David Hockney:
Englischer Popkünstler Automatische übersetzen

Geliebter englischer Künstler

Der Maler, Grafiker, Fotograf und Bühnenbildner David Hockney ist einer der erfolgreichsten und einflussreichsten aller lebenden englischen Künstler. Er hat einen Großteil seines kreativen Lebens in Amerika verbracht und sein Ansehen beruht auf seiner Geldstrafe Zeichnung Fähigkeiten, sowie seine innovative Arbeit auf dem Gebiet der Druckgrafik und Fotocollage. Gesehen als Gründungsmitglied der Briten Pop-Art In den 1960er-Jahren war er Gegenstand zahlreicher Einzelausstellungen weltweit, darunter bedeutende Tour-Retrospektiven im Kunstmuseum von Los Angeles, im Metropolitan Museum of Art in New York, in der Tate Gallery in London (1988) und im Royal Akademie der Künste in London (1995-6).

Obwohl er für seinen schwulen Status eine gewisse Kontroverse angezogen hat, bleibt er – zusammen mit JMW Turner und John Constable – einer der beliebtesten aller englischen Künstler und ohne Frage der berühmteste Yorkshire – Mann der Welt zeitgenössische Kunst. (Hinweis: Zum Vergleich mit anderen Malern siehe: Top zeitgenössische Künstler.)

Anfangszeit

Der in Bradford geborene Hockney erhielt als viertes von fünf Kindern ein Stipendium für das Bradford Grammar School, wo er aufgrund seiner Leidenschaft für die Kunst entschlossen war, Künstler zu werden, und ihn aufforderte, an eine Kunstschule zu gehen. Dies wurde von seinen Eltern nur widerwillig gewährt, aber erst nachdem er seine Überzeugung durch eine Kampagne der Nichtübereinstimmung im Klassenzimmer unter Beweis gestellt hatte, in Notizbüchern Comics gekritzelt und gezeichnet zu haben, anstatt im Unterricht zu arbeiten. Er starb auch nachmittags in der Sonntagsschule und zeichnete Zeichentrickfilme von Jesus. Gleichzeitig gewann er durch seine offensichtlichen künstlerischen Talente Preise und Anerkennung. Am Ende gaben seine Eltern nach und schickten ihn an die Bradford School of Art , wo er Anatomie studierte. Geradlinige Perspektive und aus dem Akt zu zeichnen, seine frühreife Zeichenkunst in einer Reihe von Porträts zu zeigen, und Ölgemälde. Vor allem begann er zu verstehen, dass das Malen ein Prozess des Sehens und Denkens und keine bloße Nachahmung war. Sein frühes Kunstwerk war abstrakt, während er die Kompositionen von Malern wie Francis Bacon und er reiste oft nach London, um verschiedene Kunstausstellungen zu besuchen. Er fing auch an, seine erste Farbe zu produzieren Lithographien. 1957 legte er mit Auszeichnung das National Diploma in Design Examination ab, woraufhin er aufgrund seines Status als Kriegsdienstverweigerer aus Gewissensgründen als Methodist seinen zweijährigen Zivildienst als ordentlicher Krankenhausarzt absolvierte. Anschließend begann er ein dreijähriges Aufbaustudium am Royal College of Art in London, zusammen mit seinen Kommilitonen RB Kitaj, Allan Jones, Peter Phillips, Derek Boshier und Patrick Caulfield.

