Hellenistische Statuen / Reliefs:
Nike von Samothrake, Epigonos Sterbender Gallier, Laokoon, Venus de Milo Automatische übersetzen

Inwieweit die heute vorhandenen Überreste dieser Kunst repräsentativ für die gesamte hellenistische griechische Skulptur sind, lässt sich nur schwer erahnen. Wir verfügen über eine beträchtliche Anzahl von Originalstatuen, die meist von mittelmäßiger Qualität sind und sich auf den späteren Teil der Periode konzentrieren, aber Kopien - einige von ihnen selbst hellenistisch - sind eine nützliche Ergänzung. Porträts sind ebenfalls zahlreich und umfassen wichtige Originale, aber die Kopien zeigen meist Philosophen, die in späteren Zeiten beliebt waren. Reliefs von hoher Qualität sind selten, vielleicht nicht so sehr, weil sie nicht hergestellt wurden, sondern weil sie nicht kopiert wurden, und von der pedimentären Skulptur ist fast nichts von Bedeutung erhalten.

Stehende männliche Statuen

Stehende männliche Statuen waren zwar nach wie vor für Gedenkstatuen und Götterdarstellungen gefragt, aber für die hellenistischen Bildhauer waren sie nicht so interessant. Die Posen mögen lockerer gewesen sein, aber das alte vierkantige Design wurde beibehalten, außer bei so unwürdigen Themen wie Satiren und Darstellungen des einfachen Lebens.

Die stehende, drapierte Frau bot zumindest eine Draperie, mit der man spielen konnte, aber auch hier verkommt die neue Formel bald zur Affektiertheit. Bakers Statuette , eine originale Bronzeskulptur mit einer Höhe von etwas mehr als acht Zentimetern, ist ein recht frühes Beispiel, wenn sie (wie datierte Terrakotten nahelegen) um 230 v. Chr. hergestellt wurde. Die Figur ist fast vollständig von ihrem Kleid bedeckt, das ausgestellt ist, ihre Beine bedeckt und ihre Arme zurückhält. Und die Körperformen des neuen weiblichen Kanons sind nur angedeutet, obwohl sie offensichtlich verstanden werden.

Bei Statuen in Originalgröße mit einem solchen Faltenwurf ist die Pose in der Regel frontal und daher nicht gekrümmt; auch ist sie in der Regel aufrechter und kompakter, oft mit einem über der Brust verschränkten Arm und dem anderen darüber gebeugt, mit einer Hand im Nacken, was den Abstand zwischen den Schultern weiter verringert. Solche Statuen wurden noch im späten zweiten Jahrhundert für Porträts angefertigt. Zu diesem Zeitpunkt wurden die klassischen Typen, die in abgewandelter Form nie verschwunden waren, wieder populär.

Nika von Samothrake (Geflügelte Siegerin von Samothrake)

Die Steinskulptur der Nika von Samothrake ist ein Beispiel für die selektive Verwendung von Formen der frühklassischen griechischen Skulptur . Dieses ungewöhnliche Werk, ein Original aus parischem Marmor von etwa sechs Fuß und acht Zoll Höhe, war am Bug eines Schiffes angebracht, aus minderwertigem Stein gehauen und ragte schräg in ein künstliches Becken zwischen sorgfältig angeordneten Steinen.

Aufgrund ihrer Position „war die Nikea“ deutlich sichtbar, wenn auch in einiger Entfernung, von der Vorderseite und näher an der linken Seite, aber die rechte Seite und die Rückseite wurden als außer Sichtweite betrachtet und daher nie fertiggestellt: Dies erklärt die besondere Aufmerksamkeit, die dem Aussehen der Statue in dem Quadranten zwischen der Vorder- und der linken Seitenansicht gewidmet wird. Der Übergang zwischen den beiden Ansichten erfolgt durch eine spiralförmige Drehung, obwohl diese Spirale in der Draperie zu finden ist - in den schweren Falten zwischen den Beinen und dem entgegengesetzten System um den linken Oberschenkel - aber die Figur, wenn sie unbekleidet ist, eine viereckige Konstruktion aufweist.

Die Körperformen sind bis auf die Breite der Hüften recht klassisch, und selbst in der Draperie werden die hochklassischen Techniken der Transparenz, der Modellierungslinien und der Bewegungslinien mit geschickter, wenn auch teilweise nur dekorativer Absicht eingesetzt. Der detaillierte Vergleich der samothrakischen Nike mit der Nike von Paeonis ist bemerkenswert und gereicht beiden Statuen zur Ehre. Es wäre schwierig, die samothrakische Nike stilistisch zu datieren, aber der Kontext des Monuments erlaubt es, sie auf 200 v. Chr. zu datieren. Im Allgemeinen kann sie Pergamon zugeschrieben werden.

Venus von Milos

Die stehende nackte oder halbnackte Frau bot nicht viel Spielraum für Neuerungen. Die Proportionen könnten weiblicher gestaltet, die Oberfläche sanfter behandelt werden, aber es gibt wenig Spielraum. Aphrodite von Melos oder, wie sie besser bekannt ist, Venus von Milos, war das berühmteste Beispiel für diesen Typus.

Die aus parischem Marmor gefertigte, etwa zwei Meter hohe Venus ist ein klassizistisches Original und wird aus stilistischen Gründen gewöhnlich auf das späte zweite Jahrhundert datiert. Die Anatomie ist von spätklassischer griechischer Bildhauerei das Gesicht kann zum Beispiel mit dem Kopf von Leconfield verglichen werden - und die Draperie auch, obwohl es Unstimmigkeiten im Detail gibt; aber die Pose hat eine ausgeprägte Spirale unterhalb der Hüften, und die Statue bietet eine zufriedenstellende Ansicht von fast allen Seiten.

Obwohl sich auch in der Nike von Samothrake eine Mischung aus Klassik und Hellenismus findet, unterscheiden sich die beiden Figuren stilistisch erheblich; bei der Nike kann man sagen, dass klassische Formen auf die ursprüngliche hellenistische Konzeption angewandt wurden, während bei der Aphrodite die klassische Konzeption durch die Verwendung hellenistischer Innovationen modernisiert wurde. Dennoch handelt es sich um ein sicheres Werk der Bildhauerei, und es als akademische Fiktion abzutun, wäre doktrinär. (Zu späteren Bildhauern und Bewegungen, die von hellenistischen Statuen und Reliefs inspiriert wurden, siehe: Klassizismus in der Kunst 800 ff).

Junge mit Gans

Es ist sinnlos, die Posen der hellenistischen Statuen zu verallgemeinern; viele von ihnen sind verdreht oder verzerrt und passen nicht in das klassische Vierviereck. Der sitzende Junge mit einer Gans hat beispielsweise eine offensichtliche Vorderansicht, aber wegen des ausgestreckten Arms und Beins und der Kompaktheit des Ganzen sind die meisten anderen Ansichten zufriedenstellend.

Dieses Werk, eine ca. 60 cm hohe Marmorkopie, beweist, vielleicht zu gut, das tiefe Verständnis des Bildhauers für die Anatomie und den Ausdruck des kleinen Kindes. In diesem Fall, in dem die klassische Tradition keine brauchbaren Vorbilder bot, muss die hellenistische Kunst zunächst lebende Modelle studiert haben, obwohl die besonderen Formen nach ihrer Entstehung zweifellos in den Besitz des Bildhauers übergingen.

Die Datierung dieses Werks, das sehr weit von der Klassik entfernt zu sein scheint, mag überraschen, da Gerondas, der in der ersten Hälfte des dritten Jahrhunderts schrieb, eine originale oder sehr ähnliche Marmorstatue beschrieb, die in einem Heiligtum des Asklepios aufgestellt war. Vermutlich handelte es sich um ein Dankesopfer für die Genesung eines kranken Kindes.

Das sterbende Gallien

Ein ganz anderer Geist im „Sterbenden Gallier“ Epigonus, der einst als „Sterbender Gladiator“ gefeiert wurde, eine Marmorkopie des bronzenen Originals, etwas größer als im Leben. Gewöhnlich wird sie auf die Zeit kurz nach 228 v. Chr. datiert, da in diesem Jahr das Königreich Pergamon einen seiner erfolgreichen Kriege gegen die Gallier beendete, die in Anatolien einfielen und Galatien den Namen gaben, aber auch andere Fälle sind durchaus möglich.

Die Figur ist eine sorgfältige Kombination aus Naturalismus und Kunstfertigkeit. Die Haltung des Sterbenden, der in der rechten Brustseite verwundet ist, ist ausreichend gedreht, um eine gute Rundumsicht und sogar eine Sicht von oben zu ermöglichen, und ist dennoch glaubwürdig als Ausdruck körperlicher Erschöpfung. Auch die anatomischen Formen sind von vollkommener Noblesse, obwohl in der Modellierung des Körpers die alten linearen Unterteilungen durch weiche Übergänge verwischt wurden, vielleicht nicht so sehr, weil der Bildhauer ein Verfechter des Naturalismus war, sondern um die Abgeschlagenheit des Verfalls auch im Detail sichtbar zu machen.

In ähnlicher Weise wird die Nationalität des Galliers durch traditionelle Merkmale gezeigt - verfilztes Haar, tiefer Nasenrücken, Schnurrbart (den die Griechen und Römer nie ohne Bart trugen), und noch pedantischer durch solche Accessoires wie den Moment um den Hals und die Trompete zwischen den Beinen, die für Keltologen genau genug wiedergegeben wurden, um sie als Illustration zu verwenden. Aber die Nacktheit gehört zur idealen Tradition der griechischen Bildhauerei und ist, wie der Bildhauer gewusst haben muss, nicht das übliche Verhalten der Gallier. Der sterbende Gallier gehört zu einem frühen Stadium des so genannten Pergamon-Stils, der der eigenständigste ursprüngliche Zweig der hellenistischen Bildhauerei ist.

Wir wissen nicht, wie dieser Stil entstanden ist, ob durch kontinuierliche Weiterentwicklung des spätklassischen Stils oder als Erfindung eines begabten und gelehrten Meisters in der Mitte des dritten Jahrhunderts. Seine Themen waren nicht nur heroisch, sondern umfassten zum Beispiel tanzende und schlafende Satyrn, die mit kompetenter Pracht ausgeführt wurden; in einem weiten Sinne kann Nicea von Samothrake auch als Pergamon angesehen werden.

Biographien bedeutender Bildhauer des antiken Griechenlands: Phidias (488-431 v. Chr.), Myron (tätig 480-444), Polyklet (5. Jh.), Kallimachus (tätig 432-408), Skopas (tätig 395-350), Lysippus (ca.395-305), Praxiteles (aktiv 375-335), Leochar (aktiv 340-320).

Der Große Altar von Pergamon

Im zweiten Jahrhundert wurde der Pergamonstil oder einer seiner Zweige leidenschaftlicher und eklektischer. Für diese Phase ist der Hauptfries des Pergamonaltars ein Ausstellungsstück. Der Altar selbst stand auf einer großen quadratischen Plattform, und der Fries aus bläulichem, vermutlich lokalem Marmor, sieben Fuß und sechs Zoll hoch, lief um die Außenwand herum und interpretierte durch einige hundert Figuren das alte Thema des Kampfes zwischen Göttern und Riesen neu.

Es handelt sich um eine sehr hohe Reliefskulptur, die tief geschnitten ist, so dass die Figuren fast wie runde Statuen wirken. Dies war offensichtlich die Absicht des Entwerfers, denn dort, wo die Wand den Eingang zur Treppe umrundet, stützen sich einige der verwundeten Riesen auf den Stufen ab und ragen so aus dem Friesrahmen in das Blickfeld des Betrachters. Der Stil ist intensiver, farbiger und weniger einheitlich als im frühen Pergamon.

Die anatomischen Formen ähneln trotz sorgfältiger Beobachtung oft den Hochklassikern, jedoch in einer dekorativeren Art und Weise; dies zeigt sich in den Details der Brust und des Mantels des von einem Hund angegriffenen Riesen, obwohl die Modellierung seines Unterleibs eher der Natur geschuldet ist. Dieser Fries wird gewöhnlich auf die Zeit zwischen 180 und 160 v. Chr. datiert. Laokoon und seine Söhne (ca. 42-20 v. Chr.) stellt eine Weiterentwicklung dieses Stils dar.

Gallier Ludovisi, Drei Grazien, Laokoon und seine Söhne

Gruppen, im Gegensatz zu Gruppen unabhängiger Statuen, waren in der klassischen Bildhauerei selten, wenn auch (wenn wir uns die Giebel des Parthenon ansehen) nicht außerhalb ihrer Grenzen. Im Hellenismus mit seiner breiteren Palette an Posen und Themen und seiner Bereitschaft, die Vierfelderstruktur aufzugeben, wurden eng verbundene Kompositionen aus zwei oder mehr freistehenden Figuren regelmäßig. Einige von ihnen sind dazu bestimmt, von allen Seiten betrachtet zu werden, und haben in der Regel eine mehr oder weniger pyramidale Struktur.

Ein gutes Beispiel, das wahrscheinlich aus der gleichen Widmung wie der „Sterbende Gallier“ stammt, ist die frühe Pergamon-Gruppe, die als „Gallier des Ludovisi“ bekannt ist. Hier dreht sich ein Mann trotzig um, während er sich selbst ersticht, während seine Frau (die er zuerst ersticht, um sie aus der Gefangenschaft zu retten) unter ihm herunterrutscht. Dies ergibt nicht nur eine logisch und ästhetisch adäquate Komposition, sondern auch einen wirksamen Kontrast von Formen und Ansichten zwischen Kraft und Schlaffheit.

Solche fantasievollen Kompositionen sind jedoch viel seltener als einseitige Gruppen. Bei den meisten einseitigen Gruppen handelt es sich um spielerische oder dekorative Sujets, wie zum Beispiel die bekannten „Drei Grazien“, ein Trio nackter Frauen, die abwechselnd vorne und hinten elegant ihre Arme umeinander legen. Einige sind jedoch in einem stattlicheren Stil gehalten, wie Laokoon, es sei denn, der älteste Sohn sollte - wie vorgeschlagen - um neunzig Grad um seine Achse gedreht werden, so dass er mit dem Rücken zu seinem Vater steht. Vom Stil her ist diese Gruppe mit dem Hauptfries des Pergamonaltars verwandt, ist aber in ihren Prinzipien freier und wilder. Laokoon selbst ist anatomisch eine Schöpfung des späteren Pergamonstadiums, aber seine beiden Söhne, die überproportional klein sind, scheinen den athletischen oder jugendlichen Typen des späteren vierten Jahrhunderts nachempfunden zu sein; und obwohl der Blick der Anstrengung und des Todeskampfes überzeugend ist, gibt es vielleicht eine gewisse Schönheit in den Kurven der Konturen und der Mittellinie der Hauptfigur.

Die Gruppe des Laokoon, die aus Marmor gefertigt wurde und - merkwürdigerweise für ihre Wirksamkeit - nicht mehr als lebensgroß ist, muss das Meisterwerk sein, das Plinius als gemeinsames Werk dreier römischer Bildhauer erwähnt, die - den Inschriften nach zu urteilen - etwa im dritten Viertel des ersten Jahrhunderts tätig waren. Obwohl einige Kunstwissenschaftler der Meinung sind, dass der Stil der zentralen Figur ein ganzes Jahrhundert früher datiert werden muss, wissen wir zu wenig über die hellenistische Bildhauerei, um behaupten zu können, dass der Stil von Pergamon nach dieser Zeit nicht weitergeführt wurde oder nicht wiederbelebt worden sein könnte.

Für eine Liste der besten Statuen, Figuren und Reliefs, die in der klassischen Antike hergestellt wurden, siehe: Die größten Skulpturen aller Zeiten .

Für Informationen über die antike griechische Keramik, einschließlich geometrischer, schwarzfiguriger, rotfiguriger und weißfiguriger Techniken, siehe: Griechische Keramik: Geschichte und Stile .

Porträts

Die Porträts reichen von idealisiert bis realistisch, von fließend modelliert bis hin zu solchen, bei denen Details durch harte Linien hervorgehoben werden, und obwohl einige Qualitäten der pergamonischen oder klassizistischen Schule aufweisen, sind die meisten stilistisch nicht leicht zu datieren. Die hellenistischen Porträtisten waren viel eher bereit, isolierte Anomalien der Gesichtszüge wiederzugeben als die klassischen Porträtisten, aber selbst in ihren realistischsten Werken bemühten sie sich, den Charakter des Porträtisten zu zeigen, indem sie die Gesichtsstruktur betonten und natürliche Unregelmäßigkeiten zu einer künstlerisch ansprechenden Zeichnung umgestalteten.

Um 50 v. Chr. gaben, wie die Funde in Delos zeigen, Römer und Italiener in Griechenland Porträts in Auftrag, und da ihre einheimische Tradition zu einem genauen, wenn auch oberflächlichen Abbild tendierte, könnte dies einige späthellenistische Bildhauer beeinflusst haben.

Reliefs

In der hellenistischen Bildhauerei gibt es nicht viele Reliefs, und der Hauptfries des Pergamonaltars bleibt eine Ausnahme, die vielleicht besser als freistehende Statuen eingestuft werden sollte. In den kleineren Reliefs wurden zunehmend Landschaftselemente verwendet, und obwohl diese in der klassischen Periode nur sporadisch auftraten, vor allem auf Votivtafeln, wurden sie nun mit größerer Regelmäßigkeit und Geschick eingesetzt. Die Wirkung mit Bäumen im Blattwerk und verkürzten Gebäuden erinnert an ein einfaches oder vereinfachtes Gemälde in niedriger Projektion.

Das eindrucksvollste hellenistische Landschaftsrelief, das wir haben, ist der Telephäenfries, der um das Innere des Pergamonaltars herumlief und etwa aus der gleichen Zeit stammen muss wie der Hauptfries, also wahrscheinlich um 180-160 v. Chr. Hier sind die Figuren auf verschiedenen Ebenen angeordnet, und einige von ihnen tauchen in verschiedenen Teilen des Frieses wieder auf. Dieses „erzählerische“ System wurde als wichtige Neuerung bezeichnet, aber mindestens seit dem frühen fünften Jahrhundert wurde es in Metopen für Episoden aus den Lebensläufen von Herakles und Theseus verwendet, nur dass jetzt die Unterteilungen - zumindest manchmal - mit Landschaftsmerkmalen anstelle von Triglyphen markiert sind.

Eine weitere bemerkenswerte Klasse hellenistischer Reliefs sind die Neo-Attischen, die so genannt werden, weil der Hauptort ihrer Herstellung wahrscheinlich Athen war. Neo-Attische Reliefs wurden oft auf dekorativen Gegenständen wie Marmorschalen geschnitzt, und die Themen waren bedeutungslose Prozessionen von Figuren, von denen einige von klassischen Reliefs des späten fünften oder frühen vierten Jahrhunderts kopiert wurden, und andere archaische Kreationen mit Gang und Drapierung „mit Schwalbenschwanz“, die selbst Künstler der hohen klassischen Kunst aus irgendeinem Grund als charakteristisch für die archaische griechische Skulptur betrachteten. Diese rein dekorativen Arbeiten müssen zu Beginn des ersten Jahrhunderts entstanden sein, denn die Exemplare wurden von einem Schiff geborgen, das, wie der Inhalt anderer Objekte zeigt, zu dieser Zeit vor Mahdia Schiffbruch erlitt.

Von der Pedimentalskulptur ist zu wenig erhalten, als dass man über die Zusammensetzung und den Zweck der hellenistischen Skulptur urteilen könnte.

Hellenistische griechische Kunst

In der hellenistischen Periode hatte die griechische Kunst eine viel größere geografische Ausdehnung als zuvor und noch weniger Konkurrenz, denn nach Alexanders Eroberung des persischen Reiches wurde die offizielle Kultur dieser Regionen griechisch, und die lokalen Kunstformen, insbesondere die teuren wie die Bildhauerei, traten zurück oder verschwanden. Die einzige Ausnahme war Ägypten, wo die neuen Könige, die Ptolemäer, die Unterstützung der lokalen Oberschicht brauchten und ihnen erlaubten, die alten Traditionen beizubehalten: Hier beeinflusste die griechische Bildhauerei allmählich die ägyptische Kunst, nahm aber im Gegenzug gelegentlich und äußerlich Anleihen, etwa bei der zeremoniellen Kleidung.

In Asien, obwohl das Seleukidenreich an Boden verlor, bewunderte die griechische Kunst immer noch die persische Kunst und war mehr oder weniger ein wichtiger Bestandteil der Bildhauerei der Parther, die Ende des dritten Jahrhunderts den Iran eroberten und sich in Mesopotamien ausbreiteten; und das griechische Element im Gandhara-Stil, das im ersten Jahrhundert n. Chr. in Pakistan auftauchte, stammt möglicherweise von der hellenistischen Tradition in der Region Afghanistan.

Am anderen Ende der Welt benutzten Karthago und Spanien weiterhin unbeholfen griechische Vorbilder, und der Einfluss auf die Eingeborenen Südfrankreichs mag sehr gering gewesen sein. Mittelitalien ist von viel größerer Bedeutung. Hier übernahmen die Etrusker die hellenistische Bildhauerei, die sie wahrscheinlich durch die Griechen in Süditalien kennengelernt hatten, und ahmten sie mit unterschiedlicher Kompetenz nach. Ihre originellste Entwicklung war die Porträtmalerei, bei der sie sich auf trockene und meist oberflächliche Weise um eine starke persönliche, wenn auch nicht exakte Ähnlichkeit mit den Gesichtszügen des Dargestellten bemühten.

In der Zwischenzeit kam Rom, das trotz seiner politischen Vormachtstellung in der Kunst von den Etruskern abhängig war, in direkten Kontakt mit der griechischen Zivilisation . Im dritten Jahrhundert kamen die griechischen Städte Süditaliens und Siziliens unter römische Herrschaft, und im zweiten Jahrhundert Griechenland und das westliche Kleinasien. (Siehe Pergamonschule 241-133 v. Chr.). Große Bestände an griechischen Statuen und Bildern wurden als Kriegs- und Friedensbeute nach Rom gebracht. Gegen Ende des zweiten Jahrhunderts fanden auch einige Römer der Oberschicht die griechische Kultur attraktiv und reisten sogar nach Griechenland, um sich weiterzubilden, während Römer der Mittelschicht und Italiker ihr Glück in der Ägäis, insbesondere auf Delos, machten. So wurde Rom zum Hauptabnehmer hellenistischer Kunst, und die Werkstätten in Griechenland orientierten sich am römischen Markt, was sich zunächst nicht merklich auf ihren Stil auswirkte, obwohl wahrscheinlich die Produktion von Kopien und klassizistischen Werken zunahm.

Hellenistisch-römische Bildhauerei

Als Augustus am Ende der hellenistischen Periode im gesamten Römischen Reich, das nun alle Länder rund um das Mittelmeer umfasste, eine zentralisierte Autokratie und Ordnung errichtete, wurde die Bildhauerei zu einem der Instrumente der kaiserlichen Propaganda, und Rom wurde zum Zentrum eines neuen kaiserlichen Stils. Dieser Stil der römischen Kunst basierte natürlich auf griechischen Vorbildern und wurde von griechischen Künstlern ausgeführt, während daneben eine reinere hellenistische Tradition fortgesetzt wurde, insbesondere in Griechenland und Griechisch-Asien, wo die meisten der führenden Bildhauer noch ausgebildet wurden.

Die meisten erhaltenen Kopien stammen ebenfalls aus der römischen Zeit. Erst um 300 n. Chr., entweder aufgrund eines Rückgangs des technischen Niveaus oder aus einem anderen, positiveren Grund, wird ein signifikanter Richtungswechsel in der Kunst sichtbar; er hatte kaum Auswirkungen auf die Bildhauerei, denn im fünften Jahrhundert im lateinischen Westen und im sechsten oder siebten in den griechischen Ländern geht die Bildhauerei als Kunst zurück. Das byzantinische Reich wandte sich, teilweise aus religiösen Gründen, anderen Mitteln zu, und anderswo zerfiel die antike Zivilisation.

Mehr zu den architektonischen Stilen des antiken Griechenlands siehe: Griechische Architektur .

Obwohl die kontinuierliche Tradition der griechischen (oder griechisch-römischen) Bildhauerei unterbrochen wurde, gab es im Mittelalter noch viele Beispiele dafür zu sehen. In Konstantinopel lesen wir von klassischen Meisterwerken, die an öffentlichen Plätzen aufgestellt wurden, bis sie eines nach dem anderen bei Unruhen zerstört wurden, und nur die Pferde, die sich heute auf dem Markusdom in Venedig befinden, haben überlebt, aber obwohl sie nur von wenigen Gelehrten bewundert wurden, hatten diese Werke keinen Einfluss auf den starren Kanon der byzantinischen Kunst .

Im Westen, vor allem in Frankreich und Italien, wurden Werke der antiken Bildhauerei, insbesondere geschnitzte Sarkophage aus der spätrömischen Zeit, manchmal wiederverwendet und noch häufiger nachgeahmt, jedoch ohne große ästhetische Wertschätzung. Erst im fünfzehnten Jahrhundert, während der Renaissance, waren die Künstler mit ihrem neuen Interesse am perfekten menschlichen Körper in der Lage, die Absichten der antiken Kunst zu erkennen und in ihr Antworten auf einige ihrer Probleme zu finden.

Die griechische figürliche Zeichnung zeichnete sich durch eine ideale Annäherung an die menschliche Form aus, indem sie die Naturbeobachtung durch theoretische Proportionsregeln modifizierte, und es war diese Qualität, mehr noch als das technische Können, die nun Aufmerksamkeit verlangte. Da Gemälde leicht verloren gingen, wurden vor allem Skulpturen gefunden und untersucht, und zwar sowohl von Malern als auch von Bildhauern. Die Maler lernten nun ihre Kunst, indem sie die Gemälde anderer kopierten und antike Statuen oder Abgüsse von ihnen zeichneten, bevor sie nach dem Leben malten, denn (wie immer wieder betont wurde) dies gab dem Schüler einen Maßstab, mit dem er die unvermeidlichen Unregelmäßigkeiten der Natur korrigieren konnte. Obwohl diese Doktrin im letzten Jahrhundert aufgegeben wurde, hält sich diese Praxis in einigen akademischen Kunstschulen noch immer.

Das Studium der antiken Bildhauerei beeinflusste den Stil, je nach Originalität des Künstlers durch Anpassung oder Nachahmung, und die Vorliebe für die griechische und römische Mythologie förderte den Appetit auf die Aktdarstellung. Diese Abhängigkeit von der Antike hielt fast vierhundert Jahre lang an.

Im fünfzehnten Jahrhundert war die Auswahl der Modelle eklektisch; im sechzehnten Jahrhundert näherte sich eine neue ideale Losgelöstheit dem klassischen Geist an; im siebzehnten Barock verwendeten die Künstler immer noch antike Formen und Details, wenn auch nur beiläufig, und im späten achtzehnten versuchte die neoklassische Bildhauerei (inspiriert durch die Funde in Herculaneum und Pompeji) eine oberflächliche Wiederbelebung der antiken Formen. All dies basierte auf Funden in Italien, von denen die besten hellenistisch waren, und trotz der Bemerkungen von Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) in der Mitte des 18. Jahrhunderts hatte selbst er nur sehr wenig Kenntnis von der früheren griechischen Kunst.

Als die Skulpturen des Parthenon schließlich 1807 der westlichen Welt präsentiert wurden, bewunderten die Künstler jener Zeit sie, ahmten sie aber nicht nach, und obwohl dies dazu beigetragen haben mag, dem Neoklassizismus den Garaus zu machen, begann die hochklassische Bildhauerei nicht einmal, den neuen Stil der Renaissance zu inspirieren. Die Kunst schlug einen anderen Weg ein, und während einige Bildhauer archaische und frühklassische Stile verwendeten, können die gelegentlichen Reminiszenzen an die spätere und insbesondere hellenistische Bildhauerei nur als phantasievoll angesehen werden.

Für weitere Beispiele von Statuen aus der weiteren Ägäisregion siehe Kunst des klassischen Altertums (ca. 1000 v. Chr. - 450 n. Chr.).

Anmerkung: Zu den berühmtesten griechischen Statuen der hellenistischen Periode gehörte der monumentale Koloss von Rhodos (292-280 v. Chr.) - vom griechischen Dichter Antipater von Sidon als eines der berühmten Sieben Weltwunder der Antike genannt.

Ressourcen
Artikel über die bildenden Künste des klassischen Altertums:

Bildhauerei des antiken Griechenlands (Einleitung)
Bildhauerei des daedalischen Stils (ca. 650-600 v. Chr.)
Griechische Malerei der archaischen Zeit (ca. 600-480)
Griechische Malerei der klassischen Epoche (ca. 480-323
Griechische Malerei der hellenistischen Periode (ca. 323-27 v. Chr.)
Das Erbe der griechischen Malerei
Griechische Metallarbeiten (ab 8. Jahrhundert v. Chr.)