Judy Chicago:
Feministische Künstlerin, The Dinner Party Automatische übersetzen

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Biografie

Einer von Amerika Top zeitgenössischen Künstlern, Judy Chicago war eine der Hauptpioniere von Feministische Kunst in den 1970er Jahren ein Trend von zeitgenössische Kunst Das ist aus der Frauenbefreiungsbewegung in Amerika und Großbritannien in den späten 1960er Jahren hervorgegangen. Judy Chicago war eine aktive und einflussreiche feministische Künstlerin, die sich bemühte, kulturelle Einstellungen zu ändern und Stereotype zu transformieren, um Frauen eine größere Gleichstellung zu ermöglichen. Kurzfristig versuchte sie, die Möglichkeiten, die Frauen im amerikanischen Kunstsystem zur Verfügung standen, zu vergrößern und das Neue zu interpretieren Kunstgeschichte aus einer feministischen Perspektive. Sie ist am besten für ihre Zusammenarbeit bekannt Installationskunst entwickelt, um das historische Profil von Frauen zu erweitern und ihre Repräsentation in der bildenden Kunst zu verbessern. Ihre berühmteste Arbeit ist The Dinner Party (1979, Elizabeth A. Sackler Zentrum für feministische Kunst, Brooklyn Museum, New York), die die Errungenschaften echter und legendärer Frauen im Laufe der Geschichte feiert und gleichzeitig das "weibliche" Handwerk fördert von Handarbeiten, Stickereien und keramische Kunst und gleicht dies mit "männlichen" Handwerken aus Metallarbeiten und schweißen. 1970 unterrichtete Judy Chicago den ersten Kurs über Frauenkunst in Amerika. Zu ihren Schülern gehörten Dori Atlantis, Suzanne Lacy, Cay Lang, Karen LeCocq, Jan Lester, Judy Schäfer, Henrietta Sparkman, Faith Wilding, Nancy Youdelman und Cheryl Zurilgen 1971 gründete er zusammen mit Miriam Schapiro das Feminist Art Program am California Institute of Arts sowie den Installations- und Aufführungsort " Womanhouse ". Sie ist auch für sie bekannt Holocaust-Kunst, nämlich ihre Installation "The Holocaust Project".

Hinweis: Neben Judy Chicago gibt es noch weitere moderne Künstler Zu den Pionieren feministischer Ideen gehörten: Miriam Schapiro (1923-2015), eine führende Persönlichkeit in der Kunstbewegung für Muster und Dekoration; Videokünstlerin Doris Totten Chase (1923-2008); Malerin / Grafikerin Nancy Spero (1926-2009); "Wartungskünstler" Mierle Laderman Ukeles (* 1939); und die Performancekünstlerin Carolee Schneemann (geb. 1939). Postmoderne Künstler eng mit der feministischen Kunst verbunden sind die Videokünstlerin Martha Rosler (* 1943); Grafiker Barbara Kruger (b.1945); Video- und Installationskünstlerin Dara Birnbaum (geb. 1946); Aktionskünstler Marina Abramovic (* 1946) berühmt für ihr hohes Risiko Körperkunst ; Installationskünstlerin Maureen Connor (* 1947); und die Grafikdesignerin Sheila Levrant de Bretteville (geb. 1940).

