Kunstgeschichte: Ursprünge, Evolution der bildenden Künste Automatische übersetzen
Inhalt
Chronologische Zusammenfassung der wichtigsten Bewegungen, Stile, Epochen und Künstler, die zur Evolution und Entwicklung der bildenden Kunst beigetragen haben.
STEINZEIT KUNST (ca. 2.500.000 – 3.000 v. Chr.)
Mesolithikum – neolithisch
BRONZE AGE ART (3.000 – 1200 v. Chr.)
ägyptisch – Sumerisch – persisch – Minoisch – Bronzezeitliche Metallarbeiten
IRON AGE ART (c.1500-350 CE)
Mykene – Antike griechische Kunst – Etrusker – Keltische Kunst – Römische Kunst
MITTELALTERLICHE KUNST (c.350-1300 CE)
Byzantinische Kunst – Irische frühchristliche Kunst
Romanische Kunst (karolingisch, ottonisch) – gotisch
DIE RENAISSANCE (um 1300-1620)
Protorenaissance – Frühe Renaissance – Hohe Renaissance
Renaissance des Nordens – Manierismus
POST RENAISSANCE ART (um 1600-1850)
Barock- – Rokoko – Neoklassizismus – Romantik – Realismus
MODERNE KUNST (um 1850-1970)
Impressionismus – Post-Impressionismus – Kolorismus: Fauvismus
Skulptur des 19. und frühen 20. Jahrhunderts – Expressionismus
Design: Jugendstil / Bauhaus / Art Deco – Kubismus – Surrealismus
Amerikanische Kunst des frühen 20. Jahrhunderts – Abstrakter Expressionismus
Pop-Art – Skulptur aus der Mitte des 20. Jahrhunderts
ZEITGENÖSSISCHE KUNST (um 1970)
Postmoderne Malerei – Postmoderne Skulptur
Avantgarde – Architektur des 20. Jahrhunderts
Eine spezifische Chronologie der Ereignisse finden Sie unter:
Zeitleiste der Kunstgeschichte .
Eine kurze Anleitung zu Stilen finden Sie unter Kunstbewegungen, Perioden, Schulen .
Prähistorische Kunst stammt aus drei Epochen der Vorgeschichte: Altsteinzeit, Mittelsteinzeit und Jungsteinzeit. Das früheste aufgezeichnete Kunst ist der Bhimbetka Petroglyphen (ein Satz von 10 Cupules und eine Gravur oder Rille), gefunden in einem als Auditorium-Höhle bekannten Quarzitfelsenschutz in Bhimbetka in Zentralindien, der aus mindestens 290.000 v. Chr. stammt. Es kann sich jedoch herausstellen, dass es viel älter ist (ca. 700.000 v. Chr.). Dieser primitiven Felskunst folgten spätestens 250.000 v. Chr. Einfache Figuren (z. B. Venus von Berekhat Ram (Golanhöhen) und Venus von Tan-Tan (Marokko)) und ab 80.000 v. Chr. Die Blombos-Höhlensteingravuren und das Cupules im Felsenschutz der Dordogne in La Ferrassie. Prähistorische Kultur und Kreativität stehen in engem Zusammenhang mit Gehirngröße und Effizienz, was sich direkt auf "höhere" Funktionen wie Sprache, kreativen Ausdruck und letztendlich Ästhetik auswirkt. Mit dem Aufkommen von "modernen" Malern und Bildhauern aus Homo Sapiens (ab 50.000 v. Chr.) Wie Cro-Magnon Man und Grimaldi Man erleben wir einen gewaltigen Ausbruch prächtiger spätpaläolthischer Skulpturen und Malerei in Frankreich und auf der iberischen Halbinsel. Dies umfasst eine Reihe von Miniatur-Adipositas Venusfiguren (zB die Venusen von Willendorf , Kostenky , Monpazier , Dolni Vestonice , Moravany , Brassempouy , Gagarino , um nur einige zu nennen) sowie Mammutelfenbeinschnitzereien , die in den Höhlen von Vogelherd und Hohle Fels im Schwäbischen Jura gefunden wurden. Die größte Kunst der Vorgeschichte ist jedoch die Höhlenmalerei in Chauvet, Lascaux und Altamira.
Diese Wandbilder wurden in Höhlen gemalt, die als eine Art prähistorische Kunstgalerie gedacht waren, in der Künstler anfingen, Tiere und Jagdszenen sowie eine Vielzahl von abstrakten oder symbolischen Zeichnungen zu malen. In Frankreich gehören dazu die monochromen Chauvet-Höhlenbilder von Tieren und abstrakten Zeichnungen, die Handschablonenkunst in der Cosquer-Höhle sowie die polychromen Kohle- und Ockerbilder in Pech-Merle und Lascaux . In Spanien sind polychrome Bilder von Bisons und Hirschen in der Altamira-Höhle in Spanien zu sehen. Außerhalb Europas zählen zu den wichtigsten Beispielen für Felskunst: Kunstwerke der Ureinwohner von Ubirr (ab 30.000 v. Chr.), Tierfiguren in Holzkohle und Ocker in der Apollo 11-Höhle (ab 25.500 v. Chr.) In Namibia und Bradshaw-Gemälde (ab 17.000 v. Chr.) In Western Australien und die Handschablonenbilder unter anderem in der Cuevas de las Manos (Höhle der Hände) (ab 9500 v. Chr.) In Argentinien.
Mesolithische Kunst (ca. 10.000-4.000 v. Chr.)
Vor dem Hintergrund eines neuen Klimas, verbesserter Lebensbedingungen und konsequenter Verhaltensmuster räumt die mesolithische Kunst den menschlichen Figuren mehr Raum ein, zeigt schärfere Beobachtungen und eine umfassendere Darstellung in ihren Gemälden. Aufgrund des wärmeren Wetters bewegt es sich von Höhlen zu Orten im Freien an zahlreichen Orten in Europa, Asien, Afrika, Australasien und Amerika. Zu den mesolithischen Kunstwerken zählen die Felsmalereien der Buschmänner im südafrikanischen Waterberg, die Felsmalereien in den Rock Shelters von Bhimbetka in Indien und Kunst der australischen Aborigines aus dem Arnhem Land . Es bietet auch mehr 3-D-Kunst, darunter Basreliefs und freistehende Skulpturen. Beispiele für letztere sind die anthropomorphen Figuren, die in Nevali Cori und Göbekli Tepe bei Urfa in Kleinasien aufgedeckt wurden, sowie die Statuen von Lepenski Vir (z. B. Der Fischgott) in Serbien. Andere Beispiele mesolithischer tragbarer Kunst sind Armbänder, bemalte Kieselsteine und dekorative Zeichnungen auf funktionalen Objekten alte Keramik der japanischen Jomon- Kultur. Eines der größten Werke von Mesolithische Kunst ist die Skulptur " Denker aus Cernavoda " aus Rumänien.
Neolithische Kunst (ca. 4.000-2.000 v. Chr.)
In der "sesshafteren" und bevölkerungsreicheren Jungsteinzeit nahm das Handwerk wie Töpfern und Weben zu . Diese entstand in der Mittelsteinzeit ab etwa 9.000 v. Chr. In den südasiatischen Dörfern, danach blühte sie in China entlang der Flusstäler des Gelben Flusses und des Jangtse (ca. 7500 v. Chr.) – siehe Jungsteinzeit in China – dann im fruchtbaren Halbmond des Tigris- und Euphratstals im Nahen Osten (ca. 7.000) – die Wiege von Zivilisation ’- vor der Ausbreitung nach Indien (ca. 5.000), Europa (ca. 4.000), China (ca. 3.500) und Amerika (ca. 2.500). Obwohl die meiste Kunst in der Natur funktionell blieb, lag ein größerer Schwerpunkt auf Ornamentik und Dekoration. Zum Beispiel, Kalligraphie – eines der großen Beispiele chinesischer Kunst – taucht erstmals in dieser Zeit auf. Sehen: Chinesische Kunst Timeline für Details. Die neolithische Kunst zeigt auch freistehende Skulpturen, Bronzestatuetten (insbesondere von der Indus Valley Zivilisation ), primitiv Schmuck und dekorative Designs auf einer Vielzahl von Artefakten. Die spektakulärste Form der letzten Zeit Neolithische Kunst war Architektur : mit großen Steinstrukturen bekannt als Megalithen von den ägyptischen Pyramiden über die Durchgangsgräber Nordeuropas wie Newgrange und Knowth in Irland bis hin zu den Ansammlungen von großen aufrechten Steinen (Menhire) wie die des Stonehenge Steinkreis und Avebury Circle in England. (Weitere Informationen finden Sie unter: megalithische Kunst .) Das Hauptmedium der neolithischen Kunst war jedoch keramische Keramik , von denen die besten Exemplare in der Region Mesopotamien hergestellt wurden (vgl Mesopotamische Kunst ) und das östliche Mittelmeer. Weitere Informationen zur Chronologie finden Sie unter: Keramik-Timeline . Gegen Ende dieser Ära tauchen in Sumer Hieroglyphen-Schriftsysteme auf, die das Ende der Vorgeschichte einläuten.
Weitere Informationen zu prähistorischer Malerei, Skulptur, Architektur und Kunsthandwerk in dieser Zeit finden Sie unter: Steinzeit Kunst .
Die berühmtesten Beispiele der Kunst der Bronzezeit erschienen in der "Wiege der Zivilisation" rund um das Mittelmeer im Nahen Osten während des Aufstiegs von Mesopotamien (heutiger Irak), Griechenland, Kreta (minoische Zivilisation) und Ägypten. Die Entstehung von Städten, die Verwendung von Schriftsprachen und die Entwicklung ausgefeilterer Werkzeuge führten zur Schaffung eines weitaus breiteren Spektrums monumentaler und tragbarer Kunstwerke.
Ägyptische Kunst (ab 3100 v. Chr.)
Ägypten, die wohl größte Zivilisation in der Geschichte von Antike Kunst war die erste Kultur, die einen erkennbaren Kunststil annahm. Ägyptische Maler schilderten den Kopf, die Beine und die Füße ihrer menschlichen Untertanen im Profil, während sie das Auge, die Schultern, die Arme und den Oberkörper von vorne zeigten. Andere künstlerische Konventionen legten fest, wie Götter, Pharaonen und gewöhnliche Menschen dargestellt werden sollten, und regelten Elemente wie Größe, Farbe und figurative Position. Eine Reihe wundervoller ägyptischer Wachsmalereien, die als Fayum-Porträts bekannt sind, bieten einen faszinierenden Einblick in die hellenistische Kultur im alten Ägypten. Darüber hinaus ist der einzigartige Stil von Ägyptische Architektur kennzeichnete eine Reihe von massiven Stein Grabkammern, genannt Pyramiden. Das ägyptische Fachwissen in Stein hatte einen großen Einfluss auf die spätere griechische Architektur. Berühmt ägyptische Pyramiden Dazu gehören: Die Stufenpyramide von Djoser (ca. 2630 v. Chr.) und die Große Pyramide von Gizeh (ca. 2550 v. Chr.), auch Pyramide von Khufu oder „Pyramide von Cheops“ genannt.
Sumerische Kunst (ab 3500 v. Chr.)
In Mesopotamien und im alten Persien entwickelten die Sumerer ihr eigenes einzigartiges Gebäude – eine alternative Form einer Stufenpyramide namens Zikkurat . Dies waren keine Grabkammern, sondern von Menschenhand geschaffene Berge, die Herrscher und Menschen näher zu ihren Göttern bringen sollten, die der Legende nach hoch oben in den Bergen im Osten lebten. Ziggurats wurden aus Lehmziegeln gebaut, die typischerweise mit farbigen Glasuren verziert waren. Sehen Sumerische Kunst (c.4500-2270 v. Chr.).
Persische Kunst (ab 3500 v. Chr.)
Für den größten Teil der Antike, die Kunst des alten Persien war eng mit dem seiner Nachbarn, insbesondere mit Mesopotamien (dem heutigen Irak), verbunden und beeinflusste – und wurde beeinflusst von – der griechischen Kunst. Frühe persische Kunstwerke zeigen die komplizierten Keramiken aus Susa und Persepolis (ca. 3000 v. Chr.), Aber die beiden wichtigsten Perioden der persischen Kunst waren die Ära der Achämeniden (ca. 550-330 v. Chr.) – am Beispiel der monumentalen Paläste in Persepolis und Susa ist mit Skulpturen, Steinreliefs und dem berühmten "Frieze of Archers" (Louvre, Paris) aus emailliertem Backstein dekoriert. Die Sassaniden-Ära (226-650 n. Chr.) Ist für ihre dekorativen Steinmosaike , Gold und Silber bekannt Geschirr, Fresken und illuminierte Manuskripte sowie Kunsthandwerk wie Teppichherstellung und Seidenweberei . Die größten Relikte der sassanianischen Kunst sind jedoch die Felsenskulpturen, die aus steilen Kalksteinfelsen in Taq-i-Bustan, Shahpur, Naqsh-e Rostam und Naqsh-e Rajab gehauen wurden.
Minoische Kunst (ca. 2100-1425 v. Chr.)
Der erste wichtige Strang von Ägäische Kunst Das von den Minoern auf Kreta geschaffene Gebäude wurzelt in der Palastarchitektur von Knossos, Phaestus, Akrotiri, Kato Zakros und Mallia, die aus einer Kombination von Stein, Lehmziegeln und Gips gebaut und mit farbenfrohen Wandgemälden und Fresken verziert wurde. Darstellung mythologischer Tiersymbole (z. B. des Stiers) sowie einer Reihe mythologischer Erzählungen. Minoische Kunst Es gibt auch Steinmetzarbeiten (insbesondere Siegelsteine) und Edelmetallarbeiten. Der minoischen Protopalatialperiode (um 1700 v. Chr.), Die mit einem schweren Erdbeben endete, folgte eine noch reich verzierte Neopalatialperiode (um 1700 bis 1425 v. Chr.), Die den Höhepunkt der Kultur erlebte, bevor sie durch eine zweite Serie beendet wurde Minoische Handwerker sind auch für ihre Keramik- und Vasenmalerei bekannt , die eine Vielzahl von maritimen und maritimen Motiven enthielt. Dieser Fokus auf Natur und Ereignisse – anstelle von Herrschern und Gottheiten – zeigt sich auch in minoischen Palastwandgemälden und Skulpturen.
Bronzezeitliche Metallarbeiten
Benannt nach dem Metall, das es zu Wohlstand brachte, erlebte die Bronzezeit viele wundervolle Ereignisse Metallarbeiten aus vielen verschiedenen Materialien hergestellt. Beispiele für diese Form der Metallisierung sind zwei außergewöhnliche Meisterwerke: Das "Ram in the Thicket" (ca. 2500 v. Chr., British Museum, London), eine kleine irakische Skulptur aus Blattgold, Kupfer, Lapislazuli und rotem Kalkstein; und der "Maikop Goldbulle" (ca. 2500 v. Chr., Eremitage, St. Petersburg), eine Miniatur-Goldskulptur der Maikop-Skulptur, Nordkaukasus, Russland. Siehe auch: Assyrische Kunst (c.1500-612 BCE) und Hethitische Kunst (c.1600-1180 v. Chr.). In dieser Zeit entstanden auch chinesische Bronzewerke (ab ca. 1750 v. Chr.) In Form von Bronzetafeln und Skulpturen, die häufig mit Jade verziert waren, aus dem Gelben Flussbecken der Provinz Henan in Zentralchina.
Informationen zu bronzezeitlichen Zivilisationen in Nord- und Südamerika finden Sie unter: Präkolumbianische Kunst , die die Kunst und das Handwerk der mittelamerikanischen und südamerikanischen Kulturen abdeckt.
Weitere Informationen zur Geschichte der Malerei, Bildhauerei, Architektur und des Kunsthandwerks in dieser Zeit finden Sie unter: Bronzezeit Kunst .
Geschichte der Kunst der Eisenzeit und der Antike (um 1500-200 v. Chr.)
Kunst der Antike In dieser Zeit war ein enormes Wachstum zu verzeichnen, insbesondere in Griechenland und im östlichen Mittelmeerraum. Es fiel mit dem Aufstieg der hellenischen (griechisch beeinflussten) Kultur zusammen.
Mykenische Kunst (ca. 1500-1100 v. Chr.)
Obwohl Mykene eine unabhängige griechische Stadt auf dem griechischen Peloponnes war, wird der Begriff "mykenische" Kultur manchmal verwendet, um die frühe griechische Kunst als Ganzes während der späten Bronzezeit zu beschreiben. Zunächst sehr unter dem Einfluss der minoischen Kultur, Mykenische Kunst allmählich ein Gleichgewicht zwischen dem lebhaften Naturalismus Kretas und der eher formalen künstlerischen Ausdrucksweise des Festlandes, wie es zahlreiche Tempera-Fresken, Skulpturen, Töpferwaren, geschnitzte Edelsteine, Schmuck, Glas, Ornamente und Edelmetallarbeiten beweisen. Im Gegensatz zur minoischen "maritimen Handels" -Kultur waren die Mykener Krieger, weshalb ihre Kunst in erster Linie darauf ausgelegt war, ihre weltlichen Herrscher zu verherrlichen. Es enthielt eine Reihe von Tholos-Gräbern, die mit Goldarbeiten, Zierwaffen und kostbarem Schmuck gefüllt waren.
