde er international als Meister geehrt.

Mit 17 Jahren wurde Matisse von seinem Vater, einem Maishändler, zum Jurastudium verpflichtet. Es heißt, als er 20 Jahre alt war und sich von einer Blinddarmoperation erholt hatte, gab ihm seine Mutter einen Malkasten und so begann er zu malen. Seine frühesten Werke, Stillleben von 1890, sind auf konventionelle akademische Weise auffallend gesichert. In anderen untersuchte er beide Impressionismus und Neoimpressionismus. Er wurde schnell technisch versiert und konnte über mehrere Jahre seine magere Erlaubnis durch offizielle Kopien ergänzen Alte Meister im Louvre, eine Praxis, die er jahrelang pflegte.

Er wurde nie offiziell als Student an der Ecole des Beaux-Arts aufgenommen. 1891 durfte er die Anwaltskanzlei in St. Quentin verlassen und nach Paris gehen, wo er die Anwaltskanzlei besuchte Academie Julian unter Bouguereau, wechselte aber bald inoffiziell in die Klasse des großen symbolistischen Malers Gustave Moreau an der Ecole des Beaux-Arts. Unter seinen Kommilitonen waren Marquet, Manguin, Camoin und Rouault, alle jünger als er.

Im Jahr 1896 schien Matisse an der Schwelle seiner beruflichen Laufbahn zu stehen. Sein Gemälde einer Frau, die in einem lamplit Innenraum liest, in der Tradition von Henri Fantin-Latour, wurde im Salon de la Societe Nationale des Beaux-Arts gezeigt und vom Staat für Rambouillet gekauft; Die Societe Nationale selbst wählte ihn zu einem assoziierten Mitglied, und er wurde Pissarro und Rodin vorgestellt. Im folgenden Jahr zeigte er The Dinner Table (Privatsammlung) im Salon. Diese große Leinwand zeigt einen Diener, der Blumen auf einem Tisch arrangiert, der üppig für ein Familienessen gedeckt ist. Sie wurde in brillanten impressionistischen Farben bemalt. Bei seiner ersten großen Komposition wurde es heftig aufgehängt und scharf kritisiert.
Ab diesem Zeitpunkt änderte sich der Laufbahnverlauf von Matisse radikal. Sieben Jahre lang arbeitete er ununterbrochen. Aber seine Leinwände waren eher Nachforschungen als Errungenschaften, entweder Skizzen, die grob eingelegt und dann aufgegeben wurden, oder mühsame Übungen, die durch Überarbeitung getötet wurden. Er entwickelte keinen einheitlichen Stil, sondern führte eine Vielzahl von Experimenten zur Verwendung brillanter Farben durch.

1898 heiratete er und kaufte im folgenden Jahr mit Geld von der Mitgift seiner Frau ein kleines Gemälde, Three Bathers, von Cezanne. Obwohl er Cezannes Stil nie direkt imitierte, wurde dieses Gemälde für ihn zu einem Talisman, den er viele Jahre lang schätzte, bis er es 1936 dem Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris vorstellte.

Aber die Jahre des Studiums und der Not gingen weiter. 1900 besuchte Matisse Abendkurse in Skulptur und bildete in späteren Jahren viele wichtige Werke in Bronze-. Er malte Ausstellungsdekorationen, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen, und 1902 eröffnete Madame Matisse ein Geschäft für Modewaren.

Pointillismus

1904 arbeitete Matisse mit Paul Signac in St. Tropez zusammen und übernahm seine eigene, intuitive Version von Pointillismus (eine Art von Divisionismus). In dieser Technik malte er eine idyllische Fantasie von badenden Frauen am Strand (1905; Privatsammlung). Sein Titel, Luxe, Calme et Volupte, übernahm er aus Baudelaires Gedicht "Die Einladung zur Reise", eine Einladung an einen geliebten Menschen in ein Traumland, in dem alles Harmonie und Schönheit, "Luxus, Ruhe und Vergnügen" ist. Das Bild und sein Titel verkünden Matisses Ankunft in seiner eigenen Vision von Kunst.

