Wie man Gemälde schätzt Automatische übersetzen
Giottos Freskenbilder
in der Scrovegni-Kapelle,
Padua, Italien. (1303-10)
Kunstvermittlungsserie
Dieser Kunstanerkennungsaufsatz,
geschrieben von unserem General Editor
Neil Collins, ist konzipiert für
Kunststudenten und Kunstschulen
als Teil unserer laufenden Serie
auf Kunsterziehung. Zur Analyse
von tollen Bildern, siehe:
Berühmte Gemälde analysiert.
Zusätzliche Ressourcen
Gemälde ist eine visuelle Kunst, was bedeutet, dass die größte Gemälde In der Regel sind es diejenigen mit der größten visuellen Wirkung, während die beliebtesten Malbewegungen in der Regel diejenigen sind, die für das Auge am einfachsten sind. Dies bedeutet jedoch nicht, dass das Malen trivial oder oberflächlich ist. im Gegenteil, viele Bilder können sehr komplex sein. Eine solche Komplexität ergibt sich aus den künstlerischen Methoden zum Malen des Bildes ) colorito) und / oder seinem narrativen Inhalt und seiner Botschaft ) disegno). Die verwendeten Maltechniken können sehr unterschiedlich sein. Jan Van Eyck war berühmt für seine virtuose Ölmaltechnik, um sein charakteristisches leuchtendes Ende zu erzielen; Mantegna und Tiepolo für ihre Verkürzung ; Leonardo für sein sfumato ; Michelangelo für sein Freskenmalerei Technik, anatomische Fähigkeiten und männliche Akte; Tizian, Veronese, Matisse und Jawlensky für ihren Kolorismus; Caravaggio für seinen Tenebrismus; Rembrandt für seinen Chiaroscuro ; Masaccio, Raphael und Canaletto für ihre lineare Perspektive; Degas für seine Pastellzeichnungen; Georges Seurat und Paul Signac für ihren Pointillismus; Frank Auerbach für sein pastos . Diese und viele weitere Techniken sind wichtige Elemente, die zur Erhöhung der Komplexität und Tiefe eines Bildes eingesetzt werden können. Um ein Gemälde zu würdigen, muss man das Vorhandensein dieser Elemente und ihre Auswirkungen analysieren.
Farbe war schon immer ein wichtiges Merkmal, und seine Verwendung unterlag oft bestimmten Regeln. Ägyptische Maler verwendeten zum Beispiel nur sechs Farben: Rot, Grün, Blau, Gelb, Weiß und Schwarz. Rot war die Farbe von Macht und Autorität. Grün symbolisierte neues Leben und Fruchtbarkeit. Blau symbolisierte die Wiedergeburt, während Gelb das Ewige symbolisierte, wie die Eigenschaften von Sonne und Gold. Weiß symbolisierte Reinheit, während Schwarz die Farbe des Todes war. Männliche Körper waren immer dunkler gefärbt als weibliche. Das Verständnis dieser Farbregeln ist wichtig, um ägyptische Gemälde lesen zu können. Byzantinische Ikonenmaler unterlagen ähnlichen Regeln im Umgang mit Farben. Blau war dem menschlichen Leben vorbehalten, Weiß der Auferstehung und Verklärung Christi. Wenn Sie die Ikonen Christi und der Jungfrau Maria analysieren, werden Sie feststellen, dass Jesus normalerweise eine rote Unterwäsche mit einem blauen Oberkleid trägt (Gott wird ein Mann), während Maria eine blaue Unterwäsche mit einem roten Überkleid trägt (sie begann als Mensch, aber kommt Gott näher). Nach der Renaissance legten die aufstrebenden europäischen Kunstakademien Regeln fest, die die Verwendung heller Farben einschränkten, sofern der Kontext nicht angemessen war. Diesbezüglich kam es zu mehreren Auseinandersetzungen mit Koloristen wie Rubens (und später Delacroix), die sich gegen Poussin (und später Ingres) aussprachen. Erst mit dem Aufkommen der französischen Impressionisten und Fauvisten wurde die Farbe als eigenständiges Element frei verwendet. Natürlich beeinflusste die Entwicklung neuer Farbpigmente von Zeit zu Zeit das den Malern zur Verfügung stehende Farbspektrum erheblich. Die Farben auf einer Renaissance-Farbpalette sahen also ganz anders aus als auf einer Palette aus dem 19. Jahrhundert.
Der erzählerische Inhalt eines Bildes umfasst mindestens vier grundlegende Arten von Inhalten:
❶ Die Hauptbotschaft.
❷ Nebennachrichten.
❸ Symbolik.
❹ Verweise und Analogien. All diese Elemente bedürfen einer Interpretation und Analyse, bevor wir das betreffende Gemälde wirklich würdigen können.
Der Garten der irdischen Freuden (1500-05) von Hieronymus Bosch, eines der größten Renaissance-Gemälde, kann als Illustration für diese narrativen Elemente dienen.
❶ Die Hauptbotschaft des Triptychons ist, dass die Menschheit von Natur aus sündig ist und dem Wort Gottes folgen muss, um Höllenfeuer und Verdammnis zu vermeiden.
❷ Nebenbotschaften umfassen: (A) Männer und Frauen, die auf sich allein gestellt sind, erliegen den Versuchungen des Fleisches (dargestellt auf der gesamten zentralen Tafel des Triptychons). (B) Vergnügen ist so zerbrechlich wie Glas (dargestellt von einem Liebespaar in einer Glasblase). (C) Unstimmigkeiten, vergebliche Personen und andere Todsünder werden im Jenseits bestraft (siehe Abbildung rechts).
❸ Bosch verwendet im gesamten Werk Symbolik. Im Garten Eden (linke Tafel) ist die langnasige Figur, die ein Buch liest, ein Symbol für das Böse. Im Garden of Delights (Mitteltafel) zum Beispiel ist Obst ein Symbol für körperliche Versuchung, also war das Zupfen von Früchten eine Metapher für die Verführung, während die Peelings, die die Liebenden so faszinieren, Wertlosigkeit symbolisierten.
❹ Referenzen gibt es zuhauf. Zum Beispiel malt er in der Hölle einen Mann, dessen hohler Torso eine Art höllische Taverne enthält, die von ruhenden "Teufeln" frequentiert wird. Zwei riesige Ohren werden von einem Pfeil durchbohrt und von einer Messerklinge geschnitten. Das Objekt symbolisiert die Taubheit des Menschen gegenüber der Ermahnung aus dem Neuen Testament: "Wenn jemand Ohren zum Hören hat, lass ihn hören."
Hinweis: Weitere Tipps und Ratschläge zum Lesen eines Gemäldes finden Sie unter: Kunstbewertung: Wie man Kunst schätzt.
Hieratische Malstile wie die byzantinische Kunst (um 500-1430) – insbesondere ihre Ikonen -, die westliche Gotik (um 1150-1375) und ihr ultimativer Ausdruck, die internationale Gotik (um 1375-1450) – waren typischerweise voller Erzählungen Symbolismus. Da es sich bei den meisten dieser Stile um christliche Kunst handelte, folgte die verwendete Symbolik strengen Konventionen, was die Dekodierung erheblich erleichterte. Renaissance-Altarbildkunst (1400-1600) war oft schwieriger zu interpretieren, ebenso wie die fantastischen Bilder niederländischer Künstler wie Hieronymus Bosch und Pieter Bruegel the Elder. Die Hochrenaissance mit öffentlichen Werken von Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo (1475-1564) und Raffael (1483-1520) war wohl der Höhepunkt dieser Ästhetik. Im Vergleich dazu war die Barockmalerei (im Großen und Ganzen) weniger kompliziert und konzentrierte sich auf die Vermittlung der Botschaft der katholischen Gegenreformation, um die Anziehungskraft des Protestantismus zu überwinden. Die besten barocken Gemälde bestanden aus Deckenfresken von Trompe l’Oeil und großformatigen religiösen Werken. Die große Ausnahme bildete die niederländische Barockkunst, insbesondere die Realistische Schule, deren Stillleben mit kryptischen Bildern überfüllt waren.
Für Biografien von Fachkritikern wie John Ruskin und andere, siehe: Kunstkritiker: Kritik der bildenden Kunst (Seit 1750).
Niederländischer Realismus (um 1630-90): Schwierige Gemälde zu lesen und zu schätzen
In der Zeit (1600-90) haben die protestantischen niederländischen Provinzen der Niederlande eine Reihe außergewöhnlicher Schulen des niederländischen Realismus ins Leben gerufen, darunter die in Amsterdam, Haarlem, Dordrecht, Leiden, Delft und Utrecht. Dieser Aufschwung der niederländischen Malerei im 17. Jahrhundert war zum Teil das Ergebnis des wachsenden wirtschaftlichen Wohlstands der flämischen und niederländischen Häfen und des Aufkommens eines neuen Typs niederländischer Kunstkäufer – des materialistischen Kaufmanns. In jedem Fall war die niederländische Realismus-Bewegung für einige der größten Genrebilder verantwortlich, die je gesehen wurden, sowie für einige der akribischsten und komplexesten Stilllebenbilder, von denen viele äußerst schwierig zu analysieren und zu interpretieren sind. Beispiele sind Werke von niederländischen Realisten wie folgt: Girl with the Red Hat (1665-6), The Artist’s Studio (1665-6) und The Letter (1668) von Jan Vermeer; The Nightwatch (1642), Bathsheba (1654) und Syndics of the Cloth-Makers Guild (De Staalmeesters) (1662) von Rembrandt; Stillleben mit chinesischem Porzellanglas (1662) und Stillleben mit einem Nautilusbecher (1662) von Willem Kalf; Eine Tafel mit Desserts (1640) und eine Girlande mit Früchten und Blumen (um 1660) von Jan Davidsz de Heem; Blick auf den Korridor (1662) von Samuel van Hoogstraten und vielen anderen.
Rückgang der religiösen Malerei (ab 1700)
In den letzten Jahren des Barock erlebte die religiöse Kunst aufgrund des Rückgangs der Zahl der kirchlichen Gönner erstmals einen deutlichen Rückgang. An ihrer Stelle wuchs eine neue Klasse individueller, oft weltlicher Gönner auf. Darüber hinaus wollten diese neuen Kunstkäufer, die in der Regel der aufstrebenden Berufs- und Mittelschicht angehörten, eine neue Art von Kunst. Statt großformatiger Arbeiten für große öffentliche Gebäude (Kirchen, Institute usw.) sollten kleine, tragbare Staffelei-Gemälde in ihren Häusern hängen. Außerdem interessierten sich diese Kunstkäufer der Mittelklasse mit einigen Ausnahmen nicht für komplexe religiöse Gemälde wie Leonardos Abendmahl (1495–1498) oder andere allegorische Werke wie Botticellis Primavera (1478). Stattdessen wollten sie Porträts, Landschaften oder Genrebilder, die ihren Reichtum, ihren Status und ihre weltliche Macht zeigten. Mit anderen Worten, ein wachsender Prozentsatz der bildenden Kunst ab hier (um 1700) war relativ materialistisch (mit weniger arkanen Bezügen) und daher leichter zu analysieren und zu interpretieren.
Interpretation verschiedener Malarten (ab 1700)
Aus der Sicht der Analyse und Interpretation lassen sich Gemälde seit 1700 am besten in Typen (Gattungen) einteilen. Die Haupttypen sind:
❶ Geschichtsmalerei.
❷ Porträtkunst – Einzel-, Gruppen- oder Selbstporträts.
❸ Genre-Malerei (Bilder aller Szenen).
❹ Landschaftsmalerei.
❺ Stillleben.
Geschichtsbilder: Am schwersten zu verstehen und zu interpretieren
Diese Kategorie umfasst alle erzählerischen Werke mythologische Malerei sowie historische und religiöse Bilder. Dies ist normalerweise die am schwierigsten zu interpretierende Art von Bild, da es eine inspirierende oder philosophische Botschaft vermitteln soll. Seit 1700 sind jedoch sowohl seine Popularität als auch seine Anzahl deutlich zurückgegangen. Beispiele sind: Tod von Marat (1793) von Jacques-Louis David, Der Dritte Mai 1808 von Francisco Goya, Orpheus (1865) von Gustave Moreau, Der Morgen der Hinrichtung der Streltsy (1881) von Vasily Surikov, Religiöse Prozession in Kursk Gubernia (1883) von Ilya Repin, The Lady of Shalott (1888) von John William Waterhouse, The Yellow Christ (1889) von Paul Gauguin und Guernica (1937) von Pablo Picasso.
Porträtbilder: Einfach zu erkennen und zu analysieren
Diese Kategorie ist weniger komplex und relativ einfach zu analysieren. Für Adlige, Herren und Reiche diente in der Zeit um 1700-1900 ein Porträt der heutigen Fotografie, mit der Ausnahme, dass der Künstler das Bild manipulieren konnte, um Aussehen, Status und Macht zu optimieren. Die neuere Porträtmalerei ist tendenziell expressionistischer und daher interessanter zu interpretieren. Moderne Beispiele sind: Arrangement in Grau und Schwarz: Porträt der Mutter des Künstlers (1871) von James Whistler, Porträt von Madame X. (1883-4) von John Singer Sargent, Porträt von Isaac Levitan (1893) von Valentin Serov, Porträt der Journalistin Sylvia von Harden (1926) von Otto Dix, Porträt von Dora Maar (1942) von Pablo Picasso, Marilyn (1967) von Andy Warhol, Mr und Mrs Clark (1970) von David Hockney. [Anmerkung: Das mächtige Porträt von Winston Churchill, das von Graham Sutherland gemalt wurde, wurde von der Familie Churchill für inakzeptabel befunden und zerstört].
Genrebilder: Kann schwer zu lesen und zu verstehen sein
Diese Kategorie der Malerei ist in der Regel am einfachsten zu analysieren, wenn sich der Künstler auf die Sozialgeschichte der Szene konzentriert. Diese Art von Genremalerei würde Werke wie: Derby Day (1856-8) von William Powell Frith, Mann Mit Einer Hacke (1862) von Jean-Francois Millet, Die Kutsche der dritten Klasse (1864) von Honore Daumier, Binnenschifffahrt auf der Wolga (1870-3) von Ilya Repin, Pariser Straße, regnerischer Tag (1877) von Gustave Caillebotte, Mittagessen der Bootsfahrt (1881) von Pierre Auguste Renoir, Cafe Terrasse bei Nacht (1888) von Van Gogh, Im Moulin Rouge (1890) von Toulouse-Lautrec, Eine Landbrasserie, Brannenburg Bayern (1894) von Max Liebermann, Aus der Mühle (1930) von LS Lowry.
Wenn der Künstler jedoch ein Genrebild als Vehikel für eine philosophische Botschaft verwendet, kann seine Interpretation problematischer sein. Viele der städtischen Genre-Werke von Edward Hopper fallen in diese Kategorie, insbesondere Nighthawks (1942); Ein weiterer Genremaler, dessen Gemälde schwer zu lesen sind, ist der polnische Künstler Balthus (Balthazar Klossowski de Rola). Weitere komplexe Genrebilder sind: Les Demoiselles d’Avignon (1907) von Picasso, Berlin Street Scene (1913) von Ernst Ludwig Kirchner, Ennui (1914) von Walter Sickert, Pimp With Prostitutes (1922) von Otto Dix, American Gothic (1930) von Grant Wood, Christina’s World (1948) von Andrew Wyeth, A Bigger Splash (1967) von David Hockney. Eine Erklärung einiger der großen modernen Genrebilder finden Sie unter: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).
Landschaftsbilder: Normalerweise leicht zu verstehen und zu interpretieren
Von 1700 bis 1800 waren die meisten in Auftrag gegebenen Landschaftsbilder topografischer Art und wurden von Landbesitzern finanziert, die eine bildliche Aufzeichnung ihres Nachlasses wünschten: eine Art Porträt des Landes ) Mr and Mrs Andrews (1750) von Thomas Gainsborough). Diese Art von Landschaft ist oft total langweilig und bedarf keiner Interpretation.
Im späten 18. Jahrhundert löste die Romantik einen Aufschwung des Naturalismus aus, als Künstler aufs Land gingen, um die Natur einzufangen. Diese Art der Freilichtmalerei wurde in den 1840er Jahren durch die Erfindung des zusammenlegbaren Metallfarbrohrs erleichtert. Vertreter des Impressionismus wie Claude Monet, Alfred Sisley, Camille Pissarro und andere fallen in diese Kategorie, ebenso wie die großen russischen Landschaftsmaler des 19. Jahrhunderts wie Ivan Shishkin und Isaac Levitan. Ihre Bilder enthalten zahlreiche malerische Merkmale, die einer Analyse bedürfen, aber wenig eigenständige "Bedeutung", so dass sie in der Regel leicht zu lesen sind.
Schließlich umfasst die Landschaft auch szenische Gemälde mit einer philosophischen Botschaft. Diese erfordern mehr Interpretation. Beispiele sind: Hannibal und seine Armee überqueren die Alpen (1812) von JMW Turner, Last of the Mohicans (Serie) (1826) von Thomas Cole, Mann und Frau, die den Mond anstarren (1830-5) von Caspar David Friedrich, The Great Day of His Wrath (1853) von John Martin, Island of the Dead (1880) von Arnold Bocklin, Road to Vladimirka (1892) von Isaac Levitan, Wheat Field with Crows (1890) von Van Gogh und Nigredo (1984) von Anselm Kiefer.
Stillleben: Schwer zu interpretieren und zu verstehen
Diese Bilder können für den Komfort etwas zu statisch wirken, aber viele sind voller Symbolik, die den Traditionen des 17. Jahrhunderts entspricht. Stillleben sind daher möglicherweise außergewöhnlich schwer lesbar. Zu den herausragenden Malern des modernen Stilllebens zählen Paul Cezanne ) Stillleben mit Plastikamor, 1895), Georges Braque ) Stillleben auf einem Tisch, 1914) und der italienische Künstler Giorgio Morandi ) Stillleben, 1960).
Wie man abstrakte Bilder schätzt
Die Grundvoraussetzung hinter der abstrakten Kunst ist, dass die formalen Qualitäten eines Gemäldes ebenso wichtig sind wie seine Repräsentationseigenschaften. Zum Beispiel: Ein Bild kann eine sehr schlechte Zeichnung eines Frauenkopfes enthalten, aber wenn (sagen wir) seine Farben schön sind, können wir es dennoch als ein schönes Bild betrachten. Dies zeigt, wie eine formale Qualität (Farbe) eine repräsentative (Zeichnung) überschreiben kann. Umgekehrt kann ein Fotorealistenporträt derselben Frau eine exakte Reproduktion ihres Gesichts liefern, aber das hyperrealistische Farbschema und die allgemeine Komposition können das Bild leblos und langweilig machen. (Vergleichen Sie zum Beispiel die unterschiedlichen Herangehensweisen von Lucian Freud und Alexei Von Jawlensky an die Porträtmalerei.) Daher dreht sich bei der abstrakten Malerei alles um Form, und um sie zu interpretieren, müssen wir ihre formalen Qualitäten untersuchen – einschließlich Formen, Farben, Texturen und ihre gegenseitigen Beziehungen. Werden die Formen naturalistisch (Jean Arp, Joan Miro), geometrisch (Piet Mondrian) oder monumental (Sean Scully) verwendet? Was bewirken die verwendeten Farben? (Rothko, Barnett Newman) Hat der Künstler der Oberflächenbeschaffenheit des Bildes besondere Aufmerksamkeit geschenkt? Wie passen all diese Elemente zusammen? Und so weiter.
Hinweis: Weitere Tipps und Ratschläge zum Lesen eines Gemäldes finden Sie unter: Kunstbewertung: Wie man Kunst schätzt.
Analysierte Bilder (NEU!!)
Im Rahmen unserer Art Education-Reihe schreiben wir eine Reihe von Mini-Essays, in denen wir einige der besten Bilder analysieren und interpretieren, die jemals gemalt wurden. Siehe unten für Details. Fast täglich kommen neue Bilder hinzu. Bitte setzen Sie ein Lesezeichen auf diese Seite, um auf dem neuesten Stand zu bleiben.
Eine Liste der Top 50-Porträts finden Sie unter: Größte Porträtmalereien.
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