Frühes Leben und Ausbildung

Die gebürtige Judy Cohen in Chicago, von der sie ihren Adoptivnamen erhielt, wuchs in einem intellektuellen jüdischen Zuhause auf und begann Zeichnung im Alter von drei Jahren. Mit fünf Jahren war sie sich sicher, Künstlerin zu werden, und mit acht Jahren begann sie an der Kunstinstitut von Chicago. 1950, als sie elf Jahre alt war, starb ihr Vater vorzeitig an Bauchfellentzündung. Seine tatkräftige Unterstützung für die Kommunistische Partei Amerikas und seine fortschrittliche Sichtweise der Rechte von Frauen und Arbeitnehmern hätten jedoch erhebliche Auswirkungen auf Judys Einstellung und Philosophie. So wie es war, setzte sie ihren Unterricht im Teenageralter fort, bevor sie an der UCLA einen Master-Abschluss in bildender Kunst machte. Obwohl sie 1961 ihren jungen Ehemann Jerry Gerowitz bei einem Autounfall auf tragische Weise verlor, schloss sie 1964 ihr Masterstudium ab. Danach erweiterte sie ihre Ausbildung durch Kurse in Spritzlackieren an einer Autoreparaturschule und in Holzschnitzen und andere bildhauerische Techniken. Inzwischen sie Kunst – Nach einem kurzen Nicken in Richtung Anfang der 60er Jahre Minimalismus – wurde ausdrucksvoller und persönlicher und begann, explizite Darstellungen der weiblichen Organe aufzunehmen.

Feminismus und feministische Kunst

Im Laufe des Jahrzehnts interessierte sie sich zunehmend für die feministische Bewegung und begann, feministischere Themen in ihre Kunst einzubeziehen. Es war der Beginn ihres lebenslangen Strebens als feministische Künstlerin, die Errungenschaften weiblicher Figuren (in der Geschichte und in den Künsten) anzuerkennen und die einzigartigen Gefühle und Erfahrungen von Frauen zu feiern, während sie sich gleichzeitig für Kurse über feministische Kunst und Kunst einsetzte größere Ausstellungsmöglichkeiten mit Museen wie MOMA und das Whitney Museum of American Art in New York. 1969 heiratete sie erneut, doch diesmal nahm sie den Nachnamen Chicago an, anstatt den Namen ihres Mannes zu tragen – als persönliche Unabhängigkeitserklärung.

Zusammen mit ihrer Künstlerkollegin Miriam Schapiro leistete Chicago 1970 Pionierarbeit in der feministischen Bildung, als sie am Fresno State College den ersten Kunstkurs für Frauen (bekannt als Feminist Art Program) unterrichtete, ein Experiment, das sie wiederholte im folgenden Jahr am California Institute of Arts in Valencia. Der Kurs konzentrierte sich darauf, das Bewusstsein für Feminismus und weibliche Identität zu stärken, was sich in verschiedenen Formen ausdrückt Arten von Kunst, sowie Konzeptkunst, und Performance-Kunst sowie weibliche zu legitimieren Kunsthandwerk wie Stickerei und Handarbeiten. Aus diesem pädagogischen Experiment entstand " Womanhouse ", ein Kunstort, der von Chicago und ihren Schülern eingerichtet wurde, um Raum für Unterricht, Diskussion, Ausstellung und Aufführung zu bieten. 1973 übersiedelte Womanhouse in das Feminist Studio in Los Angeles, das von der Chicagoerin Sheila Levrant de Bretteville und der Kunstwissenschaftlerin Arlene Raven gegründet wurde. Zu gegebener Zeit verwandelte sich Womanhouse in das " Woman’s Building ", das sich schnell zu einem wichtigen Zentrum der weiblichen Kunstszene in Los Angeles entwickelte und ein wichtiges Symbol der feministischen Bewegung der 1970er Jahre war.

Anmerkung: Zusätzlich zu ihrer Arbeit als Kunstlehrerin und feministische Aktivistin in den frühen 1970er Jahren hat Chicago (like Georgia O’Keeffe vor ihr) begannen Werke mit floralen Bildern zu schaffen, in Übereinstimmung mit ihrer Überzeugung, dass Blumen das Symbol der Weiblichkeit und des weiblichen Kerns sind und dass Frauen durch ihre Geschlechtsorgane definiert und vereint werden. In den Augen von Kunstkritiker Diese Betonung der Biologie – "wenn alles gesagt und getan ist, bedeutet eine Frau eine Vagina zu haben" – ist Chicagos blinder Fleck. So hat sich die feministische Ideologie heute gegenüber den einfacheren Vorstellungen der 1970er Jahre erheblich weiterentwickelt.