Aber seine eigene Version von Divisionismus war zu starr für ihn. 1905 in Collioure, wo er den Sommer mit den Jüngeren verbrachte Andre Derain Er malte kleine Leinwände mit einer scheinbar nachlässigen Hingabe, die er noch nie gewagt hatte. Open Window, Collioure (1905; Sammlung von John Hay Whitney, New York), kühn in seiner Kalligraphie und gleichgültig gegenüber den Originalfarben des Motivs, fängt das Funkeln des Lichts ein, das von den Wellen des lebendigen Hafens mit schaukelnden Booten abgelenkt wird. Er malte zwei Porträts von Madame Matisse ) Frau mit dem Hut, Sammlung Kellner A. Haas, San Francisco; Madame Matisse: Die Grüne Linie, Staatliches Kunstmuseum, Kopenhagen), die nicht weniger kühn waren, und wetteiferte mit Derain, als sie sich gegenseitig malten andere Porträts (Andri Derain, 1905; Tate Gallery, London).

Fauvismus

Bei der Salon d’Automne In jenem Jahr (1905) entstanden Matisses neue Leinwände zusammen mit anderen Werken ähnlicher optischer Gewalt von Derain. Maurice de Vlaminck (1876-1958), Albert Marquet (1875-1947), Othon Friesz (1879–1949), Louis Valtat (1869–1952), der vielseitig ist Henri-Charles Manguin (1874-1949), Charles Camoin (1879-1964) und Jean Puy (1876-1960) wurden in einem Raum zusammengehängt. Die Öffentlichkeit war entsetzt über solch grobe Noppen und die Maler hießen "Fauves" – was wilde Tiere bedeutet. Der Ausstellungsraum wurde "La Cage aux Fauves" getauft. Von allen Gemälden sorgte die Frau mit dem Hut für die größte Sensation.

Aber dieser neue Stil hatte auch Bewunderer, und ein wohlhabender amerikanischer Bruder und eine wohlhabende amerikanische Schwester, Leo und Gertrude Stein, lernten Matisse kennen und kauften dieses Werk. Im folgenden Jahr bei der Salon des Independants Matisse zeigte eine ehrgeizige Komposition, Joy of Life (1906; Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania). Es war eine arkadische Szene mit nackten Nymphen und Hirten, gezeichnet mit einer neuen kalligraphischen Kühnheit und mit der klaren Farbe eines Orientteppichs. Leo Stein kaufte es sofort.

Leo blieb Matisses Freund, Bewunderer und Förderer (Gertrude favorisierte Picasso), und bald begannen andere Sammler, um Matisses neue Werke zu wetteifern. Ab 1906 zählten zu seinen Gönnern die Kegelschwestern von Baltimore, ab 1908 der russische Kaufmann Sergei Shchukin und ab 1912 Ivan Morozov. Im Jahr 1909 gab Shchukin zwei wichtige in Auftrag expressionistische Malerei, Tanz (Studium, 1909, Museum of Modern Art, New York; Öl, 1910, Hermitage Museum) und Musik (1910; Hermitage Museum). Zwischen ihnen kauften die Russen fast 50 Werke; Diese wurden 1923 vom russischen Staat erworben.

Mit dieser Schirmherrschaft konnte Matisse 1906 Algerien besuchen. (Er interessierte sich sehr für afrikanische Kunst und andere Formen von Primitivismus / Primitive Kunst.) In späteren Jahren reiste er viel nach Italien, Spanien, Deutschland, Russland und in die USA. aber seine wichtigsten Besuche waren 1906, 1911, 1912 und 1913 in Nordafrika (mit seinem engen Freund Albert Marquet, 1875-1947) und 1930 in Tahiti, um zu studieren Ozeanische Kunst.