Royal College of Art

Hockney fühlte sich in der Atmosphäre und Umgebung des Royal College sofort zu Hause, blühte in der Verwandtschaft seiner Künstlerkollegen und trat in eine wichtige Phase der Selbstfindung ein. Insbesondere stand es ihm frei, mit anderen schwulen Männern über seine Geschlechterorientierung zu sprechen. In erster Linie war er jedoch ein engagierter und hoch motivierter Student, der entschlossen war, so viele Kunstformen wie möglich zu erforschen, um seinen eigenen Stil zu entdecken. So wandte er sich zunächst in zwei aufwändigen Studien eines Skeletts dem Leben zu, bevor er mit ihm experimentierte abstrakte Kunst. Er suchte auch nach Möglichkeiten, ein persönliches Thema in seine Kunst einzubeziehen. Dies führte ihn dazu, Werke über seine Lieblingsdichtung und seinen Vegetarismus zu malen, und er begann sogar, Anspielungen auf seine Geschlechterorientierung aufzunehmen und in einigen seiner Bilder Wörter wie "queer" und "unorthodoxer Liebhaber" zu schreiben. Diese Inschriften wichen bald offeneren Erklärungen in einer Reihe von Gemälden aus den Jahren 1960 – 61 zum Thema schwule Liebe, darunter We Two Boys Together Clinging (1961). Die Wirkung des Motivs wurde durch die rudimentären, fast kindisch gezeichneten Figuren, die gekritzelten Graffitis und die raue Textur der Malfläche verstärkt. Diese Bilder lehnen sich stark an die Faux-Naïf-Redewendung von Jean Dubuffet an, ebenso an die Gemälde von Picasso, dessen Retrospektive 1960 in der Tate Gallery einen großen Einfluss auf Hockneys Stil hatte. Diese frühen respektlosen, ironischen "Pop" – Gemälde sowie seine eher formalen Arbeiten und sein wachsendes Interesse an verschiedenen Formen von Grafik-Design und Drucksachen, die Hockney schnell als Künstler mit großem Potenzial auszeichneten. Nur 23 Jahre, die Vielseitigkeit und das Flair seines Gemäldes, verbunden mit seiner reifen, überschäumenden Persönlichkeit, verliehen ihm eine Aura der Autorität. Er zeigte bereits auf verschiedenen Ausstellungen von moderne Kunst, einschließlich der Londoner Gruppe 1960.

Führendes Licht der britischen Pop-Art

1961 stellte Hockney zusammen mit Peter Blake, Derek Boshier, Allen Jones, RB Kitaj und Peter Phillips auf der Young Contemporaries Exhibition (einer jährlichen Ausstellung mit Werken britischer Kunststudenten) aus Britische Pop-Art, und brachte Hockney zusätzlichen Ruhm als einer seiner Rädelsführer. Während des Sommers verkaufte er mehrere Gemälde, um für seine erste Reise nach New York zu bezahlen, wo er und seine Freunde die meisten Galerien und Museen der Stadt sowie die angesagten Schwulenlokale besuchten. Dort nutzte er die Räumlichkeiten des Pratt-Instituts, um an seinem zu arbeiten Skizzierung und Malerei, einschließlich einer Idee für eine moderne Version von William Hogarths "Rake’s Progress", ein Druckprojekt, das er zwei Jahre später abschloss. Die Atmosphäre der persönlichen Freiheit, die er in New York erlebte, förderte auch seine Selbstfindung. Er fing an, seine Haare zu bleichen und präsentierte ein neues Bild.

Goldmedaille und früher finanzieller Erfolg

Als er im Herbst nach England zurückkehrte, um sein Studium am Royal College of Art abzuschließen, erregte Hockney bei mehreren Studentenausstellungen große Aufmerksamkeit bei Kritikern, Professoren und Kommilitonen. Sein Kunstwerk hatte eine poetische Ausstrahlung und führte die Erzählung auf moderne Weise mit spürbarer Ironie wieder ein. Anfang 1962 stellte er sein wachsendes Angebot anhand einer Reihe von Gemälden unter dem Titel Demonstrations of Versatility vor, die jeweils in einem anderen Stil ausgeführt wurden – flach, illusionistisch, szenisch, im Genre-Stil. Die Kraft von Hockneys Zeichenkunst, seine Genre-Malerei Porträtmalerei, literarische Einflüsse, ein stark persönlicher Ansatz und eine zunehmende Reife des Menschen ermöglichen es ihm, sich eine klare künstlerische Identität zu verschaffen. Obwohl er seine kunsthistorischen Prüfungen nicht bestanden hatte, wurde ihm 1962 die Goldmedaille des Royal College of Art verliehen . Im folgenden Jahr verkaufte er die Radierungen seiner aktualisierten Version von Rakes Progess für unglaubliche 5.000 Pfund. Dieser kommerzielle Erfolg bedeutete, dass er sich schon bald nach dem Abitur selbständig machte und sich im Gegensatz zu den meisten seiner Zeitgenossen nicht auf den Unterricht verlassen musste, um über die Runden zu kommen. Ab diesem Zeitpunkt war er durch den einflussreichen Kunsthändler John Kasmin vertreten.

Los Angeles

Nach Abschluss seines Studiums reiste Hockney 1963 nach New York, Berlin und Ägypten, um Inspiration und Ideen für Illustrationen zu erhalten. In New York traf er sich Andy Warhol, die – zusammen mit Roy Lichtenstein – war einer der aufstrebenden Stars der amerikanischen Pop-Art. Er sah auch einen Freund, Henry Geldzahler, einen Kurator am Metropolitan Museum of Art, der ihn ermutigte, Los Angeles zu besuchen – was Hockney Ende des Jahres tat. Es war alles, was er erwartet hatte und mehr. Er kam an und kannte niemanden. Und doch fand er innerhalb von sieben Tagen eine Bleibe in Santa Monica, arrangierte ein Studio für sich selbst, bestand die Fahrprüfung, kaufte ein Auto und fuhr sogar nach Las Vegas, wo er etwas Geld gewann Glücksspiel. Der Lebensstil und die Landschaft von Los Angeles wurden in mehrfacher Hinsicht zu wichtigen Merkmalen von Hockneys Arbeit. Er verbrachte einen Großteil des Tages an der Küste von Santa Monica und bewunderte die schönen Jungen, die am Strand entlangparadierten. Um die farbenfrohe kalifornische Stadtlandschaft einzufangen, wechselte er von seinen geliebten Ölen zum neueren Medium von Acryl und entwickelte seinen eigenen Stil für naturalistisch-realistische Malerei. Seine Arbeit The California Collector aus dem Jahr 1964 enthielt seine erste Darstellung eines Schwimmbades in Los Angeles, ein Bild, das er unzählige Male wiederholte, indem er das fließende Wasser in flachen, modernen Formen mit gewellten Linien darstellte, und eine halbabstrakte Oberfläche, die an ein Puzzle erinnerte von Werken von Jean Dubuffet. Zu seinen Themen gehörten neben Pools auch die skulpturalen kalifornischen Männer, denen er begegnete, wie in Arbeiten wie Man in Shower in Beverly Hills (1964), während er auch anfing, zu verwenden Fotografie, insbesondere Fotomontage, um seine Kompositionen zu entwickeln.

Wie zu erwarten war, wirkte sich das rivieraähnliche Umfeld Kaliforniens stark auf Hockneys berufliches und privates Leben aus. Er hatte schon lange vor seinem Umzug von dem Ort geträumt und bereits Domestic Scene, Los Angeles (1963), produziert, ein Gemälde, das zwei Männer in einer Dusche zeigt und aus Zeitschriftenfotos stammt. In der Tat könnte man sagen, dass sein Umzug nach LA die Verwirklichung seiner Fantasie eines sinnlichen und hemmungslosen Paradieses aus Schwimmbädern, ewigem Sonnenschein und blonden jungen Männern war. Es ist auch fair zu sagen, dass seine brillante kalifornische Bildsprache auch unsere eigenen Fluchttendenzen anspricht und möglicherweise ein wichtiger Faktor für seine Attraktivität als Künstler ist. Würden wir ihm gegenüber dasselbe empfinden, wenn er nach Bratislava oder Pittsburgh geflohen wäre? Ich wundere mich.

Wachsender Ruhm

1964 unterrichtete Hockney an der University of Iowa und lehrte in den folgenden zwei Jahren an der University of Colorado in Boulder, in Los Angeles und in Berkeley. Die Anerkennung innerhalb des Kunstberufs setzte seinen Weg fort. 1964 inszenierte er seine erste amerikanische Einzelausstellung in der Alan Gallery in New York, wo er begeisterte Kritiken erhielt und jedes Gemälde verkaufte. 1966 genoss er nicht weniger als fünf Einzelausstellungen in Europa. Im selben Jahr lernte er einen neunzehnjährigen amerikanischen Studenten namens Peter Schlesinger kennen , mit dem er seine erste echte Liebesbeziehung hatte. 1967 kehrte das Paar nach Europa zurück und bereiste den Kontinent – im selben Jahr, in dem Hockney sein berühmtes Gemälde A Bigger Splash fertigstellte und als sein Gemälde Peter Getting Out Of Nick’s Pool den John Moores-Malpreis in der Walker Art Gallery in Liverpool gewann. In dieser Zeit begann Hockney auch Bühnenbilder für Theater auf beiden Seiten des Atlantiks zu entwerfen.

Theater Designarbeit

In den 1960er Jahren begann sein lebenslanges Interesse an Bühnenbildern für Theater, Oper und Ballett. Sein erster Auftrag betraf Jarrys Ubu Roi am Royal Court Theatre in London im Jahr 1966. Es folgten Entwürfe für Igor Strawinskys Rake’s Progress (Glyndebourne Festival 1974) und für Mozarts Die Zauberflöte (Glyndebourne Festival 1978) sowie ein Auftrag für Kostüme und Bühnenbilder für eine dreifache Aufführung von Werken von Satie, Poulenc und Ravel an der Metropolitan Opera in New York. Später schuf er Bühnenbilder für eine Arbeit von Strawinsky an der Metropolitan Opera, Puccinis Turandot in San Francisco, Wagners Tristan und Isolde in Los Angeles und Strauss ’ Die Frau ohne Schatten an der Royal Opera in Covent Garden, London.

1968 kehrte Hockney mit Schlesinger nach London zurück, der sein Studium an der Slade School of Fine Art aufnahm. Er malte auch seine ersten großen Doppelporträts, wie die von Fred und Marcia Weisman sowie Christopher Isherwood und Don Bachardy. Das Jahr endete mit einer Einzelausstellung in New York in der André Emmerich Gallery.

Im folgenden Jahr nahm Hockney das Angebot an, 1969 Gastprofessor an der Kunsthochschule in Hamburg zu werden, doch zu Hause begann sich seine Beziehung zu Schlesinger zu verschlechtern – ein Prozess, der in einer offenen Dokumentation über Hockneys damaliges Leben von filmisch festgehalten wurde Jack Hazan.

1970er Jahre

1970 fand in der Whitechapel Art Gallery in London die erste große retrospektive Ausstellung von Hockney statt, und der Künstler wurde weiterhin als eine der Hauptfiguren der englischen Kunstwelt gefeiert. Die Retrospektive tourte anschließend nach Hannover, Rotterdam und Belgrad. 1971 vollendete Hockney sein berühmtestes Stück Porträtkunst – Herr und Frau Clark und Percy (wählten später das beliebteste moderne Gemälde in der Tate Gallery).

Zu dieser Zeit waren Hockneys Sorgen, modern zu wirken, zurückgegangen und er begann mehr Selbstvertrauen zu haben, seine naturalistische Darstellung der Welt für sich selbst sprechen zu lassen. Einige seiner Bilder aus den frühen 70er Jahren hatten jedoch weiterhin ein eher lebloses Aussehen, da sie zu stark auf fotografische Quellen angewiesen waren. (Eine ähnliche Kritik wurde an dem zeitgenössischen schottischen Genremaler geäußert Jack Vettriano.) Glücklicherweise zeichnete er sich weiterhin durch Zeichnungen aus dem Leben aus, wie zum Beispiel durch Porträts von Nick und Henry an Bord, Nice to Calvi (1972).

1973 ging Hockney für kurze Zeit nach Paris, wo er mit Aldo und Piero Crommelynck, den ehemaligen Meisterdruckern von Picasso, zusammenarbeitete, um eine Serie von Radierungen in Erinnerung an das große spanische Genie, das früher in diesem Jahr gestorben war. 1974 veranstaltete das Musée des Arts Décoratifs in Paris eine große Ausstellung mit Werken von Hockney. Es war auch das Jahr, in dem Jack Hazans biografischer Film über Hockneys Leben mit dem Titel A Bigger Splash fertiggestellt wurde. Obwohl Hockney zunächst von der Offenheit des Films über seinen schwulen Status und seine Beziehung zum viel jüngeren Schlesinger schockiert war, genehmigte er schließlich seine Veröffentlichung.

Mitte der 1970er Jahre gab Hockney auf Malerei der schönen Kunst für eine Weile, um sich auf das Zeichnen und Ätzen sowie neue Aufträge für Bühnen- und Theaterentwürfe zu konzentrieren. Seine anhaltende Neugierde für unterschiedliche Kunstformen veranlasste ihn, bedeutende Werke in verschiedenen Medien wie den Paper Pools und anderen zerkleinerten Papierarbeiten von 1978 sowie eine Reihe von Versuchsexperimenten mit Polaroid- und 35-mm-Fotografie zu produzieren, in denen sie entstanden Hunderte von zusammengesetzten Bildern (Schreiner), um zu versuchen, die Mehrfachwinkelanalyse anzuwenden Kubist Technik zu einem mechanischen Medium. 1978 ließ er sich in den Hollywood Hills mit Blick auf Los Angeles nieder.

1980er Jahre

In den 1980er Jahren wandte sich Hockney dem Foto zu Collage mit einer Polaroid-Kamera. Er fuhr durch den Südwesten der Vereinigten Staaten und machte Tausende von Fotos, die er dann zu Panoramamontagen zusammensetzte, wie Sie machen das Bild, Zion Canyon, Utah. (Diese Fotomontagen waren anschließend Gegenstand einer Retrospektive der Fotografie des Künstlers im Museum of Contemporary Art, Los Angeles.) Diese Arbeiten waren Teil einer anhaltenden Faszination für technische Geräte, die in der Herstellung von selbstgemachten Drucken auf Fotokopierern gipfelten sowie Bilder, die mit einem Faxgerät übertragen oder auf einem Computer erstellt wurden. Er replizierte auch einige der Perspektiventheorien dieser Collagen in Gemälden wie A Visit with Christopher und Don, Santa Monica Canyon (1984), bestehend aus zwei Leinwänden mit einer Größe von ca. 2 x 6 Metern.

Als Abwechslung von dieser Kameraarbeit nahm Hockney 1981 an der figurative Kunst Ausstellung A New Spirit in Painting an der Royal Academy of Arts in London mit vier neuen Gemälden. Und 1983 begann er eine Reihe von Selbstporträts Dies ermöglicht es dem Betrachter, den Mann hinter dem Pinsel zu sehen und dabei seine Verwundbarkeit aufzudecken. Weitere Ausstellungen und Aufträge folgten. 1985 wurde er beauftragt, das Cover und eine Reihe von Innenseiten für die französische Ausgabe des Vogue- Magazins zu gestalten. Ein weiterer bedeutender Auftrag betraf die Quantel Paintbox, eine Computersoftware, mit der der Künstler direkt auf den Computerbildschirm zeichnen konnte. Seine daraus resultierenden Arbeiten standen in einer BBC-Serie auf dem Programm. 1988 wurde in Los Angeles eine große Retrospektive von Hockneys Werk inszeniert, die später in New York und London tourte.

1990er Jahre

In den neunziger Jahren spielte Hockney weiter mit neuen Technologien. Er verwendete einen Farblaserkopierer, um Bilder in einigen seiner Werke zu erstellen und einige seiner Gemälde nachzubilden. Vor allem beeindruckte ihn die Lebendigkeit von Farbe produziert von diesen Geräten. Dieser konstante Wunsch zu experimentieren wurde auch in der Reihe der 1992 begonnenen " Very New Paintings" veranschaulicht. Diese waren semi-abstrakt Landschaft Blick auf die Pazifikküste und die Berge von Santa Monica, dargestellt in einer Abfolge von Perspektiven, blendenden Ausblicken, brillantem Licht und Farben, nach dem Vorbild von Picasso und Matisse. 1995 wurde eine Retrospektive seiner Zeichnungen an der renommierten Royal Academy in London eröffnet. Es folgte 1998 eine Retrospektive im Museum Ludwig, Köln; und eine ähnliche Ausstellung in der Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea in Turin, im Musée de l’Elysée in Lausanne, im Rencontres Internationales de la Photographie in Arles und in der Kunsthalle Krems in Niederösterreich. Das Jahrzehnt endete mit einer Einzelausstellung seines Gemäldes im Centre Georges Pompidou in Paris.

2000er Jahre

Hockney ist jetzt in den Sechzigern und interessiert sich immer noch für das Kunstgeschichte. In der 2001 ausgestrahlten Fernsehsendung Secret Knowledge behauptete er, dass das berühmt sei Alte Meister des Renaissance und Barock- verwendete Camera Obscura- Techniken, um ein Bild des Motivs auf die Oberfläche des Gemäldes zu projizieren, wobei dem Maler die einfache Aufgabe vorbehalten blieb, den Umriss mit Farbe auszufüllen. Laut Hockney erklärte diese Technik, wie diese Künstler in der Lage waren, die fotografische Qualität ihrer Porträts zu erreichen, obwohl das Art Renewal Center, das in mehreren Artikeln Gegenargumente veröffentlicht hat, einschließlich der Erfahrungen lebender Künstler, die keine haben, seiner Ansicht nach heftig widersprach Verwenden Sie für solche Geräte dennoch Gemälde in fotorealistischer Qualität.

Im Jahr 2006 wurde die National Portrait Gallery in London inszenierte eine bedeutende Ausstellung von Hockneys Porträtkunst, einschließlich Selbstporträts, die über 150 seiner Gemälde, Zeichnungen, Drucke, Skizzenbücher und Fotocollagen aus den letzten 40 Jahren umfasste. (Siehe auch: National Gallery London).

Im Jahr 2007 erschienen in der jährlichen Sommerausstellung der Royal Academy Bigger Trees Near Warter – eine monumentale Ansicht eines Niederwaldes in Yorkshire und Hockneys größtes Bild aller Zeiten, das gewaltige 15 mal 40 Fuß misst. Gemalt en plein air auf 50 einzelnen leinwänden über einen zeitraum von 5 wochen spendete der künstler die arbeit im folgenden jahr an die tate gallery.

Im Jahr 2008 genoss Hockney Einzelausstellungen im The Arts Club von Chicago, Chicago, und in Leslie Sacks Fine Art, Los Angeles. Seine Werke hängen jetzt im beste Kunstmuseen um die Welt.

Auszeichnungen und Rekorde

Hockney wurde 1997 zum Ehrengefährten (Companion of Honor, CH) ernannt und ist außerdem Akademiker (RA) der London Royal Academy of Arts.

Im Jahr 2004 wurde seine Arbeit A Bigger Grand Canyon – eine Serie von 60 Gemälden, die eine riesige Komposition bilden – von der Nationalgalerie von Australien für 4, 6 Millionen Dollar.

Im Juni 2006 wurde sein Gemälde A Bigger Splash für £ 2, 6 Mio. verkauft – ein Rekord für ein Hockney-Gemälde.

Zusammenfassung

Gesehen als einer der Großen Maler des 20. Jahrhunderts, Hockneys Ruf als Künstler beruht hauptsächlich auf der Qualität und Präzision seiner Zeichnungen, wie auch in seiner Porträtmalerei; sowie die Qualität und Vielfalt seiner Radierungen, wie in seinem Satz von 16 Radierungen, die eine moderne autobiografische Version von William Hogarths Rakes Progress enthalten, sowie seine lithografischen Arbeiten und seine Illustrationen für vierzehn Gedichte für CP Cavafy für Grimms sechs Märchen und die blaue Gitarre. Diese beispielhaften Kunstwerke fangen jedoch nicht die außergewöhnliche Individualität, energetische Innovation und das Talent des Jungen aus Yorkshire ein, dessen Traum es war, Künstler zu werden.

Für einen anderen Maler aus Nordengland mit einem ganz anderen Stil siehe: LS Lowry (1887-1976), bekannt für seine Stadtlandschaften, die von seiner Unterschrift "Streichholzmänner" bevölkert werden.