Jan Vermeer: Niederländischer Genremaler, Porträtkünstler, Delfter Schule Automatische übersetzen
Biografie
Der Anführer der Niederländische realistische Künstler , Jan (oder Johannes) Vermeer spezialisierte sich auf Genre-Malerei und informell Porträtkunst (meistens Wohnräume mit ein oder zwei Figuren), obwohl er auch eine sehr kleine Anzahl von Stadtansichten und allegorischen Werken malte. Der in Delft tätige Maler war zu Lebzeiten ein mäßig erfolgreicher Maler, aber nach seinem Tod geriet sein Werk weitgehend in Vergessenheit. Das war bis 200 Jahre später, als der Kunstkritiker Thore Burger 1866 einen Aufsatz veröffentlichte, der ihn als einen der größten auszeichnete Alte Meister der Schule von Holländische Malerei des 17. Jahrhunderts und eine Schlüsselfigur in Protestantische reformatorische kunst von Nordeuropa. Da Vermeer extrem langsam arbeitete, schuf er in seinem Leben nur etwa 45 Gemälde.
Zu seinen bekanntesten Werken zählen Girl with a Pearl Earring (um 1665, Mauritshuis, Den Haag), The Milkmaid (um 1658, Rijksmuseum, Amsterdam) und The Art of Painting: An Allegory (um 1666, Kunsthistorisches Museum, Wien)), Mädchen mit dem roten Hut (1665-6, National Gallery Washington DC), Frau liest einen Brief am offenen Fenster , (Gemäldegalerie, Dresden), Frau hält eine Waage (1662-3, National Gallery of Art, Washington DC) und Ansicht von Delft (1661 Mauritshuis). Er gilt als einer der beste Genremaler in der Geschichte der Kunst, und einer der beste Porträtkünstler des niederländischen goldenen Zeitalters.
Frühen Lebensjahren
Über Vermeers frühes Leben ist wenig bekannt, aber er wurde 1632 in Delft, Niederlande, in eine kleinbürgerliche Familie geboren. Sein Vater war Seidenweber und Kunsthändler, der später auch Gastwirt wurde. Als sein Vater starb, erbte Jan das Gasthaus- und Kunstverkaufsgeschäft, was dazu beitrug, seine Karriere in der Malerei zu ergänzen. Seine frühen Lehrjahre sind vage, aber es wird vermutet, dass er bei den niederländischen Künstlern Leonaert Bramer (der nächtliche Szenen und Fresken malte) und / oder Carel Fabritius studiert hat. Andere mögliche Einflüsse waren Dirck van Baburen und Hendrick Terbrugghen (führende Mitglieder einer Gruppe niederländischer Künstler, die von Dirck van Baburen beeinflusst wurden) Caravaggio das sogenannte Utrecht Karavaggismus Gruppe).
Es ist schwierig, eine chronologische Beschreibung von Vermeers Gemälden zu geben, da er nur drei Jahre alt war. Dies sind die Procuress , 1656 (Gemäldegalerie, Dresden), der Astronom (1668, Privatsammlung) und der Geograph (1669, Städelsches, Frankfurt). Seine frühen Werke waren tendenziell größer und heller in der Palette. Als er reifte, wurden seine Bilder kleiner und seine Farbe Palettenkühler, der mehr von Gelb, Grau und Blau dominiert wird.
Maltechnik
Vermeer ist besonders bekannt für seine Behandlung von Licht, das ein fast perlmuttartiges Furnier bekommt. Er erreichte dies durch eine Methode namens Pointillé , bei der Granulatschichten verwendet werden, um einen transparenten Endeffekt zu erzielen. Wir sind uns nicht sicher, wie Vermeer sich auf seine Bilder vorbereitet hat, da es keine Vorzeichnungen gibt, aber es wird vermutet, dass er eine Camera Obsura verwendet hat , um eine Positionierung in seinen Kompositionen zu erreichen. Dies war ein frühes Abbildungsgerät, und wenn eine Komposition durch die Linse betrachtet wurde, warf es ein gedämpftes Licht über das Motiv, ähnlich wie das Licht, das in Vermeers Gemälden erzielt wurde. Diese Lichteffekte werden als Lichthofeffekte bezeichnet. Im Gegensatz zu vielen seiner Zeitgenossen verwendete Vermeer bei der Farbgebung großzügig Ultramarin, das aus dem unglaublich teuren Pigment Lapislazuli hergestellt wurde. Dies ist am besten im Turban seines berühmten Gemäldes Das Mädchen mit dem Perlenohrring zu sehen .
Licht und Farbe
Vermeer interessierte sich vor allem für die Effekte von Farbe, Licht und reflektiertem Licht. In der Regel versucht er, den Moment einzufangen, in dem natürliches Licht einen Raum durchflutet, oder die funkelnden Reflexionen in Metallgefäßen, -oberflächen oder -geweben.
Eine der Kuriositäten von Vermeers Farbpalette im Vergleich zu der seiner Zeitgenossen, wie Pieter de Hooch, war seine Vorliebe für natürliches Ultramarin (eines der teuersten Farbpigmente aus zerkleinertem Lapislazuli ) anstelle des billigeren alternativen Azurits. Er war auch ein herausragender Exponent bei der Verwendung von weißem Blei, Umbra und Kohleschwarz, um weiße Wände zu schaffen, die das natürliche Tageslicht mit unterschiedlichen Intensitäten reflektieren und die Anzeige von ungleichmäßigen Texturen auf der verputzten Oberfläche der Wand ermöglichen.
Im Jahr 1653 wurde Vermeer Mitglied der Delfter Gilde des Heiligen Lukas, einer örtlichen Handelsvereinigung für Maler, die unter Gleichaltrigen Respekt bewies. Aus den Gildenaufzeichnungen geht hervor, dass er seine Beitrittsgebühr ursprünglich nicht bezahlt hat, was darauf hindeutet, dass er finanzielle Schwierigkeiten hatte. Um 1662 wurde er zum Gildenleiter gewählt.
Vermeer starb 1675, er war damals erst 43 Jahre alt. Wenn er länger gelebt hätte, hätte man der Welt nicht die Gelegenheit genommen zu sehen, wie die Werke dieses Meisters gereift wären. Dank seiner Wiederentdeckung in den 1860er Jahren gilt Vermeer heute als eine der größten Figuren in Niederländische Barockkunst und aufgrund seiner geringen Leistung gehören seine Werke zu den wertvollsten der Welt Kunstgeschichte .
Berühmte Gemälde von Vermeer
Vermeer produzierte einige der größte Genrebilder in der Geschichte der Kunst, darunter die folgenden:
Die Procuress (1656) Öl auf Leinwand. Alte Meister Gallerie, Dresden.
Mädchen schläft an einem Tisch (c.1657) Metropolitan Museum of Art, New York
Soldat und ein lachendes Mädchen (c.1658) Öl auf Leinwand. Sammlung Frick, New York.
Mädchen liest einen Brief am offenen Fenster (c.1657) Alte Meister Gallerie, Dresden .
Das Milchmädchen (c.1658-1660) Öl auf Leinwand. Rijksmuseum, Amsterdam.
Die kleine Straße (c.1657-1658) Öl auf Leinwand. Rijksmuseum, Amsterdam.
Ansicht von Delft (c.1660-1661) Öl auf Leinwand. Mauritshuis, Den Haag.
Mann und Frau mit einem Weinglas (um 1658-1660) Gemäldegalerie, Berlin.
Eine Frau und zwei Männer (um 1660) Herzog Anton Ulrich-Museum, Braunschweig.
Junge Frau mit einem Wasserkrug (c.1662) Metropolitan Museum, New York.
Frau mit einer Perlenkette (um 1664) Staatliche Museen zu Berlin.
Frau, die ein Gleichgewicht hält (1662-3) National Gallery of Art, Washington, DC.
Frau in Blau beim Lesen eines Briefes (um 1664) Rijksmuseum, Amsterdam.
Frau spielt eine Laute in der Nähe eines Fensters (c.1664) Metropolitan Museum, NY.
Die Musikstunde (Lady und Gentleman bei den Virginals) 1665 Royal Collection.
Das Konzert (c.1665-1666) Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, MA.
Das Mädchen mit dem Perlenohrring (um 1665) Mauritshuis, Den Haag.
Dame, die einen Brief schreibt (c.1665-1670) National Gallery of Art, Washington DC.
Der Liebesbrief (c.1669-1670) Öl auf Leinwand. Rijksmuseum, Amsterdam.
Die Kunst der Malerei (c.1666-1673) Kunsthistorisches Museum, Wien.
Dame, die an einem Virginal (c.1673-1675) National Gallery, London steht.
Dame sitzt in einem Virginal (c.1673-1675) National Gallery, London.
Der Klöppler (c.1669-1670) Öl auf Leinwand. Louvre, Paris.
Mädchen mit einem roten Hut (c.1666) Öl auf Holz. National Gallery, Washington DC.
Mädchen mit einer Flöte (c.1666) Öl auf Holz. National Gallery, Washington DC.
Dame, die mit ihrer Magd einen Brief schreibt (1670) National Gallery of Ireland.
Der Gitarrist (c.1672) Öl auf Leinwand. Iveagh-Nachlass, Kenwood, Großbritannien.
Die Kunst von Jan Vermeer (1632-75)
Die etwa vierzig Bilder, die Jan Vermeer aus Delft getrost zugeschrieben werden können, gelten heute als die Vollendung von Barockmalerei in Holland. Technisch gesehen ist Vermeer einfach der fähigste und exquisiteste Praktiker des hellen Stils, den Holland hervorgebracht hat. Niemals gab es eine exquisitere Beobachtung als in Bezug auf den Grad des absorbierten oder reflektierten Lichts, eine sorgfältigere Pflege der Dekorations- und Modellierkanten, eine sorgfältigere Berücksichtigung von Substanz und Textur, eine einfachere und elegantere Konstruktionsmethode. Er war auch der größte Vertreter der niederländischen Kompositionsformel. Keiner legte mehr Wert auf die Arabeske der Figur, die in ein Muster von architektonischen Vierecken eingebunden war. Er hatte ganz eigene Farbverbesserungen – unbeschreibliche Harmonien von Hellblau und Strohgelb. Kurz gesagt, als Schöpfer des Lichts übt Vermeer eine "weiße Magie" aus, die einzigartig für ihn ist.
Nach frühen Experimenten mit Bordellszenen, religiösen Themen und Mythologie beschäftigte er sich praktisch mit einem Thema: Frauen, die in einem exquisit erhaltenen Zuhause dienen oder regieren.
Seine schönsten Bilder zeigen nur eine Frau – die Milchmagd , die Perlenkette, das Mädchen , das Tee macht , die Frau , die einen Brief liest **, das Porträt eines Mädchens , die Frau mit dem Wasserkrug – das sind die schönsten Vermeider. Wenn er eine zweite Figur hinzufügt, verliert das Bild; wenn er ein drittes hinzufügt, hört das Bild auf, ein feines Vermeer zu sein. Kurz gesagt, die Menschen, die mit einander verwandt sind, die Grundnahrungsmittel der niederländischen Genremalerei, haben sein Interesse nicht besonders geweckt. Er war in eine andere Beziehung verstrickt – die einer Frau zu ihrem Zuhause. Das machte er ziemlich sakramental, und das war die Wurzel seiner eigentümlichen Poesie. Man könnte auch sagen, dass in Vermeers Händen diese einzelnen weiblichen Bilder zu einer einzigartigen Form von werden Vanitas Malerei , so moralisch wie jede Arbeit von Harmen van Steenwyck (1612-56), Jan Davidsz de Heem (1606-83), Willem Kalf (1622-93), Willem Claesz Heda (1594-1681) oder Pieter Claesz (1597 & ndash; 1660).
** Einer der von Jan Vermeers Briefschreiberin beeinflussten Maler war der dänische Genremaler Vilhelm Hammershoi (1864-1916)
Vermeers Haltung wurde als ritterlich beschrieben, und ohne den Begriff vollständig zu akzeptieren, braucht man sich nicht damit zu streiten. Es erscheint auch nicht sentimental, die Tatsache zu betonen, dass sich dieser häusliche Kultus, dieser zart verehrende Feminismus, um seine schöne und zweifellos effiziente Frau Catherine Bolenes zu drehen scheint , die er mit einundzwanzig geheiratet hat und die immer noch bescheiden war Schönheit, als er mit dreiundvierzig starb.
Jan Vermeer wurde 1632 in Delft am All Hallows geboren Rembrandt signierte Dr. Tulps Anatomiestunde . Im April 1653 heiratete Venneer und wurde Ende des Jahres von der Malergilde als Meister zugelassen. Er war 1662, 1670 und 1671 das Oberhaupt. Er starb im Dezember 1675 und hinterließ seiner Bäckerin eine Witwe und acht Kinder sowie erhebliche Schulden. Biografisch wissen wir wenig mehr über ihn.
Nur eines seiner frühen Bilder, die Procuress (1656), ist datiert. Jede Chronologie ist also von Rückschlüssen aus dem Stil abhängig und muss als ungewiss angesehen werden. Der schlafende Diener ist rembrandtischer und sieht früher aus als jeder andere Vermeer. Es ist feinfühlig in Braun gehalten, wie es Rembrandt und noch mehr Nicolas Maes, damals ein junger Schüler von Rembrandt, suggeriert. Keines der leuchtenden Blaugraus, die für Vermeers entwickelten Stil so charakteristisch sind, ist vorhanden. Die Komposition ist locker und ohne die später komplizierten Verfeinerungen.
Zwei ziemlich große Bilder, Christus im Haus von Martha und Maria (1654-55, Nationalgalerie von Schottland ) von Jan Vermeer Christ mit Mary und Martha und Diana und ihren Nymphen bieten ein merkwürdiges Problem. Beide sind ausgesprochen italienisch. Bereits die leuchtend blaugraue Tonalität wird wunderbar genutzt. Christus mit Maria und Martha ist vielleicht Vermeers größte Erfindung, wenn nicht sein schönstes Bild. Die meisten Maler. dieses Themas haben sich mit der Idealistin Mary gegen ihre praktische Schwester ausgesprochen. Vermeer folgt treu dem Neuen Testament, indem er Maria eine Überlegenheit in Bezug auf geistige und körperliche Schönheit verleiht, aber er macht Martha, die auf der Würde ihrer Haushaltsaufgabe besteht, gleichermaßen edel und beeindruckend. Da die Würde der Haushaltsaufgabe das beste Thema für Vermeer sein sollte, ist diese Unparteilichkeit von Bedeutung. Abgesehen von diesen literarischen und moralischen Überlegungen ist das Bild sehr stark konstruiert und komponiert. Das Verkürzung Das Hin- und Herschwingen der kraftvoll verwirklichten Körper ergibt ein ungewöhnliches Gefühl von Raum und Aktualität. Das lineare Muster scheint von geringer Bedeutung zu sein, und dies ist wiederum merkwürdig für einen Künstler, der das lineare Muster bald am genauesten anwenden sollte.
Noch etwas anderes sind Diana und ihre Nymphen . Die Komposition ist barock und bewegt sich in asymmetrischem Gleichgewicht von links nach rechts. Die blaugraue Tonalität, jetzt mit gelben Kontrasten, handelt von der von Mary und Martha. Der Look ist wieder italienisch, aber mit einem Unterschied, denn ein Italiener hätte Diana und ihre Nymphen selbstverständlich nackt dargestellt. Vermeer vermittelt stattdessen den allgemeinen Eindruck einer Gruppe gesunder niederländischer Mädchen, die bescheiden, aber barfuß gekleidet sind und auf eine Party gehen wollen. Aber dieser charmant rustikale erste Eindruck täuscht. Dies sind zwar pralle und attraktive niederländische Mädchen, aber sie tragen nichts, was ihre Bewunderer als zeitgenössisches Kostüm erkennen würden. Diese Roben sind eine Art Kompromiss mit dem Ideal der klassischen Vorhänge. Dabei beruhen, wie bei Maria und Martha, bestimmte auf den ersten Blick naheliegende Lösungen des Bildproblems tatsächlich auf einem sehr diskriminierenden Geschmacksakt. Wir können jederzeit sicher sein, dass Vermeer erst nach längerer Betrachtung seines Themas gemalt hat. Diese beiden Bilder dürften 1654 oder 1655 entstanden sein.
Sie zeigen, dass Vermeer sehr ernsthaft damit beschäftigt ist, den Italiener zu assimilieren Renaissance Stil wie von den besten vielseitigen oder interpretiert Barock Meister. Man ist versucht zu fragen, wie weit er gegangen wäre, wenn er die Ader fortgesetzt hätte. Offensichtlich hätte er mit den besten Barockmalern von Venedig und Neapel mithalten können.
Vermeers Abendmahl in Emmaus zeigt bereits in seiner Entstehung die Lieblingsbalance von blassem Blau und Gelb. Das Gemälde sucht mit größter Sorgfalt nach allen Texturen, so dass man auf den ersten Blick das Bild spanisch finden könnte. Die Gruppe ist bewundernswert zusammengestellt; das scharf umrissene helle länglich der tischdecke und die spitze des fensters auf der linken seite kontrastieren wirkungsvoll mit den sonst massiv gerundeten formen. Die Platzierung der vier Figuren in vier Abständen wird hervorragend erreicht; alle massen sind fest verankert, aber weit hinter der bildebene verborgen und tragen mehr raumgefühl mit sich, als es in vermeers späteren bildern üblich ist.
Vermeer hat sich mit dem Ausdruck der Gesichter beschäftigt. Der Christus, der sich offenbart, als er das Brot bricht, ist unendlich erbärmlich und gütig. Man spürt zutiefst die Nähe der Tortur von Golgatha. Die gespannte Aufmerksamkeit der beiden Pilger und der Begleiterin drückt sich mit Schärfe aus und variiert nachdenklich je nach Charakter. Sehr meisterhaft ist der Ausdruck des Pilgers mit dem Rücken gewandt und seinen Zügen verborgen. Eine äußerst exquisite kompositorische Passage ist die Anordnung der drei sichtbaren Hände in einer Art umgekehrten Halbmond.
Einige Kunstexperten sind der Ansicht, dass die Lichtverteilung und die Konstruktionsmethode dieses Bildes eine Untersuchung der Utrecht Caravaggians und insbesondere der Arbeit von Hendrik Ter Brugghen implizieren. Was der Fall zu sein scheint, ist, dass der junge Vermeer für das feinere italienische und italienisierende Gefühl des Augenblicks einzigartig beeindruckbar war und sich unter den gegebenen Umständen zu einem der feinsten Maler religiöser und mythologischer Themen seiner Zeit entwickelt hätte. Für einen jungen Maler, der in der protestantischen Stadt Delft eine Familie mit seiner Kunst ernähren musste, war eine solche Karriere jedoch nicht möglich. Die Enttäuschung über Vermeers ehrgeizigsten Ehrgeiz mag, wie wir sehen werden, ein Gewinn für uns gewesen sein.
Für einen anderen berühmten Künstler in Delft, siehe Emanuel de Witte (1615-92), der für seine weiß getünchten Kirchenräume bekannte Architekturmaler.
Die Frage, wie Vermeer gekommen ist, um die Italiener zu studieren, welche Bilder er vielleicht gesehen hat, ist interessant, aber eigentlich nicht sehr wichtig. Es ist wahrscheinlich, dass Leonard Bramer italienische Bilder oder Stiche mitgebracht hat, die einen so sensiblen und forschenden Geist wie Vermeer’s zutiefst berühren würden. Auf jeden Fall gab es eine Fülle guter reproduktiver Stiche früherer und neuer italienischer Gemälde, und man muss nicht unbedingt über dieses Material hinausblicken, um Vermeers Anfänge der italienischen Malerei zu erklären. Es wurde auch keine Mühe verschwendet, auch wenn dies nicht weiter verfolgt wurde. Die Studie, die Vermeer der Herstellung von Maria und Martha , Diana und ihren Nymphen und dem Abendmahl in Emmaus widmete, stellte eine liberale Ausbildung in Komposition und Geschmack im Allgemeinen dar und diese Ausbildung sollte er bald nach soliden holländischen Maßstäben anwenden.
Wahrscheinlich vor allem, weil es in Delft keine Existenzgrundlage für eine solche Arbeit gab, versuchte er ein neues Experiment in der Procuress von 1656. Diese brillant gefärbte Charakterstudie in halber Länge und auf einem merkwürdig geteilten Quadrat suggeriert kompositorisch Caravaggio und seine Schule. und noch auffälliger, obwohl die Stimmung ganz anders ist, die Komik des Italieners Hollander, Van Laer, genannt "Il Bamboccio". Es ist wunderschön bemalt, die scharfen Farben sind ebenso ausgewogen und harmonisch wie die des berühmten Porträtisten Frans Hals zwanzig Jahre zuvor. Mit Ausnahme der jungen Kurtisane, deren Gesicht so rein ist wie das von Maria von Bethanien, ist die Charakterisierung eindeutig und meisterhaft. Der sinnliche junge Sport und der intrigante alte Kerl sind voll lebendig. Aber es gibt wenig Sinn für eine Beziehung zwischen den Figuren, und die sozialen Freuden des Bordells werden nicht einmal angedeutet. Stellen Sie es sich als einen großartigen Potboiler vor, der es glücklicherweise nicht geschafft hat, die Schirmherrschaft zu gewinnen.
Wahrscheinlich malte er während dieser Experimente das erste Bild, das der durchschnittliche Kunstliebhaber von heute als seins erkennen würde, die Milchmagd . Es zeigt die kühle Pracht seiner blaugrauen Leuchtkraft, die üppige Figur ist groß und edel in ihrer Konstruktion, der gewöhnliche Akt des nachdenklichen Ausgießens von Milch ist mit einer fast sakramentalen Feierlichkeit behaftet. Die Haltung der Frau scheint sofort zu sehen, selbst überrascht, aber mit größter Überlegung herausgearbeitet. Ein solches Gefühl war in der Kunst der Malerei erst zwei Jahrhunderte später zu spüren Jean Francois Millet gemalt bei Barbizon, und er hat Vermeers "weiße Magie" nie gesucht oder eingefangen, die sich in diesem bewundernswerten Bild zum ersten Mal in ihren Bann zieht. Vielleicht, weil eine Küche in Möbeln, Bildern usw. nicht die Elemente der späteren kompositorischen Komplexität Vermeers bietet, scheint das Muster dieses Bildes im Vergleich zu dem der späteren Arbeiten uninteressant. Ich denke, das Bild ist eher das bessere für eine Einfachheit, die von entscheidender Bedeutung ist, und es scheint mir nicht, dass Vermeer die Milchmagd jemals wirklich übertroffen hat.
Die Bilder, die wir als nächstes betrachten werden, wurden wahrscheinlich alle zwischen 1656 und 1666, dem vierundzwanzigsten bis vierunddreißigsten Jahr Vermeers, gemalt. In ihnen kapitalisierte er die schwere, aber gütige Bürde eines teuren Hauses und einer schnell wachsenden Familie. Diese kleinen Bilder drehen sich in der Regel um die Figur einer Frau, die in einem Raum eines anspruchsvoll eingerichteten und schön gepflegten Hauses arbeitet oder in der Freizeit arbeitet. Das Licht fällt normalerweise sanft von einem Flügel links ein, stiehlt sich über kühle graue Wände, streichelt Zinn- oder Lattenkrüge und hebt die tiefen Farben eines Orientteppichs hervor, der als Tischdecke dient und auf der Schnitzerei von massiven Stühlen oder Bildern funkelt Rahmen, die auf das geografische Muster in einer hängenden Karte hinweisen, schließlich und vor allem die abgerundeten Formen der Frau mit einer Autorität herausstellen, die ebenso überzeugend wie sanft ist. Diese Handhabung des Lichts ohne starke Kontraste als Konstruktionsfaktor ist das technische Unterscheidungsmerkmal von Vermeers Malerei und verbindet ihn mit dem Größten Figurenmaler aller Zeiten.
Von diesen Bildern mit einer Frau als Fokus ist das Perlencollier das exquisiteste – in der Perfektion seines Emails und seiner Schillernden von blassgelb und blau. Die Haltung, die Hände, die die Bucht der Halskette anheben, ist, obwohl sie anscheinend beiläufig ist, wirklich sehr studiert, um einen bescheidenen Stolz im Besitz auszudrücken. Alles scheint von den Perlen und der perlmuttartigen Zartheit des Gesichts ihres Trägers auszugehen. Das ganze Gemälde ist von der exquisitesten Art.
Meditativer gedacht und möglicherweise abwechslungsreicher, wenn auch weniger wertvoll als die Farbe, sind zwei Bilder (in Amsterdam und Dresden) zum Thema einer Frau, die still steht, während sie einen Brief liest. Möglicherweise ist das Bild in Amsterdam umso feiner, je umfangreicher die Konstruktion der Figur ist und je dichter und rauher das Muster der Karte und der von ihr und den Stuhllehnen hergestellten Rechtecke ist. Es hat auch eine attraktive Gemütlichkeit, die der aristokratischeren Version in Dresden fehlt.
Ein weiteres Juwel unter diesen Interieurs mit einer Hausfrau ist das großartige kleine Vermeer, das verschiedentlich als Frau in einem Flügel oder mit einem Krug bezeichnet wird. Die Frau lässt nur die Morgenluft ein, während sie aufräumt, räumt aber mit einer Geste auf, die so großartig ist wie die einer Sibylle von Michelangelo . Die Größe ist von entscheidender Bedeutung und nicht stilistisch unterstellt. Vermeer hatte genau eine solche Haltung gesehen und sich daran erinnert, wie das tägliche Ritual, das sein Zuhause zu einer Freude machte, durchgeführt wurde. Er zeichnet es mit Dankbarkeit und Zuneigung auf, erweitert es durch jedes kompositorische Mittel, das seine Würde ausdrücken und den Charakter des Ortes vermitteln könnte. Alle seine Vollkommenheiten in Bezug auf das Gleichgewicht und die Manipulation von lichterzeugenden und formgebenden Farben sind auf diesem Bild so leise zu sehen, dass man sie leicht übersehen kann. Für konzentrierte Eleganz in Gefühl und Ton hat das kleine Mädchen, das Spitze macht , keine Konkurrenz. Und wieder ist es keine Eleganz, die dem effizienten Mädchen bei seiner weiblichen Aufgabe willkürlich auferlegt wird – die Eleganz liegt im Akt selbst, in den fleißigen, geschickten Händen, die sorgfältig eine Routineaktion ausführen. Vermeer idealisiert und sentimentalisiert diese Haushaltsbüros nicht im gewöhnlichen Sinne, sondern entdeckt und enthüllt sie in einer Schönheit, die im Allgemeinen von Gebrauch und Gewohnheit verdeckt wird.
Vermeer folgt in seinen wenigen formalen Porträts in seiner ersten objektiven Weise diskret dem Beispiel Rembrandts und verzichtet vernünftig auf die studierte, dekorative Wirkung seiner Genrebilder. Eine solche Arbeit hat seine Vorstellungskraft nicht tief in Anspruch genommen, und in dieser Phase ist er nur einer von zwölf überlegenen niederländischen Porträtisten der Gegenwart. Ausnahme muss für den Kopf eines Mädchens gemacht werden . Mit seiner außergewöhnlichen Realität ist es eher eine Charakterstudie als ein Porträt im formalen Sinne. Einfach als Formkonstruktion in Tönen, die den Wert von Licht haben, ist es vielleicht eines von zwölf schönsten Bildern der Welt. Und hier darf angemerkt werden, dass die Formen eines feinen Malers niemals Ausbuchtungen sind, niemals dem Auge zugewandt sind, keinen Bezug zu den Formen der Skulptur haben. Sie existieren lediglich in einer Bildwelt, die das Auge zum Betreten und Erkunden einlädt. Es erforscht und überprüft das Vorhandensein der Formen und ihre Gültigkeit. So ist der Weg von Rembrandt, Hals, Velazquez Und technisch gesehen ist Vermeer von ihrer großartigen Gesellschaft. Abgesehen von der technischen Perfektion dieses Kopfes eines Mädchens ist sein Reichtum an Charakterisierung – seine Andeutung von körperlicher und moralischer Vitalität, von menschlichem Wert und von Liebenswürdigkeit. Das Studium dieses kleinen Bildes, das Vermeers Genie als Inbegriff hat, sollte zeigen, dass menschliche Unwägbarkeiten der Bewunderung und Sympathie darin ebenso wichtig sind wie die Genauigkeit der Beobachtung und die Perfektion des technischen Einfallsreichtums.
Einige sehr feine Kompositionen mit zwei Figuren fallen wahrscheinlich in dieses wunderbare Jahrzehnt. Der Musikmeister und sein Schüler ist der bemerkenswerteste. Die beiden Figuren, das Mädchen am Spinett von hinten gesehen, sind tief ins Bild gesetzt und untergeordnet, als Wiederholungen von runden Formen wie dem Cello auf dem Boden und der Steinzeugvase auf dem Tisch. Während die Figuren sehr notwendig sind und das Verhältnis von Meister zu Schüler gut erkannt wird, ist das Bild tatsächlich zu einem Porträt eines Raumes geworden. Das allgemeine, strenge Muster der verschiedenen Vierecke wird durch den schweren Orientteppich variiert, der schwer und unregelmäßig vom Tisch fällt und sich über den Boden ausbreitet. Absolut unverzichtbar ist der kleine graue Krug auf dem Tisch, der die wenigen runden Elemente einer im Allgemeinen rechteckigen Komposition in den Mittelpunkt rückt. Denken Sie den Krug weg, oder bedecken Sie ihn mit einem Finger in einer Reproduktion, und das ganze Bild wird langweilig. Mit Ausnahme des Liebesbriefs , in dem die kompositorischen Komplikationen vielleicht zu offen und raffiniert sind, ist dies der komplizierteste aller Vermeers und ohne Verlust der Natürlichkeit der Wirkung.
Sein Außenbild, der Blick auf Delft, setzt auf den Kontrast des matten Rotes der Ziegeldächer mit einem vorherrschenden Grau, das hier und da in tiefes Blau übergeht. Das Gefühl der Textur in den Backsteinhäusern und schweren Lastkähnen wird durch ein System von schweren Punkten gegeben, die eine positive Koruskation ergeben. Die neutrale Tönung des Teils des nahe gelegenen Strangs ist eine Terrakotta, die zu Lachsrosa neigt. Überall ist das Gemälde von der kostbarsten Art, obwohl die Wirkung nur unprätentiös natürlich und richtig ist. Es könnte keine zartere Hommage eines Malers an eine geliebte, einheimische Stadt geben.
Unter den anscheinend späten Vermeers ist Lady and Servant sehr schön gemalt, aber das leichte Motiv rechtfertigt den großen Maßstab kaum. Das Bild balanciert unsicher zwischen Porträt- und Genremalerei und überzeugt in beiden Punkten nicht. Für die Feinheiten der Komposition ist der Brief einer der interessantesten Vermeer. Es ist scharf gegen hohe Rechtecke, Rechtecke und das Rautenmuster des Pflasters gebaut. Man schaut durch ein Vestibül, durch eine offene Tür, wohin eine reich gekleidete Frau schaut, die die Tastatur einer Laute hält und sitzt. scharf über die Schulter bei einer ehrerbietigen Magd, die gerade den Brief noch ungeöffnet in der freien Hand der Dame abgegeben hat. Ein kleines Drama ist angedeutet. Es gibt einen seltsamen Erscheinungseffekt, wenn ein Ereignis in einem anderen Licht und fast in einer anderen Welt als der des Betrachters stattfindet. Genial.
Vermeer war ein inerranter Blick, ein anspruchsvoller und selbstbewusster Künstler, ein frommer Bewunderer von Frauen, sei es in Bezug auf Freundlichkeit oder Nützlichkeit, ein Liebhaber seiner Heimat. Es scheint, als müsse uns eine so weit gefasste moralische Einschätzung genügen, denn das einzige Porträt seiner Person wendet sich uns zu. Das berühmte und ziemlich große Bild, das Atelier (aka The Artist’s Studio ), ist perfekt gemalt und wiederholt in unauffälliger Form jene Verfeinerungen der Komposition, die wir gerade im Fall des Briefes besprochen haben. Der Maler an der Staffelei, in seinen fantastischen gestreiften Wams und zerknitterten Seidenstrümpfen, ist in unserer Welt. Der schwere, brokatierte Vorhang, der Tisch, die Sparren, die große Landkarte schnitten einen anderen Raum ab, eine andere Welt, durch die die seltsamsten Erscheinungen verlaufen – eine Frau mit eher javanischem Aussehen, geschlossenen Augen, fantastisch mit großen Haaren geschmückten Haaren Die linke Hand hält einen großen Folioband fest und die rechte Hand balanciert eine lange, gerade Trompete horizontal. Was soll das alles heißen? Vielleicht sollten wir es nie wissen, vielleicht wusste es Vermeer selbst nicht. Es ist leicht zu erkennen, dass die wulstige und gebrochene Kontur des Vorhangs der Frau – es ist das, und nicht das Kleid – genau das war, was zwischen der Ecke des Tisches und der der Karte gebraucht wurde, das verkürzte Viereck des großen Buches trägt die windel des pflasters in den oberen teil des bildes, dass der phantastische kopfschmuck das oval des kopfes von einer ansonsten vielleicht faden präsentation befreit. Kurz gesagt, es gibt klangliche Gründe für alles, was auf dem Bild bizarr und rätselhaft erscheint.
Viele niederländische Genremaler übertrafen Vermeer an Energie und Umfang. Keiner, nicht einmal Rembrandt, produzierte einen Stil von Malerei der schönen Kunst gleichzeitig so lyrisch und so absolut wahrheitsgetreu. Sein Thema, die Heiligkeit der Frau, die ein glückliches und geordnetes Zuhause schafft, schien ihm nur wenige Variationen zuzulassen und weder Nachdruck noch Verzierung zu benötigen. Insofern scheint seine Kunst objektiv und in gewissem Maße streng zu sein. Aber die Strenge ist warm mit implizitem Gefühl und drückt sich in einem Stil aus, der, wenn auch zurückhaltend, immer üppig ist.
Werke von Jan Vermeer sind im zu sehen beste Kunstmuseen auf der ganzen Welt, einschließlich der Rijksmuseum und das Mauritshuis in den Niederlanden.
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