1908 wurde Matisse ermutigt, eine kleine Schule zu eröffnen, das Atelier Matisse, in dem er kurze Zeit unterrichtete. Im selben Jahr veröffentlichte er seinen ersten theoretischen Aufsatz "Notes of a Painter" in La Grande Revue (25. Dezember 1908). Dank des Händlers erhielt er auch seine erste Einzelausstellung in Amerika Alfred Stieglitz (1864-1946) und sein Pariser Freund Edward Steichen (1879-1973) in ihrer "291" -Galerie in New York.

Er wurde 1914 für den Militärdienst abgelehnt; In den Kriegsjahren malte er in Issy, Paris und Nizza. Für den Rest seines Lebens sollte er einen Großteil seiner Zeit in Paris oder Nizza verbringen.

Nachkriegsruhm

Mit der Rückkehr des Friedens wurde Matisse mehr und mehr als Meister des Friedens anerkannt Ecole de Paris und der modernen Malerei. 1925 wurde er zum Ritter der Ehrenlegion ernannt. Er arbeitete in einer wachsenden Vielfalt von Medien. Zusätzlich zu Malerei der schönen Kunst und Bildhauerei entwarf er für das Ballett und entwarf illustrierte Ausgaben: von Mallarme’s Poems for Skira (1932), Joyce’s Ulysses (1935), Baudelaires Fleurs du Mal (1943) und die Florilege des Amours de Ronsard (1941). Sein wichtigstes Buch war Jazz (1947), in dem er seine farbigen Entwürfe und einen poetischen Aufsatz über Kunst in seiner eigenen Schrift kombinierte. Es war während der Nachwirkungen des Ersten Weltkriegs, dass Matisse ernannt Paul Rosenberg (1881-1959) als sein Agent und Händler.

Im Jahr 1930 der renommierte englische Kunstkritiker und Verfechter von Post-Impressionsm Roger Fry (1866-1934) veröffentlichte eine wichtige Monographie über Matisse und seine Kunst. Der große amerikanische Sammler Dr Albert C. Barnes Auftragswandbilder für den Saal der Barnes Foundation, Merion, USA. Als Matisse die Tafeln in seinem Pariser Atelier fertiggestellt hatte, stellte er fest, dass sie die falsche Größe hatten, und malte völlig neue Versionen, die erfolgreich installiert wurden.

Matisses letzter Auftrag war, trotz seines früheren Mangels an religiöser Überzeugung, die kleine Kapelle des Rosenkranzes der Dominikanerinnen, Vence, die 1948 begonnen und 1951 geweiht wurde.

Nach 1941 litt die alternde Matisse zunehmend an Krankheiten und arbeitete oft im Bett. Er starb am 3. November 1954 in Nizza, kurz vor seinem 85. Geburtstag.

Matisses Entwicklung als Maler

In seinen Farben und seiner Technik wurde Matisses frühes Werk von einer älteren Generation seiner Künstlerkollegen beeinflusst Edouard Manet (1832-1883) und Paul Cezanne (1839 & ndash; 1906). Im Sommer 1904 entdeckte Matisse bei einem Besuch in der Provence das helle Licht Südfrankreichs und begann, eine viel hellere Palette zu verwenden. Auch wurde er vertraut durch Paul Signac (1863-1935) und Henri-Edmond Cross, mit der Pointillist- Technik der kleinen Farbpunkte (Punkte), Pionierarbeit von Georges Seurat (1859-91) in den 1880er Jahren. Infolgedessen produzierte Matisse sein pointillistisches Meisterwerk Luxe, Calme et Volupte (1904-5) und stellte zusammen mit anderen aus Fauvistische Maler Bei der Salon d’Automne in Paris (1905) und der Salon des Independants (1906) mit großem Erfolg. Zwei Jahre lang hatte der Fauvismus großen Einfluss auf die Künstler in Paris, darunter auch Expatriates wie die Schottische Koloristen (c.1904-30). Allerdings nicht alle Kunstkritiker bewunderte seine Arbeit. Nach dem Betrachten von Matisses farbenfrohen Gemälden wird der Kunstkritiker Louis Vauxcelles beleidigend beschrieben die Bilder als das Werk von wilden Tieren (Fauves), und der Name steckte.

Matisse selbst schrieb zum ersten Mal 1908 in "Notes of a Painter" über seine Kunst und bestand 44 Jahre später, als er 82 Jahre alt war, darauf, dass er im Geiste unverändert geblieben sei, weil "ich die ganze Zeit die gleichen Ziele gesucht habe, was ich vielleicht auf verschiedene Weise erreicht habe ". Sein Ende war immer Expressionismus. Weitere Informationen zu seinem Beitrag zum Expressionismus des frühen 20. Jahrhunderts finden Sie unter: Geschichte der expressionistischen Malerei (c.1880-1930).

Ausdruck war eine anstrengende, paradoxe Leistung, das Ergebnis der intuitiven bildlichen Reaktion des Künstlers auf seine Erfahrung mit dem Objekt. So malte er auf viele verschiedene Arten, die auf den ersten Blick wenig Konsistenz zeigen, Formen schwer in einer Leinwand modellieren und mit der flachen Einfachheit eines Kindes in einer anderen malen. Er mied jedes Repräsentationssystem, das von angewandten Fähigkeiten abhing, suchte jedoch den rein spontanen Ausdruck jeder einzelnen Erfahrung. Die Metamorphosen seines Stils lassen jedoch eine breite Abfolge von Entwicklungen erkennen.

Unmittelbar nach den raffinierten Abstraktionen der Lebensfreude malte er eine Reihe von Gemälden (insbesondere Le Luxe I, 1907, Musée National d’Art Moderne, Paris, und Le Luxe II, 1907, Staatliches Kunstmuseum, Kopenhagen), in denen er entwickelte eine kindliche oder primitive Einfachheit der Linie. (Matisse gehörte zu den Ersten, die Negerkunst sammelten.) Diese Suche nach kompromisslos "reiner" Form und Farbe gipfelte in Tanz und Musik der Eremitage (1909-10). Mit einem stark primitiven Umriss gezeichnet und in den drei Grundfarben blauer Himmel, grüne Erde und scharlachrotes Fleisch gemalt, sind sie so theoretisch wie alle späteren Leinwände von Kandinsky oder Mondrian, bleiben aber gegenständlich. Die andere Einzelarbeit mit einem ähnlichen doktrinären Geist ist ein Stillleben von 1914 mit dem Titel Zitronen: Stillleben von Zitronen, dessen Formen der Zeichnung einer schwarzen Vase an der Wand entsprechen (Kunstmuseum, Rhode Island School of Design, Vorsehung, Rhode Island).

Auf die strengen Abstraktionen von Tanz und Musik folgten kurz darauf die Früchte seines ersten Besuchs in Nordafrika, eine Reihe großer Szenen des islamischen Lebens, die in sinnlichen Farben erstrahlen. Sie wirken mühelos spontan und ihre einfachen Umrisse könnten als echt naiv verwechselt werden. Es folgte ein weiterer Fortschritt in Richtung abstrakte Kunst in Open Window, Collioure (1914; Privatsammlung), in der vertikale Streifen aus Grün, Grau und Hellblau, die die Fensterläden darstellen, ein schlichtes schwarzes Rechteck umrahmen, einen völlig undurchsichtigen Nachthimmel. Zusammensetzung: Der Gelbe Vorhang (1915; Privatsammlung) ist zu groß, um ihn aufzuhängen, aber formal ist er das Äquivalent zur Tageszeit.

1914 zeigte Matisse den Einfluss des Kubismus. In Mademoiselle Yvonne Landsberg (1914; Philadelphia Museum of Art) wirken die Negroidmaske und die sich ausdehnenden Bögen, die in der Farbe zerkratzt sind, nicht überzeugend. Aber die Marokkaner (1916; Museum of Modern Art, New York), obwohl sie zweifellos die postkubistische Abstraktion widerspiegeln, sind eines der mysteriösesten und mächtigsten seiner Bilder. Die kühnen Umrisse nehmen die Qualitäten seiner eigenen Papierschnittkompositionen von 20 Jahren später vorweg.

Im weiteren Verlauf des Krieges malte Matisse in der Isolation seines Pariser Ateliers eine Reihe großer Leinwände: dunkle, edle Bilder des Ateliers mit Blick durch das Fenster; Sie erinnern in ihrer Größe und räumlichen Qualität an einige der großen Gemälde von Manet.

In einem Hotelzimmer in Nizza malte Matisse 1919 eine völlig andere Art von Künstler und sein Modell (Sammlung von Dr. und Mrs. Harry Bakwin, New York). Der Künstler könnte aufgrund seiner Linienqualität und der vorläufigen Farbgebung ein älterer Amateur sein, der mit seinem ersten Aktmodel konfrontiert ist. Aber ironischerweise ist dieser naive Gentleman im Bild enthalten; und das bild selbst ist trotz seiner skizzenhaften pinselspuren in seinen räumlichen beziehungen straff und zart präzise. Matisse malte weitere zehn Jahre eine Folge derart kleiner Genreszenen des Hedonismus sonnenbeschienener mediterraner Hotels, in denen die Qualitäten des Impressionismus oder die intime Vision seines Freundes Bonnard mit einer rätselhaften Einfachheit in Einklang gebracht wurden.

Im Gegensatz dazu waren die Barnes-Wandgemälde die vielleicht am besten erzogenen Erfindungen von Matisses Karriere. Die flachen Formen der Tänzer, die die spätere Verwendung von geschnittenem Papier vorwegnehmen, springen mit spröder Vitalität in die Lünetten hinein und aus ihnen heraus. Dennoch weisen sie auf die Rückkehr des Malers zu einer monumentaleren Bildsprache hin. In den letzten 20 Jahren seines langen Lebens perfektionierte Matisse seine letzte, konsequenteste Darstellungsweise. Er arbeitete mit dünner, flüssiger Farbe, wusch inakzeptable Essays ab und begann erneut auf der gereinigten Leinwand, um die lebenswichtige Qualität der Spontanität zu bewahren. Er zeichnete mit breiten Gesten, um Verkürzungen zu vermeiden, und füllte die Leinwand mit großartigen Arabesken, die er mit schillernden Kombinationen leuchtender Farben auffüllte. Obwohl viele dieser Leinwände klein sind, haben sie eine monumentale Qualität.

Nach dem Zweiten Weltkrieg begann Matisse zunehmend mit Papierschnitt. Er ließ ungeheure Blätter mit Papier überspülen Gouache färbt und schneidet dann seine Formen aus und klebt sie zusammen (zum Beispiel The Snail, 1953; Tate Gallery, London). Er sagte: "Das Schneiden in lebendige Farben erinnert mich an das direkte Schnitzen des Bildhauers." Obwohl er oft triviale Formen schneidet, komponiert er sie zu herrlichen Harmonien, die ein passender Höhepunkt seiner Karriere sind. Währenddessen experimentierte er den Rest seines Lebens mit Farbe. In den frühen 1950er Jahren schuf er eine Reihe von Gouachendecoupees, darunter Blue Nude I, 1952; Blauer Akt II, 1952; Blauer Akt III, 1952; Blauer Akt IV, 1952; Blue Nude Springseil, 1952; Blauer Akt mit grünen Strümpfen, 1952; Standing Nude, 1952. Kunstkritiker betrachten sie als die ultimative Art der Abstraktion figur malerei und sie gehören zu den beliebtesten und am häufigsten kopierten Bildern im Internet Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts.

Sein letztes Meisterwerk war die Dominikanerkapelle Notre-Dame du Rosaire (1947-51) in Vence, ein kleiner Freiraum, der durch die subtile Balance einfacher Elemente groß und edel gestaltet wurde: die bewusst schematisierten schwarzen Umrisszeichnungen auf den weiß gefliesten Wänden, beleuchtet von den abstrakten Farben, die jubelnd durch die Fenster strömen.

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