Skulptur: Definition, Typen: Statuen, Reliefs Automatische übersetzen
Eine leicht verständliche Darstellung der kreativsten Epoche in der Geschichte der bildenden Kunst finden Sie unter: Griechische Skulptur leicht gemacht.
Was ist Skulptur?
Die nachhaltigste und wohl auch größte Form von Kunst Die dem Menschen bekannte Skulptur hat eine wichtige Rolle in der Entwicklung der westlichen Kultur gespielt. Seine Geschichte und stilistische Entwicklung sind die der westlichen Kunst. Es ist ein Schlüsselindikator für die kulturellen Errungenschaften von Antike und wurde ein wichtiger Einfluss auf die Entwicklung von Renaissance-Kunst in Italien. Zusammen mit der Architektur war es die Hauptform des Monumentalen religiöse Kunst Das war jahrhundertelang (c.400-1800) die treibende Kraft der europäischen Zivilisation. Obwohl sich die Skulptur ständig weiterentwickelt, ist sie auch heute noch die führende Methode, historische Figuren und Ereignisse auszudrücken und zu gedenken.
Während seiner Geschichte hat es einige der weltweit größten Künstler angezogen, darunter klassische Bildhauer wie Phidias, Myron of Eleutherae, Polyklitos, Skopas, Lysippos, Praxiteles und Leochares sowie Donatello (1386-1466), Michelangelo (1475–1654), Giambologna (1529-1608), der Große Bernini (1598-1680), Auguste Rodin (1840-1917), Henry Moore (1898-1986), Picasso (1881-1973), Constantin Brancusi (1876-1957) und Damien Hirst (geb. 1965).
Überragende Beispiele für diese seit langem etablierte Form der Kunst im öffentlichen Raum finden sich in vielen der beste Kunstmuseen.
Skulptur, die auch als "plastische Kunst" bezeichnet wird, sollte für den Formgebungsprozess oder die damit verbundene "Plastizität" recht einfach zu definieren sein, ist es aber leider nicht.
Immer größer werdende Kunstform
Dies liegt daran, dass die Definition oder Bedeutung von Skulptur im 20. Jahrhundert stark zugenommen hat. Mit der Entwicklung neuer skulpturaler Werkzeuge und Technologien setzen zeitgenössische Werke eine derart große Vielfalt neuer Materialien, Techniken und räumlicher Referenzschemata ein, dass "Skulptur" kein fester Begriff mehr ist, der sich auf eine feste Kategorie von Objekten oder kreativen Aktivitäten bezieht sondern eine immer größer werdende Kunstform, die sich ständig weiterentwickelt und neu definiert.
Definition der traditionellen Skulptur
Die traditionelle Skulptur vor dem 20. Jahrhundert hatte vier Hauptmerkmale. Erstens war es die einzige dreidimensionale Kunstform. Zweitens war es gegenständlich. Drittens wurde es als Kunst der festen Form angesehen. Alle betroffenen leeren Räume waren im Wesentlichen sekundär zu seiner Masse oder Masse. Darüber hinaus hatte es als feste Form keine Bewegung. Viertens verwendeten traditionelle Bildhauer nur zwei Haupttechniken: Schnitzen oder Modellieren. Das heißt, sie schnitzten entweder direkt aus dem von ihnen gewählten Material (z. B. Stein, Holz) oder bauten die Skulptur sozusagen von innen mit Ton, Gips, Wachs und dergleichen auf. Die Modelle für die traditionelle Bildhauerei stammen aus dem Griechischen und dem Deutschen Römische Skulptur der klassischen Antike.
Definition der modernen und zeitgenössischen Skulptur
Die Kunst der Skulptur ist nicht länger durch traditionelle skulpturale Konzepte, Materialien oder Produktionsmethoden eingeschränkt. Es ist nicht mehr ausschließlich gegenständlich, sondern häufig ganz abstrakt. Es ist auch nicht rein fest und statisch: Es kann in einer wichtigen Weise auf den leeren Raum verweisen, und es kann auch kinetisch und bewegungsfähig sein. Schließlich kann es nicht nur geschnitzt oder modelliert, sondern auch zusammengebaut, geklebt, projiziert (holographisch) oder auf vielfältige Weise konstruiert werden. Infolgedessen entfällt die traditionelle Vier-Punkte-Bedeutung und Definition der Skulptur.
Grundformen der Skulptur jetzt veraltet
Zuvor war die Kunstgeschichte verstand nur zwei skulpturale Grundformen: Skulptur in der Runde (auch freistehende Skulptur genannt) und Reliefs (einschließlich Basrelief, Hautrelief und versunkenes Relief). Neue Formen der Lichtskulptur (zB Hologramme) und der mobilen Skulptur erfordern heutzutage eine Neudefinition der möglichen Formen.
Definition und Bedeutung der heutigen Skulptur
Die Vielfalt des 21. Jahrhunderts plastische Kunst hat uns nur ein bestimmendes Merkmal hinterlassen: Dreidimensionalität. Die derzeitige Definition von Skulptur sieht also so aus:
"Die Skulptur ist der einzige Zweig der bildenden Kunst, der sich speziell mit der expressiven dreidimensionalen Form befasst."
Die Geschichte der Skulptur
Dreidimensionale Kunst beginnt mit prähistorische Skulptur. Die frühesten bekannten Werke der Steinzeit sind die Venus von Berekhat Ram und die Venus von Tan-Tan, beides primitive Bildnisse aus dem Jahr 230.000 v. Chr. Oder früher. Danach waren Bildhauer in allen alten Zivilisationen und in allen wichtigen Kunstbewegungen bis zur Gegenwart tätig. Nach Ägyptische Skulptur Das wichtigste goldene Zeitalter in der Entwicklung der Skulptur war: (1) die klassische Antike (500-27 v. Chr.); (2) Die Gotik (um 1150-1300); (3) Die italienische Renaissance (um 1400-1600); und (4) Barockskulptur (1600-1700). Eine detaillierte Chronologie der Ursprünge und Entwicklung der 3D-Kunst finden Sie unter: Geschichte der Skulptur.
Die Theorie der Skulptur
Aufgrund seiner dreidimensionalen Natur und der Tatsache, dass es an viel mehr Orten gezeigt werden kann als etwa in der Malerei, gibt es eine Reihe wichtiger Konzepte und theoretischer Fragen, die die Gestaltung und Produktion von Skulpturen bestimmen. Hier ist ein kurzes Beispiel.
Elemente der skulpturalen Gestaltung
Die beiden Hauptelemente der Skulptur sind Masse und Raum . Masse bezieht sich auf die Masse der Skulptur, das feste Stück, das in ihren Oberflächen enthalten ist. Der Raum ist die Luft um die feste Skulptur und reagiert auf verschiedene Weise mit dieser: Erstens definiert er die Ränder der Skulptur; zweitens kann es von einem Teil der Skulptur umschlossen sein und Hohlräume oder leere Bereiche bilden; drittens können einzelne Teile der Skulptur miteinander verbunden werden, die sich so über den Raum hinweg aufeinander beziehen.
Skulpturen können nach ihrer Behandlung dieser beiden Elemente beurteilt und unterschieden werden. Zum Beispiel konzentrieren sich einige Bildhauer auf die festen Bestandteile ihrer Skulptur, während andere sich mehr darum kümmern, wie sie sich auf den Raum beziehen, in dem sie sich befinden (z. B. wie sie sich durch den Raum "bewegen" oder ihn einschließen). Vergleichen Sie die ägyptische Kultur mit den Werken von Alexander Calder (1898-1976) und Naum Gabo (1890-1977) und Sie werden sehen, was ich meine.
Ein weiteres wichtiges Element der (meisten) Skulpturen sind ihre Oberflächen . Diese können ganz unterschiedliche visuelle Effekte erzeugen, je nachdem, ob sie (z. B.) konvex oder konkav, flach oder modelliert, gefärbt oder ungefärbt sind. Beispielsweise drücken konvexe Oberflächen Zufriedenheit, Sättigung, inneren Druck und allgemeine "Fülle" aus, während konkave Oberflächen äußeren Druck, eine innere Unbeständigkeit und einen möglichen Zusammenbruch andeuten. Andererseits weist eine flache Oberfläche keinen Hinweis auf Dreidimensionalität auf, während eine modellierte Oberfläche – eine Oberfläche, die Licht / Schatten einfängende Rippen oder Vertiefungen enthält – starke Effekte von 3-D-Formen vermitteln kann, die aus der Dunkelheit hervortreten oder sich in die Dunkelheit zurückziehen, ähnlich wie bei a Verwendung von Helldunkel durch den Maler. Obwohl die meisten Pigmentspuren inzwischen verschwunden sind, wurde ein Großteil der in der Antike (z. B. ägyptische, griechische, römische Statuen / Reliefs) und im Mittelalter (z. B. gotische Domskulpturen) hergestellten Skulpturen mit Farbe oder anderen Farbstoffen bedeckt, darunter Blattgold oder Blattsilber und andere wertvolle Farbstoffe. Alternativ schnitzen Bildhauer direkt aus kostbaren farbigen Materialien wie Elfenbein, Jade und Gold oder Kombinationen davon. Farbe kann offensichtlich eine Oberfläche mit unterschiedlichen Attributen von (unter anderem) Textur, Proportion, Tiefe und Form ausstatten. Eine interessante Verwendung von Farbe durch einen modernen Bildhauer zeigt das Pop-Art-Werk Ale Cans (1964, Öl auf Bronze, Öffentliche Kunstsammlung, Basel) von Jasper Johns (* 1930).
Eine Anleitung zu den ästhetischen Prinzipien der orientalischen Skulptur in China finden Sie unter: Traditionelle chinesische Kunst: Merkmale.
Prinzipien der skulpturalen Gestaltung
Diese regeln die Herangehensweise der Bildhauer an Themen wie Orientierung , Proportion , Maßstab , Artikulation und Balance .
Orientierung
Um ein Gefühl der Harmonie (oder Disharmonie) in der Skulptur selbst oder zwischen Teilen davon oder zwischen der Skulptur und dem Betrachter oder zwischen der Skulptur und ihrer Umgebung zu erzeugen, arbeitet der Bildhauer normalerweise nach einem bestimmten Raumplan oder Referenzschema. Ein solcher Plan, der häufig auf einem System von Achsen und Ebenen basiert, ist unter anderem für die Aufrechterhaltung eines linearen Verhältnisses von wesentlicher Bedeutung. So werden beispielsweise die Posen menschlicher Figuren in der Regel anhand der vier Hauptebenen berechnet und erstellt, und zwar anhand des Axialitätsprinzips (z. B. anatomische Bewegung) und des Frontalitätsprinzips (vorherrschend in den Kouros stehenden Figuren des griechischen Archaikums) Skulptur), Contrapposto - die dynamische Pose, in der sich ein Körperteil von einem anderen dreht oder abwendet, beispielhaft dargestellt in Werken von Michelangelo (1475-1564) und Giambologna (1529-1608) – und die chiastische Haltung (die Pose, in der Das Gewicht des Körpers ruht hauptsächlich auf einem Bein (ein typisches Merkmal der griechischen figurativen Skulptur der Hochklassik).
Anteil
Der Umgang der Bildhauer mit der Verhältnismäßigkeit ist sehr unterschiedlich. Einige (z. B. ägyptische Bildhauer) beobachteten hierarchische nicht-naturalistische Proportionen (z. B. die größten Götter, die nächstgrößeren Pharaonen, die kleinsten Bürger usw.). Andere Bildhauer haben naturalistischere, aber ebenso ikonometrische Proportionsregeln befolgt. Im Vergleich dazu verwenden viele Stammeskulturen Systeme, die – aus religiösen oder kulturellen Gründen – bestimmten Körperteilen (z. B. dem Kopf) eine größere Größe verleihen. Darüber hinaus kann der spezifische Standort einer Skulptur einen besonderen Ansatz zur Verhältnismäßigkeit erfordern. Zum Beispiel kann eine menschliche Statue, die auf einer hohen Struktur montiert ist, einen größeren Oberkörper erfordern, um die Auswirkungen der Verkürzung in Bodennähe auszugleichen. (Der große Rokoko-Maler Tiepolo war ein Meister darin, diesem Effekt bei der Gestaltung seiner Deckenfresken entgegenzuwirken.)
Rahmen
Dies bezieht sich zum Beispiel auf die Notwendigkeit, eine Skulptur im Einklang mit dem Maßstab ihrer Umgebung zu schaffen. Spazieren Sie um jede größere gotische Kathedrale und bewundern Sie die Vielfalt der Skulpturen, die die Türen, Fassaden und andere Oberflächen schmücken. Darüber hinaus können bestimmte Figurengruppen, die biblische Szenen darstellen, mehrere verschiedene Maßstäbe enthalten: Die Größe der Jungfrau Maria und Jesu kann ähnlich sein, während (z. B.) die der Apostel kleiner sein können.
Artikulation
Dies beschreibt, wie skulpturale Figuren (und andere Formen) zusammengefügt werden: Entweder wie die verschiedenen Teile eines Körpers in einer einzigen Form verschmelzen oder wie separate Abschnitte zusammenkommen. Der realistische französische Bildhauer Auguste Rodin (1840-1917) schuf Kontinuität im impressionistischen Stil in seinen Figuren, im Gegensatz zu den früheren griechischen klassischen Bildhauern (z. B. Polyklitus) und Renaissance-Bildhauern, die getrennte Formeinheiten bevorzugten.
Balance
In der freistehenden figurativen Skulptur geht es bei der Balance vor allem um zwei Dinge. Erstens muss der skulpturale Körper physisch stabil sein – leicht genug, um in einer kriechenden oder liegenden Figur erreicht zu werden, weniger leicht in einer stehenden Statue, besonders wenn man sich nach vorne oder hinten lehnt. Wenn natürlich instabil, muss eine Basis verwendet werden. Zweitens muss die Statue aus kompositorischer Sicht ein Gefühl des dynamischen oder statischen Gleichgewichts hervorrufen. Ohne diese Harmonie ist Schönheit kaum zu erreichen.
Der beste Weg, Skulptur zu verstehen
Sind Sie verblüfft über all diese seltsamen Konzepte zu den Elementen und Prinzipien der skulpturalen Designtheorie? Mach dir keine Sorgen, viele Kunstkritiker Sind auch. Der beste Weg, um Skulptur zu verstehen, besteht darin, so viel davon wie möglich zu betrachten, im Idealfall im Fleisch. Besuchen Sie nach Möglichkeit das nächstgelegene öffentliche Kunstmuseum und sehen Sie sich einige Exemplare der griechischen oder Renaissance-Skulptur an. Dies sollte Ihnen ein gutes Verständnis für traditionelle Werke vermitteln. Besuchen Sie nach Möglichkeit auch eine Ausstellung mit Werken von abstrakte Bildhauer wie Umberto Boccioni (1882-1916), Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), Alexander Calder (1898-1976), Alberto Giacometti (1901-1966), Barbara Hepworth (1903-1975), Louise Bourgeois (1911-2010), Sol LeWitt (1928-2007) oder Richard Serra (geb. 1939). Werke von abstrakte Skulptur von einem dieser modernen Künstler sollte Ihnen viel zu denken geben.
Materialien
Nahezu jedes dreidimensional formbare Material kann für die Bildhauerei verwendet werden. Aber einige Materialien wie Stein – insbesondere harter Kalkstein (Marmor) – Holz, Ton, Metall (z. B. Bronze), Elfenbein und Gips haben außergewöhnliche "plastische" Eigenschaften und haben sich daher seit prähistorischen Zeiten bei Bildhauern als am beliebtesten erwiesen. Infolgedessen wurde die Skulptur für den größten Teil ihrer Geschichte mit vier grundlegenden Methoden geschaffen: Steinschnitzen, Holzschnitzen, Bronzegießen und Tonbrennen. Ein seltener Typ war chryselephantine skulptur, exklusiv für bedeutende Kultstatuen reserviert.
Steinskulptur
Steinskulptur, wahrscheinlich die früheste Form monumentaler Skulptur sowie das beste Medium für monumentale Werke, war vielen Epochen der Altsteinzeit gemeinsam. Zu den Prototypen der prähistorischen Steinskulptur zählen die als Venus von Berekhat Ram (ca. 230.000 v. Chr. Oder früher) bekannte Basaltfigur und die als Venus von Tan-Tan (ca. 200.000 v. Chr. Oder früher) bekannte Quarzitfigur. Seitdem war die wahrscheinlich größte Steinskulptur die Serie von Säulenstatuen und Reliefs, die für den großen Europäer hergestellt wurden Gotische Kathedralen von Chartres, Notre Dame de Paris, Amiens, Reims, Köln ua im Zeitraum 1150-1300.
Es wurden Steine aus allen drei Hauptkategorien der Gesteinsformation geformt, einschließlich magmatischer Gesteine (z. B. Granit), Sedimentgesteine (z. B. Kalksteine und Sandsteine) und metamorpher Gesteine (z. B. Marmor). Reiner weißer italienischer Carrara Marmor wurde in der römischen Kunst und in verwendet Italienische Renaissance-Skulptur von Künstlern wie Donatello und Michelangelo, während griechische Künstler pentelischen Marmor bevorzugten, um das zu machen Parthenon Skulpturen. (Siehe auch: Marmorskulptur.) Die irische Skulptur war im späten Mittelalter hauptsächlich auf Keltische Hochkreuze aus Granit.
Oberste Beispiele für Marmorskulpturen sind Venus de Milo (um 130-100 v. Chr.) von Alexandros von Antiochien; Laokoon und seine Söhne (c.42-20 BCE) durch Hagesander, Athenodoros und Polydorus; Pieta (1497-99) und David von Michelangelo ; Das Ekstase der hl. Teresa (1647) vom Barockgenie Bernini; Amor und Psyche (1796-7) des Neoklassizisten Antonio Canova; und The Kiss (1889) von dem französischen Genie Auguste Rodin.
Jade-Skulptur
Die bekannteste Form der Hartsteinskulptur, Jade schnitzen ist seit der Jungsteinzeit eine Spezialität chinesischer Meister. Nephrit und Jadeit sind die beiden häufigsten Arten von Jadesteinen, obwohl auch Bowenit (eine Form von Serpentin) verwendet wird. Die Chinesen schreiben Jade wichtige Eigenschaften zu, darunter Reinheit, Schönheit, Langlebigkeit und sogar Unsterblichkeit, und Bildhauer schätzen Jadesteine für ihren Glanz, ihre durchscheinenden Farben und Schattierungen.
Holzskulptur
Holzschnitzen ist die älteste und beständigste Art von Skulptur. Besonders für kleine Arbeiten geeignet, wurde das Holzschnitzen in der Vorgeschichte und später in der Zeit von weithin praktiziert Frühchristliche Skulptur – siehe zum Beispiel die vergoldete Eichenschnitzerei Gero Cross (965-70, Kölner Dom) – und hatte im Westen, besonders in Deutschland, in der letzten Zeit ihr goldenes Zeitalter Mittelalterliche Kunst : Erleben Sie die exquisiten religiösen Lindenholzschnitzereien der deutschen Holzschnitzer Veit Stoss (1445-1533) und Tilman Riemenschneider (1460-1531). Später, in der Barockzeit, wurde Holz oft mit Gipsstuck überzogen und nach Art der alten ägyptischen Kunst bemalt. Zu den großen modernen Holzbildhauern zählen Henry Moore (1898-1986), der für seine Elmwood Reclining Figure (1936) bekannt ist, und Barbara Hepworth (1903-75).
Bronzeskulptur
Bildhauerei in Bronze- ist ein komplizierter Prozess, der eigenständig in China, Südamerika und Ägypten entwickelt wurde. Bronzeguss erfordert das Modellieren einer Form aus Ton, Gips oder Wachs, die später nach dem Gießen der geschmolzenen Bronze entfernt wird. Die Wachsausschmelzmethode war in der Renaissance eine verbreitete Technik. Es war auch eine weit verbreitete Technik in Afrikanische Skulptur aus Benin und Yoruba.
Zu den berühmtesten Stücken gehört das Tanzende Mädchen von Mohenjo-Daro (ca. 2.500 v. Chr.), Ein Meisterwerk der frühen Zeit Indische Skulptur aus der Harappan Kultur oder Indus Valley Zivilisation in Indien, und der große Schatz an Bronzetafeln und Skulpturen (im Stückgussverfahren hergestellt) mit Jadedekoration, der im Yellow River Basin der Provinz Henan in Zentralchina gefunden wurde und aus der Zeit des Xia-Reichs und der späteren Shang-Dynastie stammt (ab c. 1.750 v. Chr.).
Zu den späteren Meisterwerken aus Bronze zählen die Paradiestore von Lorenzo Ghiberti (1378-1455), David von Donatello (1386-1466) und Michelangelo, Raub der Sabiner (ca. 1583) von Giambologna, Die Bürger von Calais (1884- 9) und die Tore der Hölle (1880-1917) von Auguste Rodin, Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum (1913) von Umberto Boccioni (1882-1916), Vogel im Raum (1923) vom rumänischen abstrakten Bildhauer Constantin Brancusi (1876- 1957), Woman with her Throat Cut (1932) und Walking Man I (1960) von Alberto Giacometti (1901-66) und The Destroyed City (1953) von Ossip Zadkine (1890-1967).
Tonskulptur
Die Skulptur aus Ton stammt aus der Altsteinzeit der Steinzeit. Bekannt als Terrakotta-Skulptur Es ist das plastischste aller Bildhauerverfahren, vielseitig, leicht, kostengünstig und langlebig. Obwohl Ton hauptsächlich für Vormodelle verwendet wurde, später in Bronze gegossen oder in Stein gemeißelt, wurde er auch zur Herstellung von Skulpturen in Originalgröße verwendet. Die früheste bekannte Tonskulptur ist die Venus von Dolni Vestonice (ca. 26.000 – 24.000 v. Chr.), eine Keramikfigur aus der Gravettenzeit, die in der Tschechischen Republik entdeckt wurde. Ein weiteres Meisterwerk der Altsteinzeit ist das Tuc d’Audoubert Bison aus der Magdalenenzeit (ca. 13.500 v. Chr.), ein ungebranntes Relief zweier Bisons, gefunden in der Tuc d’Audoubert-Höhle in Ariege, Frankreich. Ein drittes prähistorisches Meisterwerk ist das Denker von Cernavoda (ca. 5.000 v. Chr.), die ikonische Terrakotta-Figur, die während der mesolithischen Hamangia-Kultur in Rumänien geschaffen wurde.
Das berühmteste Beispiel für Tonskulptur muss jedoch die Terrakotta-Armee der chinesischen Qin-Dynastie (die „Terrakotta-Krieger“) sein, eine Sammlung von 8.000 Tonträgern und Pferden, die 1974 in der chinesischen Provinz Shaanxi ausgegraben wurden. Jeder der 8.000 Tonsoldaten stammt aus den Jahren 246-208 v. Chr. Und ist ein Unikat mit einem anderen Gesichtsausdruck und einer anderen Frisur.
Andere bildhauerische Materialien
Andere traditionelle Materialien, aus denen Skulpturen hergestellt werden, sind Elfenbein und Fischbein sowie Edelmetalle.
Die frühesten bekannten Beispiele für Elfenbein- / Knochenskulpturen sind: die berühmten Mammut-Elfenbeinschnitzereien von prähistorischen Tieren, Vögeln und Menschen (ca. 33.000 – 30.000 v. Chr.), Die in den Vogelherdhöhlen des Schwäbischen Jura, Deutschland, entdeckt wurden; die Venus von Kostenky (ca. 22.000 v. Chr.), ein Mammut Elfenbein schnitzen einer in Russland gefundenen weiblichen Figur; und der Löwenmann von Hohlenstein-Stadel (ca. 38.000 v. Chr.), eine im Schwäbischen Jura gefundene Mammut-Elfenbeinstatuette.
Berühmte Werke aus Edelsteinen sind die Mesopotamische Skulptur bekannt als Ram in einem Dickicht (ca. 2500 v. Chr.), eine kleine Statue aus Blattgold, Kupfer, Lapislazuli und rotem Kalkstein, die in der Großen Todesgrube in Ur entdeckt wurde; und der Maikop Goldbulle (ca. 2.500 v. Chr.), eine Goldskulptur (nach dem Wachsausschmelzverfahren hergestellt) aus der Maikop-Skulptur des Nordkaukasus, Russland.
Moderne Materialien für Skulpturen des 20. Jahrhunderts
Materialien von Bildhauer des 20. Jahrhunderts Dazu gehören Sekundärmaterialien wie Beton sowie eine endlose Liste moderner Materialien wie Edelstahl, Glasfaser, Aluminium, Schaumgummi, Pappmaché, Fahrradteile, Kunststoffe, Buntglas, "gefundene" Gegenstände und so weiter. Weitere Informationen zu bestimmten Arten postmoderner plastischer Kunst finden Sie unter: Eisskulptur und auch Sandkunst.
Bemerkenswerte Skulpturen des 20. Jahrhunderts aus nicht-traditionellen Materialien sind:
Arten von Skulpturen
Die traditionellen Grundformen dieser 3D-Kunst sind: freistehende Skulptur, die allseitig vom Raum umgeben ist; und Reliefskulptur (Einschließlich Basrelief, Alt-Relief oder Haut-Relief und versunkenes Relief), wobei das Design auf einem Hintergrund verbleibt, der normalerweise aus Stein oder Holz besteht. Beispiele für Hilfsarbeiten sind in zu sehen megalithische Kunst wie die komplexen Spiralgravuren in Newgrange (Irland), auf der Trajansäule in Rom, dem Zeustempel in Olympia und dem Parthenon. Auf allen großen europäischen Kathedralen dieser Zeit sind gotische Reliefs zu sehen: Zeugen der Heiligen an der Südtrancepta der Kathedrale von Chartres und der Apostel an der Nordtrancepta der Kathedrale von Reims.
Es kann auch nach seinem Gegenstand klassifiziert werden. Eine Statue zum Beispiel, wie die beiden Versionen von David von Donatello und Michelangelo, ist normalerweise ein gegenständliches 3D-Porträt einer Person in voller Länge, während eine Büste normalerweise nur den Kopf, den Hals und die Schultern zeigt – siehe die Büste von George Washington (1788) von Jean-Antoine Houdon (1741-1828). Eine Statue einer Person auf dem Pferderücken, wie die von Giambologna (1529-1608) von Cosimo de ’Medici in Florenz, wird als Pferdeskulptur bezeichnet. Möglicherweise das größte überhaupt Reiterstandbild ist Falconets barocker Bronzereiter auf dem Dekabristenplatz in St. Petersburg: ein Denkmal für Zar Peter den Großen und ein Meisterwerk von Russische Skulptur, wenn auch von einem Franzosen geschaffen.
Skulptur als Kunst im öffentlichen Raum
Die lebendige physische Präsenz einer Skulptur macht sie zu einer idealen Form von öffentliche Kunst : höchste Beispiele in der westlichen Kultur als das Monumentale Megalithen in Stonehenge die klassischen Skulpturen des Parthenons in Athen, die keltischen Hochkreuze Irlands und die gotischen Säulenstatuen und Reliefs aus dem 12./13. Jahrhundert in den Kathedralen Nordfrankreichs und Deutschlands.
In der Renaissance des Nordens haben Meister wie Tilman Riemenschneider und Veit Stoss, die für ihre filigranen hölzernen Altäre und Figuren bekannt sind, religiöse Holzschnitzereien zu neuen Höhen geführt, während die barocke Gegenreformation herausragende Beispiele katholischer Kunst hervorbrachte Christliche Kunst in Form von Bronze- und Marmorskulpturen von (unter anderem) Gianlorenzo Bernini (1598-1680), bekannt für die Cornaro Chapel-Serie (1645-52), einschließlich The Ecstasy of St Teresa.
Moderne weltliche Kunst im öffentlichen Raum zeigt berühmte Skulpturen wie die Freiheitsstatue , der Chicago Picasso – eine Serie von Metallfiguren, die für das Chicago Civic Center und die von Ian Ritchie (* 1947) entworfene Architekturskulptur The Spire of Dublin, bekannt als "Spike", hergestellt wurden. Die zeitgenössische öffentliche Skulptur fordert weiterhin traditionelle Konzepte der 3D-Kunst durch ihre neuen räumlichen Konzepte und die Verwendung alltäglicher Materialien heraus, die in zahlreichen installativen und festen Formen der Skulptur zusammengestellt oder geschaffen wurden.
Moderne versus postmoderne Skulptur
Seit den 1960er Jahren wird die sogenannte moderne Kunst durch zeitgenössische Kunst oder Postmoderne ersetzt. Im Gegensatz zu den früheren Modernisten können heutige postmoderne Bildhauer (z. B. Popkünstler wie Claes Oldenburg, Robert Indiana und Neo-Pop-Künstler Jeff Koons) eine größere Auswahl an Materialien, Bildern und Darstellungsmethoden verwenden. Stile sind in der Regel eher lokalisiert, da die zeitgenössische Kunstströmung heute dazu tendiert, den großen Ideen und dem Internationalismus der modernen Kunstströmungen des späten 19. Jahrhunderts und der frühen Mitte des 20. Jahrhunderts zu misstrauen.
Mehr Informationen
Für wichtige Zeiträume / Bewegungen siehe: Mittelalterliche Skulptur (c.400-1000);
Romanische Skulptur (c.1000-1200); Gotische Skulptur (c.1150-1280);
Englische gotische Skulptur ; Deutsche gotische Skulptur ;
Renaissance-Bildhauer (1400-1600); Barocke Skulptur (1600-1700);
Neoklassische Skulptur (c.1750-1850); Bildhauer des 19. Jahrhunderts (1800-1900).
- Terrakotta-Skulptur: Geschichte, Eigenschaften
- Denker von Cernavoda: Neolithische Terrakotta-Skulptur
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