Altgriechische Kunst (um 1100-100 v. Chr.)
Uralt Griechische Kunst wird traditionell in die folgenden Perioden unterteilt: (1) das dunkle Zeitalter (ca. 1100-900 v. Chr.). (2) Die geometrische Periode (ca. 900–700 v. Chr.). (3) Die Zeit im orientalischen Stil (ca. 700–625 v. Chr.). (4) Die archaische Zeit (ca. 625-500 v. Chr.). (5) Die klassische Periode (c.500-323 BCE). (6) Die hellenistische Periode (ca. 323-100 v. Chr.). Leider fast alle Griechische Malerei und ein großer Anteil von Griechische Skulptur ist verloren gegangen und hat uns eine Sammlung von Ruinen oder römischen Kopien hinterlassen. Griechische Architektur Auch ist uns weitgehend durch seine Ruinen bekannt. Trotz dieses winzigen Erbes bleiben griechische Künstler hoch verehrt, was zeigt, wie wirklich fortgeschritten sie waren.
Wie alle Handwerker des Mittelmeerraums liehen sich die alten Griechen eine Reihe wichtiger künstlerischer Techniken von ihren Nachbarn und Handelspartnern aus. Trotzdem galt die griechische Kunst nach dem Tod des mazedonischen Kaisers Alexander des Großen 323 v. Chr. Im Allgemeinen als die schönste, die jemals geschaffen wurde. Sogar die Römer haben – trotz ihrer hervorragenden technischen und militärischen Fähigkeiten – ihr Minderwertigkeitsgefühl angesichts der griechischen Handwerkskunst nie ganz überwunden und (glücklicherweise für uns) griechische Kunstwerke gewissenhaft kopiert. Siebzehn Jahrhunderte später wurden griechische Architektur, Reliefs, Statuen und Töpferwaren in der italienischen Renaissance wiederentdeckt und bildeten über 400 Jahre lang den Grundstein der westlichen Kunst.
Finsteres Mittelalter
Nach dem Fall der mykenischen Zivilisation (12. Jahrhundert v. Chr.) Trat Griechenland in eine Periode des Niedergangs ein, die als dunkle Zeitalter bekannt ist – weil wir so wenig darüber wissen. Skulptur, Malerei und monumentale Architektur hörten fast auf.
Geometrische Periode
Ab etwa 900 v. Chr. Tauchten diese Künste (hauptsächlich für Adelsfamilien geschaffen, die während des Mittelalters Macht erlangt hatten) in der geometrischen Periode wieder auf, benannt nach den dekorativen Mustern der Keramik.
Orientalische Periode
Die folgende Zeit der Orientalisierung war durch den Einfluss orientalischer Designarbeiten gekennzeichnet, insbesondere durch krummlinige, zoomorphe und florale Muster.
Archaische Zeit
Die archaische Periode war eine Zeit des allmählichen Experimentierens; die am meisten geschätzte skulpturale form war der kouros (pl.kouroi) oder stehender männlicher akt. Es folgte die Klassik, die den Höhepunkt der griechischen Kunst darstellt.
Klassik
Die griechische Architektur blühte auf, basierend auf einem System klassischer Ordnungen (dorisch, ionisch und korinthisch) oder Regeln für die Gebäudeplanung, basierend auf Proportionen von und zwischen den einzelnen Teilen. Das Parthenon auf der Akropolis Der Komplex in Athen ist das herausragende Beispiel der klassischen griechischen Architektur. Weitere berühmte Beispiele sind der Zeustempel in Olympia, der Tempel des Hephaistos, der Tempel der Athena Nike, das Theater in Delphi und der Tholos-Tempel der Athena Pronaia. In der bildenden Kunst zeigten große klassische griechische Bildhauer wie Polykleitos , Myron und Phidias eine Meisterschaft des Realismus, die bis zur italienischen Renaissance unübertroffen bleiben würde. Die Malerei blieb jedoch die am meisten respektierte Kunstform – insbesondere in Tempera- oder Enkaustikfarbe ausgeführte Tafelbilder -, bei der renommierte griechische Maler wie Zeuxis , Apelles und Parrhasius neue Techniken der Hervorhebung, Schattierung und Färbung hinzufügten.
