Paul Gauguin, französischer Maler Automatische übersetzen

HINWEIS: Für die Analyse von Werken symbolistischer Maler wie Paul Gauguin
bitte sehen: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Einführung

Gauguin wird von vielen geschätzt Kunstkritiker als einer der beste Künstler aller Zeiten. Ein führender französischer Exponent von Post-Impressionismus, der einen wesentlichen Einfluss auf die Kunstgeschichte Zu Beginn des 20. Jahrhunderts bemühte sich Paul Gauguin, seine inneren Gefühle auf Leinwand auszudrücken, vor allem durch die Verwendung von Farbe. Unterstützt vom Kunstsammler Ambroise Vollard, Gauguins einzigartiger Stil Französische Malerei ebnete den Weg für Synthetismus und Cloisonismus (2-D-Arbeiten mit farbreinen Blöcken mit schwarzem Rand) sowie für Primitivismus. Beeinflusst zunächst von Französisch Impressionismus Gauguin ist am bekanntesten für seine primitivistischen expressionistischen Arbeiten, die durch flache Farbflächen gekennzeichnet sind, die er während seines Aufenthalts im Südpazifik gemalt hat. Obwohl zu seinen Lebzeiten nicht besonders geschätzt, sein Postimpressionistische Malerei hatte einen enormen Einfluss auf Maler vor dem Ersten Weltkrieg und darüber hinaus. Sein berühmtestes expressionistische Malerei umfassen: Die Vision nach der Predigt, (1888, National Gallery of Scotland); Brütende Frau (1891, Worcester Art Museum), Der Geist der Toten bewacht (1892, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY), Woher kommen wir, was sind wir? Wohin gehen wir? (1897, Museum of Fine Arts, Boston), Nevermore (1897, Courtauld Institute Galleries, London) und das exquisite Mädchen mit einem Fächer (1902, Folkwang Museum, Essen). Jetzt als einer der angesehen größte moderne Künstler Viele seiner Gemälde sind als Drucke in Form von Plakatkunst.

Frühen Lebensjahren

Gauguin wurde während der Revolution von 1848 in Paris geboren. Sein Vater, ein obskurer liberaler Journalist, floh nach dem Staatsstreich von 1851 ins Exil und nahm seine Familie mit. Er starb jedoch während der Reise in Panama, während die Familie weiter nach Lima in Peru fuhr, wo sie vier Jahre lang für sich selbst sorgte. Gauguins Mutter war die Tochter der französischen sozialistischen Schriftstellerin und Aktivistin Flora Tristan, obwohl ihre Vorfahren peruanische Adlige waren. Der junge Gauguin war von Kindheit an von der einfallsreichen, messianischen Atmosphäre seines Familienkreises geprägt. Tatsächlich waren die Farben und Bilder Perus später ein starker Einfluss auf Gauguins Kunst. Im Alter von 7 Jahren kehrte die Familie nach Frankreich zurück und zog nach Orleans, um bei seinem Großvater zu leben. Im Alter von 17 bis 23 Jahren arbeitete er als Fluglehrling in der Handelsmarine und segelte zwischen Südamerika und Skandinavien. 1871 kehrte er nach Paris zurück und begann auf Anregung seines Paten Arosa eine sehr erfolgreiche Karriere beim Börsenmakler Bertin. Zwei Jahre später heiratete er eine Dänin, Mette Gad, die ihm in kurzer Folge fünf Kinder gebar.

Beginnt Teilzeit zu malen

Gauguin hatte sich dafür interessiert Kunst seit seiner kindheit und in seiner freizeit begann malerei. So wie es war, war Arosa so etwas wie eine Kunstsammler. Sein Beispiel und Gauguins eigene Freundschaft mit dem Impressionisten Camille Pissarro (1830-1903) ermutigte Gauguin, Kunstgalerien zu besuchen und Werke von aufstrebenden Künstlern zu kaufen, darunter zahlreiche Impressionistische Gemälde – von Pissarro selbst, Johan-Barthold Jongkind (1819-91), Edouard Manet (1832-83), Armand Guillaumin (1841-1927), Paul Cezanne (1839-1906), Renoir (1841-1919), Entgasen (1834-1917) und Mary Cassatt (1845-1926). Einmal gab er über 17’000 Franken aus.

Er besuchte die berühmte Impressionistenausstellung von 1874 in Paris und war so begeistert, dass er sich entschied, Vollzeitkünstler zu werden. In der Zwischenzeit begann er als Amateur zu malen und zu formen. Er arbeitete aus dem Leben mit Bouillot und malte im Stil von Bonvin und Lepine ) La Seine au pont d’Iena 1875, Musée d’Orsay). 1876 ​​stellte er ein Gemälde in der Ausstellung aus Salon . Er wurde besonders von Pissarro beeinflusst, der ihm in seiner frühen Malerkarriere half und ihn ermutigte, "nach der Natur zu suchen, die zu Ihrem Temperament passt". Pissarro machte ihn mit Cezanne bekannt, und Gauguin war vom Stil des älteren Künstlers so angetan, dass Cezanne befürchtete, er würde seine Ideen stehlen. Alle drei haben einige Zeit bei Pontoise zusammengearbeitet. Als er Fortschritte in seiner Kunst machte, zog Gauguin in sein eigenes Atelier und nahm an den impressionistischen Ausstellungen von 1881 und 1882 teil (vgl Impressionistische Ausstellungen Paris), von Huysmans für einen soliden, realistischen Akt begeistert gelobt (1881, NCG, Kopenhagen). Weitere Gemälde aus dieser Zeit sind: Schneewirkung (1879, Museum of Fine Arts, Budapest); Porträt von Gauguins Tochter Aline (1879, Privatsammlung); Aktstudie: Suzanne Sewing (1880, NCG, Kopenhagen); Am Fenster (1882, Hermitage, St. Petersburg); Blumenstrauß (1884, Hermitage, St. Petersburg) und Viehtrinken (1885, Galleria d’Arte Moderna, Mailand).

Weitere Informationen zur anfänglichen Entwicklung der impressionistischen Kunst finden Sie in den folgenden Abschnitten: Impressionismus: Ursprünge, Einflüsse ; und Impressionismus: Frühgeschichte. Informationen zum Fortschritt der Stile finden Sie unter: Impressionistische Malerei Entwicklungen.

Vollzeitkünstler (1885-91)

Diese ermutigenden Erfolge und eine Finanzkrise veranlassten ihn, 1883 seine berufliche Laufbahn aufzugeben, um sich ganz auf die Malerei zu konzentrieren. Zwischen Rouen und Kopenhagen versuchte Gauguin zwei Jahre lang, ein Gleichgewicht in seinem Leben zu finden, aber es erwies sich als unmöglich, und als er im Juni 1885 nach Paris zurückkehrte, war sein Familienleben vorbei. Er verließ seine Frau und Familie und zog nach Pont-Aven in der Bretagne, wo er sich kennenlernte Emile Bernard und Charles Laval. 1886 zeigte er 19 Leinwände bei der achten Impressionistenausstellung, wo seine Originalität bereits in den beunruhigenden Rhythmen seiner Landschaften zum Ausdruck kam.

In Pont-Aven entwickelte er einen neuen Stil. Mit den Grenzen des Impressionismus nicht mehr zufrieden, versuchte er, einen inneren Zustand auszudrücken und nicht nur das Aussehen der Oberfläche. Also er und eine Gruppe von Maler nach dem Impressionismus beschlossen, ihre Malerei zu verflachen, um sie zweidimensional erscheinen zu lassen und so den Blick auf ihre grundlegenden Grundlagen zu beschränken.

Bekannt als Synthetismus Dieser Stil erforderte eine stärkere Auseinandersetzung mit dem Gedächtnis und den inneren Bildern als mit der Natur und widersprach somit der impressionistischen Theorie. Es wurde Gauguins größte Innovation und sein größter Beitrag Malerei der schönen Kunst und er verwendete seine lebhaften Farbschemata, um Emotionen auszudrücken, anstatt einen natürlichen Farbton wiederzugeben – eine Freiheit, die es ihm ermöglichte, den Grund rot, den Himmel grün oder gelb zu machen. Synthetismus wird manchmal auch als bezeichnet Cloisonnismus , aber das ist ein Fehler: Obwohl der Cloisonnismus ähnliche Farbblöcke aufweist, umschließt er sie im Gegensatz zum Synthetismus mit dicken schwarzen Umrissen.

Eine Reise mit Lavel nach Martinique im Jahr 1887 zeigte ihm den synthetischen Wert von Farben und belebte den Einfluss von Cezanne und Degas. Bei seiner Rückkehr und während seines zweiten Aufenthalts in Pont-Aven im Jahr 1888 schloss sich Gauguin Anquetin und Bernard bei ihren Experimenten an, die unter dem Einfluss von Puvis de Chavannes (1824-98) und von japanischen Drucken. Es war ein entscheidender Moment für Gauguin, der im Alter von 40 Jahren einen originellen Stil erarbeitete, indem er den Cloisonnismus und Symbolismus seiner Freunde mit seiner eigenen Erfahrung von Farbe. Die "rustikale und abergläubische Einfachheit" der Vision nach der Predigt (1888, Nationalgalerie von Schottland) oder die scharlachroten Harmonien von La Fete Gloanec (um 1888, Orleans Museum) proklamierten Gauguins Beherrschung seines Mediums. Weitere bemerkenswerte Gemälde aus dieser Zeit sind: Die vier bretonischen Mädchen (um 1886, Neue Pinakothek, München); und bretonische Mädchen tanzen, Pont-Aven (1888, National Gallery of Art, Washington DC).

1888 verbrachte er drei dramatische Monate in Arles, von Oktober bis Dezember 1888 mit seinem Freund Van Gogh (1853-1890). Zu den Gemälden aus dieser Zeit gehören: Night Cafe at Arles (1888, Puschkin-Museum der Schönen Künste); Frauen aus Arles im öffentlichen Garten, dem Mistral (1888, Chicago Institute of Art) und der Weinlese in Arles (1888, Art Museum Ordrupgard, Kopenhagen).

Eine Einzelausstellung, die Theo van Gogh im November 1888 organisierte und an der er an den Gruppenausstellungen des Cercle Volponi während der Pfarrausstellung teilnahm Les Vingt in Brüssel enthüllte Gauguin trotz Sarkasmus die führende Position in der sogenannten Schule von Pont-Aven. Trotzdem fühlte er sich unruhig: Er fand, dass die westliche Kunst zu nachahmend geworden war und keine symbolische Tiefe mehr hatte. Das zog ihn an Afrikanische Kunst und andere Formen von Stammeskunst, die voller symbolischer Bedeutung zu sein schien und sich nicht auf natürliche Farben stützte, um ihre Bedeutung auszudrücken. Es war eine Kunst der weiten, flachen Räume und der mit dunkler Farbe umrandeten Figuren. Diese Art von primitive Kunst war geprägt von übertriebenen Körperproportionen, tierischen Totems, geometrischen Mustern und starken Kontrasten. Er wendete diese Elemente auf seine Kunst an, wie in Werken wie The Schuffenecker Family (1889, Musee d’Orsay) zu sehen ist; Karikatur-Selbstporträt (1889, National Gallery of Art, Washington DC); Der gelbe Christus (1889, Buffalo, Albright-Knox Art Gallery); Vorabend. Hören Sie nicht auf den Lügner (1889, Marion Koogler McNay Kunstmuseum, San Antonio, Texas). Es war eine komplexe Mischung aus egozentrischer Mystik ) Die Qual im Garten, Palm Beach, Florida Museum) mit einer Vorliebe für das Seltsame und Barbarische ) Nirvana, Porträt von Meyer de Haan (1889, Hartford, Connecticut, Wadsworth Atheneum).

Verlässt Frankreich nach Tahiti (1891-3)

1891 entschloss er sich, Frankreich zu verlassen und in die Südsee zu fahren, um den westlichen städtischen Werten und "allem, was künstlich und konventionell ist" zu entkommen. Eine recht erfolgreiche Auktion seiner Werke in Paris (Februar 1891) ermöglichte es ihm, am 4. April nach einem von den Symbolisten zu seinen Ehren veranstalteten Bankett zu segeln. Auf Tahiti erwartete er eine unberührte Welt, doch Französisch-Polynesien war bereits von westlichen Missionaren kolonialisiert worden. Stattdessen musste er die Welt, die er suchte, in seinem Kopf erschaffen.

In den nächsten Jahren schuf er zunehmend primitivere Gemälde, Holzschnitzereien und Grafiken, während er sich bemühte, die Mythologie von auszudrücken Ozeanische Kunst. Er begann mit primitiven, spirituellen Kompositionen wie La Orana Maria (1891, Metropolitan Museum of Art, NY), Frau mit Blume (1891, NCG, Kopenhagen), Zwei Tahitianerinnen am Strand (1891, Musee d ’Orsay) und wann heiraten Sie? (1892, Kunstmuseum Basel) sowie symbolische Werke wie Brooding Woman (1891, Worcester Art Museum) und We Not Go To Market Today (1892, Kunstmuseum Basel) und Arearea (1892, Musee d’Orsay). Darüber hinaus erkundete er eine Reihe von Mythen und Aberglauben in Werken wie Der Mond und die Erde (1892, MoMA, NY) und Der Geist der Toten hält Mahnwache (1892, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY) und produzierte einige herausragende farbintensive Beispiele von Landschaftsmalerei wie Tahitian Landscape (1893, Minneapolis Institute of Arts).

Rückkehr nach Frankreich (1893-5)

Ohne jegliche Unterstützung kehrte Gauguin von 1893 bis 1895 nach Frankreich zurück. Deprimiert von seiner Isolation und einer scheinbar künstlichen Exotik kultivierte er seine erste große Einzelausstellung in der Galerie von Paul Durand-Ruel, verkaufte aber nur 11 Leinwände und war vor allem bei der Neugierde erfolgreich. Die Bilder dieser Zeit waren ein aggressiver, nostalgischer Versuch, sich an das zu erinnern, was er auf Tahiti erlebt hatte, und die Übel der Zivilisation aufzudecken. Er kehrte nach Pouldu und Pont-Aven zurück, wo er bei einer Schlägerei verletzt wurde und sich nicht bewegen konnte. Damals machte er eine erstaunliche Gruppe von Holzstichen, in denen er den stillen Schrecken der religiösen Praktiken in Tahiti zum Ausdruck brachte und dabei eine präzise Technik voller Kontraste verwendete, die die Form der frühen Holzschnitte wiederbelebte.

Tahiti: Letzte Periode (1895-1903)

Nachdem Gauguin gezwungen war, den Inhalt seines Ateliers zu verkaufen, kehrte er im März 1895 nach Tahiti zurück. Allein und in Schulden, depressiv und krank, durchlief er eine schreckliche Krise, die durch den Tod seiner Tochter Aline noch schlimmer wurde. Ein Gefühl für das Elend des menschlichen Schicksals und ein wachsendes Bedürfnis nach plastischer Solidität und klassischen Rhythmen fanden in Werken wie Nevermore (1897, Courtauld Institute Galleries, London) Beachtung. Vor seinem Selbstmordversuch im Februar 1898 malte er 1897 seine bisher größte Komposition. Woher kommen wir? Wo sind wir? Wohin gehen wir? (Museum of Fine Arts, Boston), ein Bildtestament, in dem "was verfrüht ist, verschwindet und das Leben aufsteigt", prächtig durch das strenge Thema.

Nach 1898 war Gauguin, regelmäßig unterstützt von der Pariser Händlerin Ambroise Vollard und dann von mehreren treuen Bewunderern, darunter Fayet, frei von materiellen Sorgen, obwohl er sich ständig mit den zivilen und religiösen Autoritäten auf der Insel auseinandersetzte. Er drückte sein messianisches Gefühl aus, dass er in zwei Publikationen, Les Guepes und Le Sourire, die mit Holzstichen illustriert waren, und in den Stichen, die sein Haus schmückten, ) La Maison du Jouir, Musée d’Orsay Paris und MFA Boston), verfolgt wurde). 1899 malte er Tahitian Women mit Mangoblüten (Metropolitan Museum of Art, NY) und Three Tahitians (National Gallery, Edinburgh), was wiederum den seltsamen geheimen Charme der von ihm verwendeten Bände enthüllte.

Nachdem er sich 1901 in Atuana auf der Marquesas-Insel Hiva Oa niedergelassen hatte, wurde Gauguin zunehmend schwächer und unterstrich mit lebhaften Pinselstrichen die zarte Beziehung zwischen seinen Grüns, Veilchen und Rosa: siehe Das Gold ihrer Körper (1901, Musee d ’ Orsay); The Call (1902, Cleveland Museum); Reiter am Strand (1902, Sammlung Stavros Niarchos Paris und Folkwang Museum Essen). Er produzierte auch eines seiner eindringlichsten Werke – Girl with a Fan (1902, Folkwang Museum, Essen).

In seinen letzten Jahren schrieb er viel, Briefe an seine Freunde, ein Studium des modernen Geistes und des Katholizismus und Vorher und Nachher, eine wichtige, wenn auch anekdotische und romantisierte Meditation über sein Leben und Werk. Er starb am 8. Mai 1903 an Syphilis, sein System wurde durch Alkohol und einen zerstreuten Lebensstil geschwächt. Er ist auf den Marquesas-Inseln in Polynesien beigesetzt.

Erbe

Obwohl er in relativer Dunkelheit starb, wurden seine Gemälde bald nach seinem Tod populär. Der russische Sammler Sergei Shchukin kaufte zahlreiche Werke, die nun in der Ausstellung zu sehen sind Puschkin-Museum der Schönen Künste in Moskau und und Einsiedelei in St. Petersburg. Sie werden nur selten zum Verkauf angeboten, und wenn doch, können sie bis zu 40 Millionen US-Dollar verkaufen. Dies spiegelt seinen starken Einfluss auf moderne Kunst des frühen zwanzigsten Jahrhunderts.

Durch Ausstellungen nach seinem Tod – insbesondere seine Retrospektiven im Salon d’Automne 1903 und 1906 – Gauguins Einfluss breitete sich bald weit über den Pont-Aven-Kreis und das Nabis, der ihn durch lernte Paul Serusier (1864-1927). Die Arbeit von Jens Willumsen (1863-1958) in Dänemark, Edvard Munch (1863-1944) in Norwegen, Paula Modersohn-Becker (1876-1907) in Deutschland Ferdinand Hodler (1853-1918) in der Schweiz, Nonell in Spanien und auch Picasso (1881-1973) in seinen "Blau" – und "Orange" -Perioden – alles deutet auf die noch bedeutendere Wirkung hin, die er hatte Henri Matisse (1869-1954) und Fauvisten mögen Kees van Dongen (1877-1968) und Andre Derain (1880-1954) sowie Kubisten wie Roger de La Fresnaye (1885-1925), Expressionisten mögen Alexei von Jawlensky (1864-1941), Raoul Dufy (1877-1953), Max Pechstein (1881-1955) und Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) und Orphisten mögen Robert Delaunay (1885-1941).

Zusätzlich war Gauguin neben Cezanne und Van Gogh ein zentraler Künstler in der wegweisenden Ausstellung Post-Impressionist London mit dem Titel: Manet and the Post-Impressionists (1910), die von organisiert wurde Roger Fry (1866-1934).

Gauguins Arbeiten erscheinen in vielen der beste Kunstmuseen in Europa und Amerika. Ein Gauguin Museum wurde 1965 in Tahiti eingerichtet und enthält viele Dokumente, die mit seinem Leben und Werk zusammenhängen.