Die Dinnerparty (1974-79)

1974 begann Chicago, ihre monumentale Installation – "The Dinner Party" – zu einer direkten Hommage an die feministische Geschichte zu machen. Es besteht aus einem dreieckigen Banketttisch mit neununddreißig Gedecken, die jeweils mit besticktem Leinen, einem Kelch, Besteck und einem mit Vulva-Motiven verzierten Porzellanteller verziert sind. Der weiße Boden der Installation (Heritage Floor genannt) besteht aus dreieckigen Porzellanfliesen, die jeweils mit den Namen weiterer 999 herausragender Frauen beschriftet sind. Die Bestandteile der Arbeit – selbst eine gemeinsame Anstrengung, an der über 100 weibliche Mitarbeiter beteiligt waren – waren konkrete Beispiele für die traditionellen Arten von dekorative Kunst hauptsächlich von Frauen geschaffen. "The Dinner Party" wurde im März 1979 im San Francisco Museum of Art (jetzt San Francisco Museum of Modern Art) für die Öffentlichkeit eröffnet – und erregte schnell eine Menge schlechter Kritiken. Hilton Kramer (1928-2012), Chef-Kunstkritiker der New York Times, bezeichnete die Installation als "Kitsch" und "obszön". Sie wurde zerlegt und aufbewahrt und von anderen Museen und Institutionen in ganz Amerika ignoriert. 2007, etwa 30 Jahre später, wurde es über das Land transportiert und im Elizabeth Sackler Center für feministische Kunst in Brooklyn, New York, neu installiert. Es steht vor allem als Symbol für die frühfeministische Kunstbewegung, die von einigen Kunsthistorikern als eine der wichtigsten eingestuft wird zeitgenössische Kunstbewegungen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Spätere Jahre

In ihren späteren Jahren hat sie weiterhin Kunst geschaffen und für ihre feministischen Anliegen geworben, obwohl sich ihre Sichtweise etwas verbreiterte. In den 1980er Jahren beschäftigte sie sich mit dem Mangel an Geburtsbildern in der bildenden Kunst (Installation " Birth Project " 1980-85), woraufhin sie eine Reihe von großformatigen Gemälden zum Thema Männlichkeit produzierte ("Powerplay" 1983-86).. In Zusammenarbeit mit dem Fotografen Donald Woodman (späterer Ehemann Nummer drei) sammelte sie acht Jahre (1985-93) Holocaust-Bilder für ihre gefeierte Installation mit dem Titel " Das Holocaust-Projekt: Von der Dunkelheit ins Licht ". Eine multimediale Arbeit, die es beinhaltete Glasmalerei Kunst, Metallarbeiten und Fotografie ebenso gut wie Tapisserie-Kunst und Acrylgemälde. Seitdem umfasste ihre Tätigkeit so unterschiedliche Fähigkeiten wie Glasblasen, Handarbeiten, Pyrotechnik und Unterricht. Am bekanntesten ist sie jedoch für die definierende feministische Kunst, die sie in den 1970er Jahren schuf.

Bücher

Chicago ist Autorin mehrerer bedeutender Bücher, die die feministischen Kunstwerke von sich und anderen Künstlerinnen dokumentieren. Dazu gehören: The Birth Project (Doubleday, 1985); Jenseits der Blume: Die Autobiographie einer feministischen Künstlerin (Penguin, 1997); Frauen und Kunst: umkämpftes Territorium (mit Edward Lucie-Smith) (Watson-Guptill, 1999); Durch die Blume: Mein Kampf als Künstlerin (Authors Choice Press, 2006); Frida Kahlo: Von Angesicht zu Angesicht. (Prestel USA, 2010); und institutionelle Zeit: Eine Kritik der Studiokunstausbildung (The Monacelli Press, 2014).

Andere feministische Künstler des 20. Jahrhunderts

Für Biografien von Künstlerinnen, die an der Feminismusbewegung beteiligt sind und oben nicht aufgeführt sind, siehe bitte Folgendes: