Kubismus Automatische übersetzen

Der kritische Realismus, der in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts seinen Höhepunkt erreichte, erfüllte nur teilweise neue soziale und ideologische Anforderungen. Die Kunst des kritischen Realismus verkörperte keine revolutionären Ideale, zeigte keine neuen realen Wege für die fortschreitende Transformation der Gesellschaft auf.

Der Realismus trat in ein neues, höheres Stadium seiner Entwicklung ein - die Methode des sozialistischen Realismus reifte und erweiterte die Möglichkeiten der sozialen und ästhetischen Wirkung der Kunst erheblich.

Künstler, die auf dem Gebiet der Form experimentierten, hatten es sich nicht zur Aufgabe gemacht, progressive soziale und ästhetische Ideale in ihren Werken besser zu verkörpern und sich auf die Lösung enger, besonderer Probleme zu beschränken. Diese besonderen Fragen - die Übertragung von Volumen, Bewegung, Zeit, Farbe und Licht durch Malerei und Skulptur - wurden von modernistischen Künstlern auf ihre Weise durch reines Formenmachen gestellt und gelöst, was die Zerstörung der Einheit von Form und Kunst bedeutete Inhalt. Dies wiederum führte als logisches Ergebnis dazu, dass das Bedürfnis nach sinnvollen Inhalten in einem Kunstwerk verneint wurde.

Richtungscharakteristik

Die Kubisten erklärten den Künstler zum autonomen Schöpfer einer "anderen" Realität. Es waren die Kubisten, die begannen, Werke zu schaffen, die die Natur nicht mehr imitierten, nicht organisierten, sondern die ihrerseits eine Schöpfung mit dem Stempel des Menschen schufen, ein wahres Werk der Architektur, dh ein Werk, das manchmal Menschen machen kann glaube an ontologische Freiheit.

Die Kubisten formulierten ihre Richtung und betonten ihr Gegenteil zu allen zuvor geschaffenen bildenden Künsten, die von ihnen abweisend als „nachahmend“ definiert wurden.

Kubisten betonen besonders die "Askese" ihrer Richtung, "Strenge, Irrationalismus". Erleichtert wurde dies durch die farbliche Nichtindividualisierung kubistischer Kunstwerke, ihre koloristische Unaussprechlichkeit. Jeder Farbton, jede Farbmodulation verwandelt sich in Kubisten in eine Ebene (dh in ein Formelement). Auf diese Weise ausgedrückte Kubisten verbinden Ebenen scharf, ohne Kontraste zu vermeiden. Sie versuchen, das Flugzeug klarer auszudrücken, es "solider" zu präsentieren.

Die formalistische Enge der Aufgaben des kubistischen Künstlers, die Begrenztheit der künstlerischen Mittel führen zu einer Verringerung der künstlerischen Möglichkeiten, zur Auslöschung der Individualität des Künstlers. Kubisten reduzieren die Aufgabe des Malens auf das Bild des Farbvolumens auf einer ebenen Fläche. Sie gehen dieses Problem abstrakt an, ohne die materiellen Gesetze der realen Welt zu berücksichtigen. Die von Kubisten geschaffenen Kunstgegenstände erhalten eine autarke Bedeutung. "Das Engagement des Kubisten für Objekte ist so groß", schreibt der französische Kunsthistoriker B. Dorival, "dass er sie unabhängig von Glaubwürdigkeit und Veränderungen in sich sucht."

Die antidialektische Einstellung zur Realität bestimmt den statischen Charakter der kubistischen Kunst. Bildhauer und kubistische Maler meiden bewusst alle Elemente, die Lebensdynamik vermitteln, die düsteren Kanten schwerer geometrischer Figuren geben den Kunstwerken in diese Richtung unerschütterliches, quetschendes Gewicht.

Kubisten lehnen Dynamik ab und leugnen den Begriff der Zeit, die Wahrnehmung der verschiedenen Seiten eines Objekts in der Zeit. Die Vielseitigkeit des Objekts wird durch ein einmaliges Abbild seiner Merkmale auf die Leinwände übertragen. Der Versuch, das Gesicht einer Person von verschiedenen Seiten gleichzeitig sichtbar zu machen, führt beispielsweise dazu, dass Gesichtsbilder mit zwei Augen und mehreren Nasen im Profil erscheinen. In der Kunst des Kubismus verursacht diese Technik einen scharfen Verstoß gegen die Wahrnehmungsnormen des Bildes, was es ein wenig kommunikativ macht.

Der fortschreitende Prozess des Verlustes der Kommunikationsfähigkeit in Werken der kubistischen Kunst ist recht deutlich zu verfolgen. In den frühen Leinwänden, die noch nicht vollständig von der Realität getrennt waren, gibt es separate Verformungsmomente, die die Wahrnehmung des Werks behindern.

Mit der Entwicklung des Kubismus verschwinden die wenigen „Hochburgen“, die es teilweise ermöglichten, den Plan des Künstlers wahrzunehmen - individuelle Details, die die Realität widerspiegeln. Das Ersetzen der Teile eines Objekts oder eines menschlichen Körpers durch geometrische Figuren macht das kubistische Bild unkenntlich und das Design des Künstlers wird vom Publikum nicht wahrgenommen. So zum Beispiel die kubistische Skulptur von Jacques Lipschitz "Der Mann mit der Gitarre". Ohne die Signatur oder Reproduktion des Werks zu lesen, ist es unmöglich, das Bild mit einem realen Objekt oder Phänomen in Beziehung zu setzen.

Kubismus Geometrie

Ein Haufen geometrischer Ebenen bringt den Betrachter nicht in Assoziationen mit den Formen der Realität.

Solche "bedeutungslosen" Werke des Kubismus sind der ästhetischen Analyse nicht zugänglich, und die Ästhetik hat das kritische Denken lange Zeit durch eine willkürliche formalistische Interpretation ersetzt, die keinerlei Gründlichkeit aufweist. So wird im Buch "Meister der Moderne" die Skulptur von J. Lipschitz "Ein Mann mit einer Gitarre" wie folgt beschrieben: "Lipschitz hat in seinem" Mann mit einer Gitarre "ineinandergreifende und durchdringende Platten und Prismen zusammengeführt Ein monumentales Design, das es ermöglicht, es aus nahezu jedem Blickwinkel zu betrachten. Seine geraden Linien variieren in zufälligen Kurven. Insbesondere hat der Bildhauer ein rundes Resonanzloch in die Gitarre mit außergewöhnlichem formalen Witz durch den gesamten Körper des Musikers gebohrt. „Eine solche kritische Analyse offenbart weder den künstlerischen Wert noch die Bedeutung des Werkes. Die Analyseebene wird in diesem Fall jedoch durch die Ebene der zu analysierenden Arbeit festgelegt.

Die in den Gemälden und Skulpturen entstehende Realitätsverzerrung wird von den Kubisten hartnäckig nicht als Verformung, sondern als "Reformation" bezeichnet und als "Gesamtbild der Objekte" bezeichnet. Die Kubisten verwirklichen ihren Anspruch auf „Totalität“ rein formalistisch - indem sie sich weigern, das Objekt selbst darzustellen. Kubistische Künstler haben eine spezifische Anordnung geometrischer Formen auf der Leinwand entwickelt, die Teile des Motivs ersetzt. In Anlehnung an dieses Muster schaffen kubistische Künstler die gleiche Art von Werk, die eine bestimmte Periode in der Existenz dieses Trends ausmacht. Das charakteristischste Merkmal des Kubismus ist das Schema, das von Künstlern dieser Richtung in den Jahren 1910-1912 geschaffen und angewendet wurde. Im Bild „Die Gitarre und die Blumen“ des Kubisten Juan Gris ist dies deutlich zu erkennen: Er verwendet das offensichtliche geometrische Muster der Zeichnung, durch das der Komposition die Grundordnung gegeben wird, indem die Leinwand in vier Teile geteilt wird: vertikal, horizontal und zweimal schräg. Das Bild von Georges Braque „Mädchen mit Gitarre“ und vielen anderen ist genauso aufgebaut.

Cezanne

Die Definition der frühen Periode der Existenz des Kubismus als „Cezanne“ wirft die entschiedensten Einwände auf: In keinem Stadium seiner Existenz bezog sich der Kubismus direkt auf Cézanne - weder mit seinen ästhetischen Ansichten noch mit der Praxis seiner Kunst. Kubismus ist das Gegenteil von Cezannes Kreativität in seiner künstlerischen Methode.

Gemälde von Paul Cezanne

Gegenstand von Cezannes Kunst ist die umgebende materielle Welt. Die Kubisten hingegen benutzten die Methode des Formalismus; Die Objekte ihrer Kunst waren das Werk selbst. Cezanne widmete sein Leben der Aufgabe, "Kunst im Kontakt mit der Natur zu entwickeln". Kubisten rissen ihre Kunst aus der Natur und folgten dem Weg der abstrakten Formenbildung und der Deformation der Realität. Cezanne warnte Künstler vor der Gefahr, das Leben zu verfälschen, um Theorien zu befriedigen. „Der Künstler muss jeden Standpunkt aufgeben, der nicht auf einer ganz bewussten Beobachtung des Merkmals beruht. Er muss Angst haben, der theoretischen Haltung zu folgen, die den Künstler so oft dazu veranlasst, von dem wahren Weg abzuweichen, das heißt von einem konkreten Studium der Natur, um sich lange Zeit in unverständlicher Spekulativität zu verlieren kehren Sie immer wieder zu folgendem zurück: Der Künstler muss sich ganz dem Studium der Natur widmen und Bilder schaffen, die der Ursache des Wissens dienen. "Diese Sichtweise, basierend auf seiner künstlerischen Praxis, brachte Cezanne 1904 zum Ausdruck und blieb ihr sein ganzes kreatives Leben lang treu.

Die Kubisten erklärten ihre Kunst als "konzeptuell" und widmeten alle ihre praktischen Aktivitäten mit den Worten von Cezanne der "unverständlichen Spekulativität", vor der Cezanne die Künstler warnte. Cezanne verwendete geometrische Formen als eines der Mittel, eine der Reflexionsmethoden in der Kunst der Realität. Ein separater Trick bestimmt jedoch noch nicht die kreative Methode. Die Kubisten liehen sich keine kreative Methode von Cezanne aus und entwickelten sie nicht in ihrer Gesamtheit. Sie griffen nach einem ihrer Tricks, entmannten sie und machten sie zu einem Selbstzweck, widersetzten sich dem Realismus. Indem sie auf die Autorität von Cezanne spekulierten, versuchten sie, ihrer bedeutungslosen formalistischen Forschung Bedeutung zu verleihen.

Das Problem der Korrelation von Cezannes Kreativität und Kubismus geht über den Rahmen bestimmter Fragen der Bewertung von Cezannes Malerei und der Bestimmung der Ursprünge des Kubismus hinaus. Es hat eine allgemeine methodologische Bedeutung. Die Frage nach dem Einsatz einzelner Techniken lässt sich nicht abstrakt aus den allgemeinen ästhetischen Positionen des Künstlers lösen, der diese oder jene Technik einsetzt. Die Art der Verwendung einer bestimmten Technik im künstlerischen Schaffen wird in erster Linie von der kreativen Methode des Künstlers bestimmt. Ein und derselbe Trick kann genau den entgegengesetzten Zwecken dienen. Die Deformation in der realistischen Kunst, die zum Beispiel in der grotesken, in der freundschaftlichen Karikatur verwendet wird, ist ein Mittel, um die Realität zu reflektieren. Sie entfernt das Element der künstlerischen Bewertung des reflektierten Phänomens nicht, sondern verstärkt es, betont das kreative des Künstlers Persönlichkeit.

Ein künstlerisches Gerät im Prozess der Kreativität erscheint nicht in seiner reinen Form, sondern wird durch die Weltanschauung des Künstlers, seine schöpferische Methode, vermittelt. Die abstrakte Betonung der künstlerischen Mittel führt zwangsläufig zu Verwirrung bei der Beurteilung der Phänomene der Kunst. Ein Beispiel für eine solche anti-wissenschaftliche Verzerrung bei Beurteilungen ist die Gleichsetzung der Technik der „Geometrisierung“ von Cézanne mit der Schaffung von Kubisten.

Die Entwicklung des Kubismus

Eine abstrakte Betrachtung künstlerischer Techniken außerhalb der kreativen Methode wird von Kunsttheoretikern häufig in ihren Versuchen verwendet, den Realismus in verschiedenen Bereichen der modernistischen Kunst "aufzulösen".

Die Forscher gehen von den Phasen (Perioden) in der Entwicklung des Kubismus aus und gehen von den rein formalen Grundlagen der Periodisierung aus. Der Theoretiker der Kunst der Moderne C. Gray definiert in seinem Buch "Ästhetische Theorien des Kubismus" die "analytische" Phase der Existenz dieses Trends wie folgt: "Die erste Phase des Kubismus ist durch einen mehr oder weniger akuten Unterschied zwischen die Probleme von Form und Raum. Es gibt eine bekannte „Logik“, aber es gibt auch ein Objekt, an das sich diese Logik richtet. Das Objekt wird analysiert und interpretiert, behält aber seine objektive Realität bei. "

Der Kubismus sieht die Aufgabe der Kunst im Ausdruck von "Ideen" vor den Formen.

Der Evolutionsprozess des Kubismus zeigt die Stärkung idealistischer Elemente in seiner Entwicklung, die allmähliche Trennung der kubistischen Kunst vom Leben bis zu ihrem völligen Verlust an Kommunikationsfähigkeit.

Picasso

Die Entstehung des Kubismus ist in der Regel mit dem Namen Pablo Picasso verbunden. Kritik sieht die Tugenden seiner "Avignon Maidens" in "der Schärfe der Handschrift, der scharfen Frische der Palette, dem Fehlen jeglicher Perspektive und der echten Hell-Dunkel-Stimmung." Picasso arbeitet parallel und Seite an Seite (im selben Haus) mit den Kubisten, ohne formal an dieser Richtung beteiligt zu sein. Er baut seine Bilder nach den gleichen Prinzipien wie kubistische Künstler, steht dem Kubismus als Schule jedoch skeptisch gegenüber. Er betrachtet seine Experimente als Suche nach neuen künstlerischen Ausdrucksmitteln. Picasso sucht nach neuen formalen künstlerischen Mitteln, während sich die Kubisten das Ziel gesetzt haben, unabhängig von den Ergebnissen dieser Suche zu suchen.

Gemälde von Pablo Picasso

Grundsätze der Überweisung

Kubisten formulierten in ihren theoretischen Arbeiten die Grundprinzipien der künstlerischen Praxis der Bewegung und bezeichneten sie zunächst als bösartige Kunst, die mit dem Leben verbunden ist und sich bemüht, die Phänomene der Realität zu reflektieren: „Der einzig mögliche Irrtum in der Kunst ist Nachahmung“ Die französischen Kubisten A. Glez und J. Metzenge.

Die Kubisten behaupten, nachdem sich das Gemälde geweigert habe, das Thema mit Linien und Farben zu imitieren, sei es die Aufgabe des Künstlers, "plastisches Instinktbewusstsein" durch Kunst auszudrücken. „Wir sind weit davon entfernt zu denken“, erklären die Kubisten, „die Existenz von Objekten in Frage zu stellen, die unsere Gefühle beeinflussen. Aber wenn wir uns vernünftigerweise nähern, können wir nur auf die Bilder vertrauen, die sie in unserem Kopf erzeugen. "Und weiter:" Wir suchen die Hauptsache, aber wir suchen sie in unserer Persönlichkeit und nicht in einer Ewigkeit, die Mathematiker und Philosophen so fleißig erfinden. " Die obigen Aussagen verdeutlichen den subjektiv-idealistischen, intuitiven Charakter der kubistischen Weltanschauung - der philosophischen Grundlage, auf der die Moderne von Anfang an als Richtung in der Kunst beruhte.

Die Kubisten gaben ihre Versuche auf, die reale Welt zu reflektieren, und konzentrierten sich auf das Formen und proklamierten es offen als das Ziel ihrer Aktivitäten. Theoretisch haben Kubisten versucht, eine Übereinstimmung zwischen Linien und Farben zu finden. Sie argumentierten beispielsweise, dass gekrümmte Linien auch mit geraden Linien korrelieren, wie kalte Töne mit warmen Tönen.

Die nicht-kommunikativen Kreationen der Kubisten verursachten Verwirrung und oft Empörung beim Publikum. Die Kubisten wollten eine solche Reaktion jedoch nicht mit den Besonderheiten ihrer Arbeit erklären, sondern machten das Missverständnis und die Trägheit des Publikums verantwortlich, dem sie vorgeworfen wurden. Sie nannten das Publikum "Menge" und behaupteten, es sei bedingungslos überlegen.

Das Verhältnis des gegenseitigen Missverständnisses von kubistischen Künstlern und Zuschauern ist charakteristisch für andere Bereiche der modernen Kunst geworden. Die Kunst des Kubismus löste sich vom Publikum und wurde im Wesentlichen zu Anti-Menschen.

Beim Vergleich der theoretischen Prinzipien und künstlerischen Praktiken des Kubismus mit ihren modernen und im 20. Jahrhundert weit verbreiteten. idealistische philosophische Theorien, die Verbindung von Kubisten mit den Lehren von A. Schopenhauer und A. Bergson wird deutlich. Die Verknüpfung von realen Objekten und Phänomenen aus ihrer Sicht kann für den Künstler nicht von Interesse sein; Dies ist ein Thema der Wissenschaft als eine niedrigere Art der kognitiven Aktivität im Vergleich zu Kunst.

Die Kubisten versuchten, in ihren Werken ein Verständnis der Idee als eine Einheit zu verwirklichen, die nicht in Raum und Zeit geteilt ist. Nach Schopenhauer stellten sie sich der Realität der Zeitkategorie entgegen. Statizität als Attribut kubistischer Leinwände war im Wesentlichen ein Symbol für die Verweigerung der Dynamik, der Bewegung der Materie. Schopenhauer entlehnte die Idee der Unpersönlichkeit der Kunst, der Depersonalisierung des Künstlers.

Philosophisch und ästhetisch gesehen waren die theoretischen Programme der Kubisten auch im Vergleich zu Schopenhauer ein Rückschritt: Sie haben das Schöne und das Erhabene aus der Kunst verdrängt und sie damit der Hauptmittel der ästhetischen Wirkung auf einen Menschen beraubt. Im Gegensatz zu Schopenhauer bestanden die Kubisten auf der intranszendenten, „leichtfertigen“ Natur der Kunst.

Die Kubisten aktualisierten das Arsenal ihrer philosophischen Ideen mit den Lehren von A. Bergson. Unter dem Einfluss von Bergson erhielt die Kunst der Moderne einen offensichtlichen subjektivistischen Charakter. Für Kubisten ist der Verstand (wie später bei den Surrealisten) noch nicht vollständig aufgegeben worden, obwohl er nur als Instrument zur Deformation der Realität diente.

Der Kubismus ist ein einzigartiger Trend in der Kunst des frühen 20. Jahrhunderts. Die plastische Richtungssprache basiert auf der Zerlegung und Verformung von Objekten auf mehreren geometrischen Ebenen und auf plastischen Formverschiebungen. Die meisten russischen Künstler führten ihren kreativen Weg genau durch die Zunahme des Kubismus und verbanden seine Prinzipien häufig mit interessanten Techniken anderer künstlerischer und zeitgenössischer Tendenzen, zum Beispiel Primitivismus und Futurismus.

Der Kubofuturismus ist zu einer spezifischen Interpretationsform des Kubismus mit einem ausgeprägten russischen Kunstschimmer geworden. Die Geburtsstunde der Regie geht auf die Jahre 1907-08 zurück - kurz vor dem Ersten Weltkrieg. Ein neuer Trend in der veralteten Kunst der Moderne verursachte den unvermeidlichen Zorn der Bourgeoisie. Zu einer Zeit war der Kubismus in der Kunst von einem Kreis von Kritikern und Dichtern umgeben, die Bergsons Philosophie verfolgten. Seltsamerweise nannten sie sich auch Kubisten.

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Eine der Haupttendenzen des Kubismus war die Dominanz des Grundkonzepts über den künstlerischen und persönlichen Wert des Bildes. Hegel bemerkte auch, dass die Kunst der Neuzeit zunehmend von Reflexion durchdrungen sein wird und das in der Gesellschaft verankerte imaginative Denken allmählich mit Abstraktem verdrängt wird. Mit anderen Worten, die Grenze zwischen praktischer Kreativität und Kunstkritik wurde sehr dünn. Wenn im Kubismus diese Tendenz in Form eines Embryos vorhanden war, dann wurde sie in der Postmoderne dominant.

Die Väter des Kubismus gelten als Picasso und Braque. Aber Delaunay, Juan Gris und Fernand Leger schlossen sich sofort der neuen Strömung an. Es gelang ihnen, die existierende künstlerische Realität auf sensationelle Weise in die Welt der Kunst jener Zeit zu verwandeln, die niemand jemals sehen und sich vorstellen konnte - die Zerlegung der Form in Würfel.