Hellenismus
Der Beginn der letzten hellenistischen Phase fiel mit dem Tod Alexanders und der Eingliederung des Persischen Reiches in die griechische Welt zusammen. Stilmäßig wurde der klassische Realismus durch mehr Feierlichkeit und Heldentum (am Beispiel der massiven Statue "Der Koloss von Rhodos" in der Größe der Freiheitsstatue) sowie durch einen wachsenden Expressionismus abgelöst. Die Epoche ist gekennzeichnet durch die Verbreitung der griechischen Kultur (Hellenisierung) in der zivilisierten Welt, einschließlich der Techniken der Bildhauerei und Mosaikkunst . Berühmte hellenistische Skulpturen sind: die berühmte " Venus de Milo ", " Dying Gaul "von Epigonus; Pergamonaltar des Zeus (c.166-156 v. Chr.); "Geflügelter Sieg von Samothrace"; und " Laokoon und seine Söhne "von Hagesandrus, Polydorus und Athenodorus.
Griechische Keramik
Griechische Keramik entwickelt viel früher als andere Kunstformen: Bereits um 3000 v. Chr. war der Peloponnes das führende Töpferzentrum. Später, nach der Übernahme des griechischen Festlandes durch indogermanische Stämme um 2100 v. Chr., Wurde eine neue Form der Töpferei eingeführt, die als Minyan Ware bekannt ist. Es war der erste griechische Typ, der auf einer Töpferscheibe hergestellt wurde. Trotzdem dominierte im 2. Jahrtausend v. Chr. Die minoische Töpferei auf Kreta mit ihrem neuen Dark-on-Light-Stil. Danach erlangten die griechischen Töpfer jedoch die Initiative zurück und führten eine Reihe schillernder Innovationen ein, darunter: wunderschön proportionierte Keramik im geometrischen Stil (900-725) sowie orientalische (725-600), schwarz- figurige (600-480) und rot - figurige (600-480). Figurenstile (530-480). Berühmte griechische Keramiker sind Exekias, Kleitias, Ergotimos, Nearchos, Lydos, der Amasis-Maler, Andokides, Euthymides und Sophilos (alle schwarz-figurig) sowie Douris, Brygos und Onesimos (rot-figurig).
Etruskische Kunst (um 700 bis 90 v. Chr.)
In Etrurien, Italien, gab die ältere Villanovan-Kultur um 700 v. Chr. Der etruskischen Zivilisation Platz. Dies erreichte seinen Höhepunkt im sechsten Jahrhundert v. Chr., Als ihre Stadtstaaten die Kontrolle über Mittelitalien erlangten. Wie die Ägypter, aber anders als die Griechen, glaubten die Etrusker an ein Leben nach dem Tod, so dass Grab- oder Grabkunst ein charakteristisches Merkmal der etruskischen Kultur war. Die etruskischen Künstler waren auch für ihre figurativen Skulpturen aus Stein, Terrakotta und Bronze bekannt. Vor allem die etruskische Kunst ist berühmt für ihre "Lebensfreude", die sich durch ihr lebendiges Fresko auszeichnet Wandmalerei Besonders in den Villen der Reichen. Darüber hinaus wurde das Können der etruskischen Goldschmiede in ganz Italien und darüber hinaus hoch geschätzt. Die etruskische Kultur, die stark vom griechischen Stil beeinflusst war, hatte einen deutlichen Einfluss auf andere Kulturen, insbesondere den Hallstatt- und den La Tene-Stil der keltischen Kunst. Die etruskische Kultur nahm ab 396 v. Chr. Ab, als die Stadtstaaten in das Römische Reich aufgenommen wurden.
Weitere Informationen zur Geschichte der Malerei, Bildhauerei, Architektur und des Kunsthandwerks aus Etrurien finden Sie unter: Etruskische Kunst .
Keltische Kunst (um 600-100 v. Chr.)
Ab etwa 600 v. Chr. Ließen sich in Mitteleuropa wandernde heidnische Stämme aus der russischen Steppe, sogenannte Kelten, auf der Oberen Donau nieder. Keltische Kultur , basierend auf außergewöhnlichen Handelsfähigkeiten und einer frühen Beherrschung des Eisens, erleichterte ihre schrittweise Expansion in ganz Europa und führte zu zwei Arten von Keltische Kunst deren Artefakte uns durch mehrere wichtige archäologische Stätten in der Schweiz und in Österreich bekannt sind. Die beiden Stile sind Hallstatt (600-450) und La Tene (450-100). