Fragen und Antworten zur Kunstgeschichte Automatische übersetzen

Die Seite behandelt: Prähistorische Kunst, Kunst der klassischen Epoche, mittelalterliche Kunst, Renaissance, 17. und 18. Jahrhundert und die Moderne. Fügen Sie diese Seite zu Ihren Lesezeichen hinzu, um Antworten auf all Ihre Fragen über die Entwicklung der visuellen Kunst von der Antike bis zur Postmoderne zu erhalten.

Wann haben die Menschen begonnen, Kunstwerke zu schaffen?

Bis vor kurzem gingen die meisten Paläoanthropologen und Kunsthistoriker davon aus, dass die Geschichte der Kunst im Jungpaläolithikum zwischen 35 000 und 10 000 v. Chr. begann, was durch eine Reihe von Höhlenmalereien und Miniaturfiguren, die hauptsächlich in Europa gefunden wurden, belegt wird. Jüngste archäologische Entdeckungen scheinen jedoch zu bestätigen, dass die prähistorische Kunst schon viel früher entstanden ist, nämlich mit ziemlicher Sicherheit im mittleren Jungpaläolithikum, etwa zwischen 290 000 und 700 000 v. Chr. Für weitere Informationen siehe: Geschichte der prähistorischen Kunst .

Welches war die früheste Form der Kunst, die der Steinzeitmensch schuf?

Die älteste bekannte Felskunst ist „cupul“, eine Felszeichnung in Form einer Halbkugel, die durch das Aneinanderschlagen vertikaler und horizontaler Flächen entstanden ist. Für weitere Informationen zu dieser ungewöhnlichen Felskunst siehe: Kupuls . Für einen Leitfaden zur ersten Paläokunst siehe: Frühe Kunst .

Was ist das früheste bekannte Kunstwerk?

Die älteste aufgezeichnete Paläokunst – Kupeln aus dem unteren Paläolithikum in der Auditorium-Höhle in Indien, datiert auf 290.000 v. Chr. Für weitere Einzelheiten siehe: Bhimbetka-Petroglyphen .

Was ist die älteste jemals geschaffene Skulptur?

Die ersten Proto-Skulpturen – Aschelianische Figuren, die vom Homo erectus geschaffen wurden und auf 200.000 v. Chr. zurückgehen: Venus Berehat Ram und Venus Tan-Tan. Später, ab 33.000 v. Chr., tauchten in Europa verfeinerte Statuetten auf. Für weitere Einzelheiten siehe: Venus-Figuren .

Wie alt sind die frühesten Höhlenmalereien?

Die ältesten bekannten, von modernen Homo sapiens gemalten Höhlenfresken befinden sich in den oberpaläolithischen Höhlen von Chauvet, Peche-Merle, Cosqueray und Lascaux (Dordogne, Frankreich) sowie in Altamira (Kantabrien, Spanien). Für weitere Einzelheiten siehe: Prähistorische Felskunst .

Wo kann ich eine Liste der ältesten Kunstwerke finden?

Eine chronologische Liste der ältesten Kunstwerke finden Sie unter Antike Kunst, und für weitere Informationen siehe Kunst der ältesten Steinzeit – 100 bekannte Werke .

Wo kann ich eine vollständige Chronologie der steinzeitlichen Kunst finden?

Eine detaillierte Chronologie wichtiger Daten aus dem Paläolithikum, Mesolithikum und Neolithikum des Pleistozäns und Holozäns, einschließlich der frühesten Petroglyphen, Skulpturen, Höhlenfresken, megalithischen Architekturen, Töpferwaren und Metallarbeiten, finden Sie unter: Chronologie der prähistorischen Kunst .

Wann wurde die erste religiöse Kunst geschaffen?

Das weiß niemand mit Sicherheit. Wenn es sich bei den Kupeln um religiöse Zeichen handelt, könnte die Antwort „bereits 700.000 v. Chr. lauten“. Wahrscheinlicher ist, dass es sich bei den ersten religiösen Kunstwerken um afrikanische oder australische Höhlenmalereien aus der Zeit zwischen 10.000 und 20.000 v. Chr. handelt, siehe: Religiöse Kunst .

Für welche Art von Kunst ist die Bronzezeit berühmt?

Die berühmtesten Beispiele für die Kunst der Bronzezeit (ca. 3500-1100 v. Chr.) entstanden im Mittelmeerraum in Form der ägyptischen Monumentalarchitektur (Pyramiden) sowie der minoischen Fresken, Töpferwaren und Skulpturen. Die persische Kunst war noch weiter fortgeschritten. Für weitere Einzelheiten siehe: Kunst der Bronzezeit .

Was ist so besonders an der ägyptischen Kunst?

Die ägyptische Kultur (3100 v. Chr. – 395 n. Chr.) hat einen enormen Beitrag zur Geschichte der Kunst geleistet. Als früheste und langlebigste aller antiken Mittelmeerzivilisationen hatten ägyptische Handwerker (insbesondere Steinmetze) einen wichtigen Einfluss auf die spätere griechische Bildhauerei. Darüber hinaus ist ein Großteil der ägyptischen Malerei (Fresken, Tafeln) erhalten geblieben, mehr als von jeder anderen nationalen Kultur in prähistorischer Zeit, und dies gibt uns einen enormen Einblick in die ägyptische Kultur und Kunst. Für weitere Informationen siehe: Ägyptische Kunst .

Warum haben die Ägypter Pyramiden gebaut?

Der Zweck der ägyptischen Pyramiden – die einzigartige Form der ägyptischen Architektur – war es, den Übergang eines verstorbenen Pharaos oder Adligen ins Jenseits zu erleichtern und sicherzustellen. Die meisten wurden zwischen 2680 und 1786 v. Chr. erbaut (obwohl einige Gegenstände, die im Inneren der Pyramiden gefunden wurden, viel früher datiert sind, bis zu 5.000 v. Chr.). Weitere Informationen finden Sie unter Ägyptische Pyramiden .

Wer waren die Minoer? Wofür ist die minoische Zivilisation bekannt?

Das nach dem legendären König Minos benannte Volk der Minoer – die Vorläufer der griechischen Kunst – lebte auf der Insel Kreta im östlichen Mittelmeer. Um 2100 v. Chr. konnten sie dank ihrer Einkünfte aus dem Seehandel eine Reihe von Palästen in Knossos, Phaistos, Akrotiri, Kato Zakros und Mallia errichten und schöne Beispiele der Bildhauerei, Freskomalerei, Keramik, Steinmetzarbeiten und Metallverarbeitung schaffen. Für weitere Informationen siehe: Minoische Kunst .

Was ist mykenische Kunst?

Mykene war eine griechische Stadt in der Region Peloponnes auf dem Festland des antiken Griechenlands. Sie gab der frühesten Form der griechischen Kultur (ca. 1650-1200 v. Chr.) ihren Namen. Für weitere Informationen siehe: Mykenische Kunst .

Wofür ist die persische Kunst berühmt?

Das auf beiden Seiten der antiken Handelsroute nach Osten gelegene Persien (später in Iran umbenannt) entwickelte sich im ersten Jahrtausend v. Chr. zu einem der reichsten kulturellen und politischen Zentren der antiken Welt. Unter mächtigen Herrschern wie Kyros II. dem Großen, Xerxes und Darius I. wurde das Land berühmt für seine Architektur, öffentliche Skulpturen, Keramik, Goldschmiedekunst und Edelmetalle. Die persische Kunst wurde von der griechischen Kunst beeinflusst (und beeinflusst). Für weitere Informationen siehe Die Kunst Persiens .

Wofür ist die etruskische Kunst am bekanntesten? (ca. 700-90 v. Chr.)

Die etruskische Kultur, die ihren Ursprung in der italienischen Provinz Etrurien in Italien vor dem Aufstieg Roms hatte, erreichte ihren Höhepunkt im sechsten Jahrhundert v. Chr. (500-600 v. Chr.). Sie ist bekannt für ihre Grabmalereien und Grabsarkophage sowie für ihre Töpferwaren. Sie hatte einen bedeutenden Einfluss sowohl auf die griechische als auch auf die römische Kunst. Für weitere Informationen siehe Etruskische Kunst .

Warum ist die griechische Kunst so wichtig?

Zwischen 600 und 300 v. Chr. war das antike Griechenland das wichtigste kulturelle Zentrum der antiken Welt. Es schuf ein umfangreiches und beeindruckendes Spektrum an Skulpturen, Gemälden, Keramiken und Architektur, das später einen großen Einfluss auf die Entwicklung der gesamten westlichen Kunst hatte. Die griechische Kunst umfasst drei große Epochen: die archaische Periode (ca. 600-500 v. Chr.), die klassische Periode (ca. 500-323 v. Chr.) und die hellenistische Periode (ca. 323-27 v. Chr.). Für weitere Informationen siehe Griechische Kunst .

Warum haben so wenige griechische Skulpturen überlebt?

Weil im Mittelalter (ca. 400-800) Plünderer viele der Steinskulpturen demontierten und fast alle Bronzeskulpturen als Altmetall einschmelzen ließen. Infolgedessen beschränkt sich unser Wissen über die griechische Skulptur auf römische Kopien der Originale oder die wenigen erhaltenen Fragmente. Dennoch gibt es noch zahlreiche Beispiele von Reliefs und einige Statuen in erhaltenen Tempeln, wie dem Parthenon auf der Akropolis in Athen. Glücklicherweise sind einige herausragende Meisterwerke erhalten geblieben, vor allem der „Laokoon“ (42-20 v. Chr.), der von Hagesander, Polydorus und Athenodorus geschnitzt wurde. Für weitere Einzelheiten siehe: Griechische Skulptur .

Welches sind die wichtigsten Stile der griechischen Töpferkunst?

Keramik – die wichtigste erhaltene Quelle für Informationen über die griechische bildende Kunst. Vier Hauptstile: geometrisch, schwarzfigurig, rotfigurig und weißer Hintergrund. Ironischerweise genoss die griechische Keramikkunst nie die gleiche Wertschätzung wie die bildende Kunst. Den höchsten Stellenwert hatte die Monumentalmalerei, gefolgt von Architektur, Bildhauerei und Metallarbeiten. Für einen vollständigen Überblick siehe: Griechische Töpferei .

Wofür ist die römische Kunst am besten bekannt?

Römische Maler und Bildhauer litten unter einem traditionellen Gefühl der Unterlegenheit gegenüber der griechischen Kunst, die sie unendlich oft kopierten. Die größten künstlerischen Errungenschaften des antiken Roms sind mit der römischen Architektur (z. B. das Kolosseum) und der erzählenden Reliefplastik (z. B. die Trajanssäule von 113 n. Chr.) verbunden. Für weitere Einzelheiten siehe: Römische Kunst .

Was ist keltische Kunst?

Der Begriff bezieht sich traditionell auf die Metallarbeiten, Skulpturen und Dekorationen der alten Kelten, die um 800 v. Chr. aus dem Kaukasus nach Osteuropa kamen. Für weitere Einzelheiten siehe: Keltische Kunst . Zur Geschichte und zum kulturellen Beitrag der Kelten, siehe: Keltische Kultur .

Was sind „keltische Ornamente“?

Sie umfassen gewöhnlich: Spiralen, Wechsel, Knoten, Kreuze und Zoomorphs. Siehe Keltische Muster .

Welche Werke der christlichen Kunst wurden im Mittelalter geschaffen?

Fast 600 Jahre lang (400-1000) stagnierte ein Großteil der europäischen Kultur aufgrund der von Barbaren angefachten Anarchie und des allgemeinen Verfalls des Lebensstandards. Nur die christliche Kirche überlebte, und selbst diese war zwischen Rom und Byzanz (Konstantinopel) aufgeteilt. Dennoch war sie mit ihrem Netz von Klöstern und Skriptorien an den Rändern Europas (siehe z. B. Irische Klosterkunst) für eine Reihe von illuminierten Evangelienhandschriften verantwortlich, eine Tätigkeit, die später auf dem Kontinent von König Karl I. in Aachen unterstützt wurde. Für weitere Informationen siehe: Christliche Kunst des Mittelalters und für Beispiele wie das Book of Kells, siehe: Irische illuminierte Handschriften .

Welche Art von Kunst haben die Wikinger geschaffen?

Die Wikinger – heidnische dänische, norwegische und schwedische Krieger – plünderten und besiedelten weite Teile Europas, Nordamerikas, Grönlands, Islands, Irlands, Schottlands, Englands und des europäischen Festlands. Die meisten ihrer (meist tragbaren) Artefakte bestanden aus funktionalen Werkzeugen oder Ausrüstungsgegenständen, obwohl die Handwerker der Wikinger sich auch in der dekorativen Metallbearbeitung hervortaten. Weitere Informationen finden Sie unter Kunst der Wikinger .

Wann war das Zeitalter der byzantinischen Kunst?

Während das westliche Christentum in den kulturellen Abgrund des barbarischen Mittelalters (400-1000) abrutschte, wurden seine künstlerischen Werte von seiner östlichen Hauptstadt Byzanz aufrechterhalten, wohin Tausende von römischen und griechischen Künstlern und Handwerkern auswanderten und eine neue östliche Kultur zu schaffen begannen. Christliche Bilder (siehe Ikonographie) im byzantinischen Stil. Diese Mischung aus griechischem, römischem und persischem Stil dauerte an, bis Byzanz (Konstantinopel) im Jahr 1453 von den Türken geplündert wurde. Für weitere Einzelheiten siehe: Byzantinische Kunst .

Was ist karolingische Kunst?

Der Begriff bezieht sich auf die Kunstwerke, die während der Herrschaft von Karl dem Großen, dem König der Franken, geschaffen wurden. Auf diese karolingische Kunst folgte die ottonische Kunst, die unter den Kaisern Otto I., II., III., Ludwig dem Frommen und Karl dem Kahlen entstand.

Was ist gotische Kunst?

Es handelt sich um einen europäischen Architekturstil, der zwischen 1200 und 1270 in und um die Ile-de-France entstand und sich dann in ganz Nordeuropa verbreitete. Im späten 14. – frühen 15. Jahrhundert entwickelte sie sich zur internationalen Gotik und verbreitete sich in Burgund, Böhmen und Norditalien. Für weitere Informationen siehe: Gotische Kunst, und Gotische Architektur .

Wo kann ich eine Liste der mittelalterlichen Künstler finden?

Ausführliche Informationen über Bildhauer, Maler, Architekten und andere dekorative Künstler des Mittelalters finden Sie unter: Künstler des Mittelalters .

Warum ist die Renaissance so wichtig für die Entwicklung der westlichen Kunst?

Die Renaissance war ein Aufschwung der schöpferischen Tätigkeit in allen Disziplinen der bildenden Kunst, der sich zwischen 1400 und 1530 in Italien abspielte. Unterteilt in zwei aufeinanderfolgende Epochen (Frührenaissance 1400-1490; Hochrenaissance 1490-1530) belebte sie die westliche Kunstwelt nach den Grundsätzen der klassischen Antike, insbesondere der griechischen Bildhauerei und ihrer Theorie der Ästhetik, und die Hierarchie der Gattungen blieb bis zu Pablo Picasso und dem Kubismus dominant. Für eine Chronologie der Ereignisse und Einzelheiten zu allen Epochen, Stilen und Künstlern siehe: Kunst der Renaissance .

Was geschah in Florenz zur Zeit der Renaissance?

Die eigentliche Renaissance, symbolisiert durch die neue Kuppel der Kathedrale von Florenz, wurde von den Florentiner Künstlern Filippo Brunelleschi (1377-1446), Mazaccio (ca. 1401-28) und Leon Battista Alberti (1404-1472) eingeleitet. Neue Maltechniken wurden von Künstlern wie Piero della Francesca (1420-92), Antonio Pisanello (1395-1455), Domenico Veneziano (1410-61), Gentile da Fabriano (1370-1427), Fra Angelico (1387-1455) und Paolo Uccello (ca. 1396-1475) erprobt, Giovanni Angelo di Antonio (ca. 1447-1475), Andrea del Castagno (ca. 1421-57), Sandro Botticelli (1444-1510) und Domenico Ghirlandaio (1449-1494), während neue bildhauerische Formen durch das Werk von Donatello (1386-1466) eingeführt wurden. Für weitere Informationen siehe: Die Renaissance in Florenz .

Warum war die Florentiner Familie Medici so wichtig für die Kunst der Renaissance?

Die Bankiersfamilie Medici war der wichtigste finanzielle Förderer der Kunst in Florenz während der Frührenaissance, ohne den viele Kunstwerke nicht hätten geschaffen werden können. Ihre führenden Mitglieder waren Giovanni di Bicci de’ Medici, Cosimo de’ Medici, Piero de’ Medici und Lorenzo de’ Medici. Für weitere Informationen siehe: die Familie Medici in Florenz während der Renaissance .

Was geschah in Rom zur Zeit der Renaissance?

Obwohl Rom in der Frührenaissance gegenüber Florenz die zweite Geige spielte, dominierte es in der Hochrenaissance. Zu den Päpsten, die zum Aufschwung von Malerei, Bildhauerei und Architektur in der Stadt beitrugen, gehörten Papst Sixtus IV. (regierte 1471-84), Papst Julius II. (1503-13), Papst Leo X. (1513-21) und Papst Paul III. (1534-45). Für weitere Einzelheiten siehe: Die Renaissance in Rom .

Was geschah in Venedig während der Renaissance?

Auch im 15. Jahrhundert spielte Venedig im Vergleich zu Florenz eine untergeordnete Rolle. Jahrhundert eine geringere Rolle als Florenz. Darüber hinaus führten die klimatischen Bedingungen und die Geschichte des Handels mit dem Osten zu einer etwas anderen Form der künstlerischen Entwicklung. Zu den aktivsten und einflussreichsten Vertretern der venezianischen Renaissance gehören Jacopo (ca. 1400-1470), Gentile Bellini (ca. 1429-1507) und Giovanni Bellini (ca. 1430-1516).), Andrea Mantegna von Padua (1431-1506), Vittore Carpaccio (1490-1523), Giorgione (1476-1510), Tizian (1487-1576), Paolo Veronese (1528-88) und Tintoretto (Jacopo Robusti) (1518-1594). Für weitere Informationen siehe: Die Renaissance in Venedig . Über die Gestaltung von Gebäuden siehe: Architektur der venezianischen Renaissance., dominiert von Jacopo Sansovino und Andrea Palladio.

Was ist der Unterschied zwischen der Früh- und der Hochrenaissance?

Einfach ausgedrückt: In der Frührenaissance wurden die meisten neuen Entdeckungen in der Malerei gemacht (z. B. Perspektive, Verkürzung, neue Themen, neue Herangehensweise an traditionelle Themen), während die Künstler der Hochrenaissance auf diesen Entdeckungen aufbauten und sie durch die Entwicklung subtilerer Techniken hervorragend nutzten. Die drei brillanten Künstler der Spätrenaissance waren Leonardo da Vinci, das Wunderkind Raphael und Michelangelo Buonarroti. Für weitere Informationen siehe: Geschichte der Frührenaissance und Geschichte der Hochrenaissance .

Was ist Manierismus?

In den 70 Jahren nach der Plünderung Roms im Jahr 1527 veränderte sich der Stil der Renaissancekunst deutlich und wurde emotionaler und dramatischer. Dies wurde später Manierismus genannt. In vielerlei Hinsicht spiegelte er die Spannungen der Zeit wider und war eine Reaktion auf den reinen Idealismus der Renaissance. Ein großartiges Beispiel für einen manieristischen Maler – Giambologna . Für weitere Informationen, siehe Manierismus: Geschichte und Künstler .

Was ist die nördliche Renaissance?

Dieser Begriff beschreibt die Entwicklung der Kunst in Nordeuropa (Flandern, Holland, Deutschland und Großbritannien) während des Zeitraums 1430-1580. Sie begann mit Jan Van Eycks monumentalem Meisterwerk „Der Genter Altar“ und zeichnete sich dadurch aus, dass die Nordländer Ölfarben bevorzugten. Zu den bedeutenden Künstlern der nördlichen Renaissance gehören: Jan van Eyck (Niederländer, 1390-1441), Roger van der Weyden (Flame, 1400-1464), Hieronymus Bosch (Niederländer, 1450-1516), Tilman Riemenschneider (Deutscher, 1460-1531), Albrecht Dürer (Deutscher, 1471-1528), Lucas Cranach der Ältere (Deutscher, 1472-1553), Hans Holbein der Jüngere (Schweizer, 1497-1543), Pieter Bruegel der Ältere (Flame, c. 1525-1569). Für weitere Einzelheiten siehe: Nördliche Renaissance: Geschichte .

Was waren die größten Gemälde der Renaissance?

Für eine Liste der wichtigsten Tempera-, Fresko- und Ölgemälde siehe Die größten Gemälde der Renaissance .

Was sind die Merkmale des barocken Kunststils?

Die Barockkunst – das künstlerische und architektonische „Wappen“ der Gegenreformation – spiegelte die göttliche Majestät und das religiöse Vertrauen der katholischen Könige und Königinnen sowie die Bestrebungen der aufstrebenden Kaufleute und des Bürgertums wider. Seine häufigste äußere Erscheinung waren Pracht und Extravaganz, wie sie in den Skulpturen von Bernini (1598-1680) und den Gemälden von Peter Paul Rubens (1577-1640) zum Ausdruck kamen. Für weitere Einzelheiten siehe: Barocke Kunst: eine Geschichte . Siehe auch: Barocke Architektur .

Wo hat das Rokoko begonnen? Wer waren die berühmtesten Künstler des Rokoko?

Im Wesentlichen eine Bewegung der Innenarchitektur (ca. 1715-1774), die in Frankreich als Reaktion auf den barocken Prunk am Hof von Versailles des französischen Königs Ludwig XIV. entstand. Das Rokoko war ein phantasievoller und aufwendiger dekorativer Kunst- und Architekturstil, der durch die Gemälde von Jean-Antoine Watteau (1684-1721) veranschaulicht wurde, Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), François Boucher (1703-70), Thomas Gainsborough (1727-88) und Giambattista Tiepolo (1696-1770), sowie die Skulpturen von Claude Michel Clodion (1738-1814). Für weitere Einzelheiten siehe: Kunst des Rokoko: eine Geschichte . Siehe auch: Architektur des Rokoko .

Wer hat im neoklassischen Stil geschrieben?

Der streng heroische Stil des Neoklassizismus (ca. 1750-1815) wird durch die Werke des deutschen Malers Anton Raphael Mengs (1728-1779), des französischen akademischen Malers Jean Auguste Dominique Engrand (1780-1867) und des französischen politischen Künstlers Jacques-Louis David (1748-1825) verkörpert. Zu den führenden Bildhauern des Neoklassizismus gehören Antonio Canova (1757-1822), der dänische Künstler Bertel Thorvaldsen (1770-1844) und Jean-Antoine Oudon (1741-1828). Für weitere Einzelheiten siehe: Neoklassizistische Kunst: eine Geschichte .

Was versteht man unter dem Begriff „akademische Kunst“?

Akademische Kunst – ist ein Kunststil, der in Übereinstimmung mit den klassischen Kunsttheorien der italienischen Renaissance von „offiziellen“ Akademien wie der Französischen Akademie der Schönen Künste in Paris, der Florentiner Akademie, der Römischen Akademie und der Royal Academy in London gelehrt wurde. Sie folgte einer festgelegten Hierarchie der Gattungen. Für weitere Einzelheiten siehe: Akademische Kunst .

Welche Künstler waren die berühmtesten Vertreter der Romantik?

Die romantische Kunst bildete eine Art Gegengewicht zur Strenge und Starrheit des Neoklassizismus. Zu den führenden Künstlern gehörten: die Landschaftsmaler John Constable (1776-1837), J. M. W. Turner (1775-1851) und Caspar David Friedrich (1774-1840); die erzählenden Werke von Francisco Goya (1746-1828) und James Barry (1741-1806) sowie die Porträts von Theodore Gericault (1791-1824). Der vielleicht berühmteste Romantiker war der Pariser Maler Eugène Delacroix (1798-1763). Für weitere Informationen, siehe: Die Romantik in der Kunst .

Was ist die englische Schule der Malerei?

Dieser Begriff beschreibt allgemein die Entwicklung der Porträt-, „Konversations-“ und Genremalerei, die im 18. und 19. Jahrhundert in England entstanden ist, mit Beispielen von William Hogarth, Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough, George Stubbs, William Blake und anderen. Für weitere Informationen siehe Englische figurative Malerei, 18. bis 19. Jahrhundert .

Was ist die englische Schule der Landschaftsmalerei?

Der Begriff wird gewöhnlich verwendet, um die Mini-Renaissance der Landschaftsmalerei zu beschreiben, die in England um 1750-1850 stattfand. Zu den führenden Künstlern gehörten Richard Wilson, Thomas Gainsborough, Thomas Girtin, John Constable und J. M. W. Turner. Weitere wichtige Künstler waren Richard Parkes Bonington, John Crome und John Sell Cotman. Für weitere Informationen siehe Englische Landschaftsmalerei, 18. bis 19. Jahrhundert .

Was ist die Hudson River School?

Die Hudson River School der Landschaftsmalerei bestand aus einer lose organisierten Gruppe amerikanischer Landschaftsmaler des 19. Jahrhunderts (Blütezeit 1820-75), deren Werke die amerikanische Wildnis verewigen sollten. Der Leiter der Schule war Thomas Cole .

Was ist Luminismus?

Der Luminismus – ist ein Stil der Landschaftsmalerei (Blütezeit 1850-75), der sich aus der Hudson School und dem Werk von Künstlern wie George Caleb Bingham .

Warum war der Impressionismus so einflussreich auf die Entwicklung der modernen Kunst?

Der französische Impressionismus – ein spontaner Malstil – lehnte die Regeln der akademischen Kunst zugunsten einer naturalistischen und praktischen Herangehensweise an sein Thema ab. Inspiriert von der Pleinair-Malerei der Schule von Barbizon, spezialisierten sich die Impressionisten auf die Landschafts- und Genremalerei, auch wenn die Porträtmalerei für viele von ihnen eine wichtige Einnahmequelle blieb. Eine ausführliche Beschreibung dieser berühmten und sehr einflussreichen Schule sowie Biografien ihrer Künstler finden Sie unter: Impressionismus: Geschichte und Künstler . Siehe auch: Die Ursprünge und der Einfluss des Impressionismus .

Wer sind die berühmtesten impressionistischen Maler?

Die berühmtesten Vertreter des Impressionismus sind: Paul Cézanne (1839-1906), Edgar Degas (1834-1917), Édouard Manet (1832-1883), Claude Monet (1840-1926), Berthe Morisot (1841-1895), Jacob-Abraham-Camille Pissarro (1830-1903), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) und Alfred Sisley (1839-1899). Weitere Informationen sowie Informationen über Impressionisten aus Deutschland, Holland, Großbritannien, den Vereinigten Staaten, Russland und Australien finden Sie unter: Künstler des Impressionismus .

Was ist die Heidelberger Schule der Malerei?

Die Heidelberger Schule, benannt nach der ländlichen Gegend östlich von Melbourne, Australien, war eine Gruppe australischer Maler des Impressionismus im neunzehnten Jahrhundert. Für weitere Informationen, siehe: Heidelberger Schule (1886-1900) oder Australischer Impressionismus .

Wer sind die berühmtesten Nachimpressionisten?

Der Postimpressionismus beschreibt die Stile einer Gruppe französischer Künstler, die den reinen Impressionismus von Claude Monet und seinen Nachfolgern im späten 19. und frühen 20. Zu den postimpressionistischen Künstlern gehören: Georges Seurat (1859-1891), Paul Cézanne (1839-1906), Vincent van Gogh (1853-1890), Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901), Paul Gauguin (1848-1903), Edouard Vuillard (1868-1940). Für weitere Informationen, siehe: Postimpressionismus .

Wer waren die „Fauvisten“ und welche Art von Malerei war der Fauvismus?

Die fauvistische Bewegung (1898-1908) war ein kurzlebiger koloristischer Malstil, der sich um die Jahrhundertwende um eine Reihe französischer Künstler bildete. Zu den berühmten Fauvisten, die aus dem französischen Impressionismus hervorgegangen sind, gehören Henri Matisse (1869-1954), André Doeren (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Georges Braque (1882-1963), Raoul Dufy (1877.) -1953), Albert Marquet (1875-1947) und Georges Rouault (1871-1958). Für weitere Einzelheiten siehe: Fauvismus .

Wann ist der Expressionismus entstanden?

Die Anfänge der expressionistischen Bewegung werden gewöhnlich mit dem deutschen Expressionismus des 20. Jahrhunderts in Verbindung gebracht, zu dem so unterschiedliche Künstlergruppen wie Der Blaue Reiter, Die Brucke, Die Neue Sachlichkeit und die Bauhausschule (1919-33) gehörten. Für eine Liste der Künstler siehe: Expressionistische Künstler . Zu den Pionieren des Expressionismus gehören jedoch auch Van Gogh (1853-1890) und Edvard Munch (1863-1944). Für weitere Einzelheiten siehe: Expressionismus .

Welche Schulen des deutschen Expressionismus waren die bekanntesten?

Es gab drei Hauptschulen des Expressionismus in Deutschland:
❶ Die Brucke („Die Brücke“, 1905-13), gegründet von Karl Schmidt-Rothluff (1884-1976) und Ernst Ludwig Kirchner.
❷ Der Blaue Reiter („Blauer Reiter“, 1911-14), geführt von Wassily Kandinsky (1844-1944) und Franz Marc (1880-1916).
❸ Die Neue Sachlichkeit („Neue Sachlichkeit“, 1920er Jahre) unter der Leitung von Otto Dix (1891-1969) und George Gros (1893-1959). Für weitere Einzelheiten siehe: Deutscher Expressionismus .

Welcher bedeutende Wiener Künstler wird mit dem Jugendstil in Verbindung gebracht?

Gustav Klimt (1862-1918), Schöpfer von zwei der teuersten Gemälde aller Zeiten - Bildnis der Adele Bloch-Bauer I (1907) und Bildnis der Adele Bloch-Bauer II (1912) - war eine führende Figur in der Kunst des Jugendstils des Kunstgewerbes ) Jugendstil). Für eine Biographie dieses bedeutenden Künstlers, siehe: Gustav Klimt .

Was ist der Sinn und die Bedeutung des Kubismus?

Der Kubismus war ein revolutionärer Kunststil, der von Georges Braque (1882-1963) und Pablo Picasso (1881-1973) in den Jahren 1907-1908 entwickelt wurde. Er veränderte den Rahmen der Malerei radikal und präsentierte eine völlig neue Art der Darstellung der Realität. Insbesondere gab er die traditionelle Perspektive (Tiefe im Bild) auf und konzentrierte sich stattdessen auf die flache Leinwand: Er zerlegte ein „dreidimensionales“ Objekt in flache Segmente, die dann im Bild überlappend neu angeordnet wurden. („Picassos „Jungfrauen von Avignon“ war ein sehr früher Vorstoß in diese Richtung.) Dieser neue abstrakte Stil löste in ganz Europa eine künstlerische Revolution aus und markierte das Ende der Renaissance und den Beginn der modernen Kunst. Für weitere Informationen siehe: Kubismus: Geschichte und Künstler . Informationen über andere europäische Strömungen der Abstraktion finden Sie unter Künstlerische Bewegungen, Epochen, Schulen (ab ca. 100 v. Chr.).

Wie ist der Kubismus entstanden?

In den Jahren 1907 und 1908 malten Picasso und Braque, stark beeinflusst von den geometrischen Landschaften Paul Cézannes, eine Reihe von Landschaften mit vereinfachten geometrischen Formen (dreidimensionale Würfel), daher der ursprüngliche Name „Kubismus“. Für weitere Informationen über diese ursprüngliche Urform des Kubismus siehe: Frühe kubistische Malerei .

Was ist analytischer Kubismus?

In seinem Gemälde „Porträt von Ambroise Vollard“ (1910) zerlegt Picasso die menschliche Figur in eine Reihe flacher, transparenter geometrischer Platten, die sich in verschiedenen Winkeln überlappen und schneiden. Dieses Werk leitete die zweite Phase des Kubismus ein, den so genannten „analytischen Kubismus“ (1910-12). Weitere Informationen über diesen neuen Stil finden Sie unter: Analytischer Kubismus .

Wie unterschied sich der synthetische Kubismus?

Zwischen 1913 und 1914 führten Picasso und Braque ihren dritten Stil ein, den so genannten synthetischen Kubismus. Anstatt Objekte in viele flache Teile zu zerlegen, bestand der neue Stil darin, eine Komposition aus verschiedenen Fremdmaterialien wie z. B. einer Collage aufzubauen. Dieser Stil beeinflusste eine Reihe anderer berühmter Künstler, insbesondere die der Dada-Schule. Mehr zu diesem neuen Stil siehe: Synthetischer Kubismus .

Was sind Karobube und Eselsschwanz

Dies waren Ausstellungsgruppen russischer Künstler, die unmittelbar vor dem Krieg (1910-1912) in Russland gegründet wurden. Für weitere Informationen siehe Karobube (1910-17) und die radikalere Eselsschwanz (1911-12).

Was waren die Merkmale des Suprematismus?

Der suprematistische Abstraktionismus (1913-1920) war eine russische Bewegung, die von dem Nihilisten Kasimir Malewitsch (1878-1935) begründet wurde. Für weitere Einzelheiten siehe: Suprematismus .

Wer hat den Konstruktivismus begründet?

Der Konstruktivismus (ca. 1917-21) – eine Bewegung der russischen abstrakten architektonischen Kunst – wurde von Wladimir Tatlin (1885-1953) gegründet, dem sich später Alexander Rodtschenko (1891-1956) und die Brüder Antoine Pevzner (1886-1962) und Naum Gabo (1890-1977) anschlossen. Für weitere Einzelheiten siehe: Konstruktivismus .

Was war der Stil von Dada? Was war Neo-Dada?

Dada (1915-24) wurde während des Ersten Weltkriegs in der Schweiz von Jean Arp und anderen gegründet und war eine Anti-Kunst-Bewegung, die eine Reihe von bedeutungslosen Werken und „Performances“ produzierte, die die traditionellen Werte einer Gesellschaft in Frage stellten, die die Barbarei des Ersten Weltkriegs tolerierte. Etwa 30 Jahre später tauchte in Amerika eine andere komplexe Variante auf, die als Neodada bekannt ist und die ästhetische Bedeutung diskreter Objekte und Bilder bewusst übertreibt, was bei vielen „seriösen“ Kritikern und Kuratoren einen Skandal auslöste. Für weitere Einzelheiten siehe Dadaismus: Geschichte, Stile .

Warum ist die Bauhaus-Schule so berühmt?

Die 1919 von Walter Gropius gegründete Bauhaus-Schule war eine revolutionäre Kunstschule, die vielen anderen nachempfunden war. Informationen über ihre Ziele, Künstler und ihren Einfluss finden Sie unter Bauhaus-Designschule .

Was ist Surrealismus?

Der Surrealismus war eine der einflussreichsten Kunstströmungen der Zwischenkriegszeit. Er umfasste eine breite Palette von Stilen, von der Abstraktion bis zum Realismus, neigte aber dazu, seltsame oder grundsätzlich „unwirkliche“ Bilder darzustellen. Zu den führenden Surrealisten gehörten Salvador Dalí (1904-1989), Max Ernst (1891-1976), René Magritte (1898-1967), René Magritte (1898-1967), André Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-55), Juan Miró (1893-1983), Giorgio de Chirico (1888-1978), Jean Arp (1886-1966), und Man Ray (1890-1976). Für weitere Einzelheiten siehe: Surrealismus: Geschichte, Stile .

Was versteht man unter „Entartete Kunst“?

Der Begriff „Entartete Kunst“ bedeutet „entartete Kunst“ und wurde verwendet, um jede Kunst zu beschreiben, die nicht den Idealen der Nazipartei im Deutschland der 1930er Jahre entsprach. Für eine vollständige Erklärung siehe: Entartete Kunst .

Was ist der Unterschied zwischen Realismus, sozialem Realismus und sozialistischem Realismus?

Der Realismus (Le Realisme) als künstlerische Bewegung entstand Mitte der 1850er Jahre in Frankreich. Er lehnte die „idealen“ Posen und Sujets der traditionellen, von der Renaissance inspirierten Kunst ab und stellte stattdessen „die harte“ Realität des Lebens dar. Der Sozialrealismus, die Schule der späten 1920er – frühen 1930er Jahre, knüpfte an die realistische Tradition der ungeschminkten Darstellung des Alltagslebens an, konzentrierte sich aber auf Szenen mit einer sozialen Botschaft, wie z. B. Brotschlangen und Landstreicher. Im Vergleich dazu war der sozialistische Realismus ein Stil der staatlich geförderten Propagandakunst, der von Joseph Stalin in der UdSSR ab etwa 1929 eingeführt wurde. Lesen Sie mehr: Sozialistischer Realismus .

Was ist abstrakte Kunst?

Abstraktionismus – ist jede Malerei oder Skulptur, die keine Aspekte der sichtbaren Welt abbildet. Sie ist auch bekannt als „Gegenstandslose Kunst“, „Ungegenständliche Kunst“, „Konkrete Kunst“ oder „Nicht-Figurative Kunst“. Bekannte abstrakte Bewegungen sind De Stijl, Konstruktivismus, Suprematismus, Abstrakter Expressionismus, Op Art und Minimalismus. Für eine ausführliche Erklärung mit Beispielen siehe: Abstrakte Kunst: Geschichte und Künstler .

Was ist abstrakter Expressionismus?

Der abstrakte Expressionismus war eine einflussreiche Schule der amerikanischen Malerei in den 1940er und 1950er Jahren. Manchmal auch als New York School bezeichnet, umfasste sie mehrere Stile wie Action Painting (Jackson Pollock, Lee Krasner, Willem de Kooning), Colour Field Painting (Mark Rothko, Clifford Still, Barnett Newman) und Rigid Painting (Frank Stella). Für weitere Informationen siehe Abstrakter Expressionismus: Geschichte, Stile, Künstler .

Was ist Op-Art?

Diese Bewegung der 1950er und frühen 1960er Jahre verwendet abstrakte geometrische Muster in Schwarz und Weiß, um eine Reihe von optischen Effekten für die Wahrnehmung des Betrachters zu erzeugen. Für weitere Einzelheiten siehe: Op-Art .

Wann begann die Pop-Art?

Der Begriff „Pop Art“ bezieht sich auf eine Art von „populärer Kunst“ – ein Stil, der Bilder aus der Konsumwerbung und der Massenkultur verwendet. Sie entstand Mitte der 1950er Jahre gleichzeitig in New York und London und blieb bis Ende der 1960er Jahre eine führende Avantgarde-Bewegung. Zu den bedeutenden Künstlern der Pop Art gehören Andy Warhol (1928-1987), Jasper Johns (geb. 1930) und Roy Lichtenstein (1923-1997). Für weitere Informationen, siehe: Pop Art .

Wo kann ich einen Führer zur amerikanischen Kunstgeschichte finden?

Einen kurzen Überblick über die amerikanische Kunst (Malerei, Bildhauerei usw.) von 1750 bis heute finden Sie unter…: Amerikanische Kunst .

Was ist die Postmoderne?

Die Postmoderne – ist eine Stilrichtung und konzeptionelle Theorie des späten 20. Jahrhunderts in Kunst und Architektur, die durch ein allgemeines Misstrauen gegenüber Ideologien sowie eine widersprüchliche Auffassung dessen, was Kunst ausmacht, gekennzeichnet ist. Für eine vollständige Erklärung siehe: Postmoderne Kunst: Ein Leitfaden .

Was ist die Bedeutung des Minimalismus? Wie unterscheidet er sich vom Postminimalismus?

Minimalismus (1960er Jahre) – ist ein Kunst- (und Architektur-) Stil, der sich durch extreme Einfachheit der Form und einen bewussten Mangel an Ausdrucksinhalten auszeichnet. Minimalistische Künstler waren nur an der reinen „Idee interessiert“. Der Postminimalismus (1971) war eine Reaktion auf diesen hochintellektuellen Stil. Er verlagerte den Schwerpunkt von der Reinheit der Idee auf die Art und Weise, wie sie vermittelt wurde. Für weitere Einzelheiten siehe: Minimalismus .

Wie und wo begann die Graffitikunst?

Die Graffiti-Kunst entstand in den 1970er und 1980er Jahren in verschiedenen Städten Amerikas, insbesondere in den U-Bahnen von New York City. Sie wird auch als „Spray can art“ und „Spray art“ bezeichnet. Sie drückt die Frustration städtischer Minderheiten über Kunstformen aus, die sich nicht an die breite Öffentlichkeit wenden. Für weitere Informationen, siehe: Die Kunst des Graffiti .

Wer waren die so genannten „jungen britischen Künstler“?

Die Young British Artists (YBA) waren eine Gruppe zeitgenössischer Künstler – zumeist Absolventen des Goldsmiths College, London – die aktiv von dem millionenschweren Sammler Charles Saatchi gefördert wurden und deren Aktivitäten in den Medien breit bekannt gemacht wurden. Sie wurden durch ihre schockierenden Kunstwerke (Britart) bekannt, die die britische Kunst in den 1990er Jahren dominierten. Wichtige Mitwirkende waren Damien Hirst (geb. 1965) und Tracey Emin (geb. 1963). Für einen ausführlicheren Bericht siehe: Junge britische Künstler (Brit-art) .

Wer gehört zu den 200 wichtigsten zeitgenössischen Künstlern?

Eine Liste der 200 wichtigsten zeitgenössischen Künstler finden Sie in „Top 200 contemporary artists“ .

Zusätzliche Ressourcen

- Fragen zur Kunst
- Fragen zu berühmten Künstlern

Für eine Liste wichtiger Daten und Ereignisse in der Entwicklung der westlichen bildenden Kunst, siehe…: Kunstgeschichte - Chronologie .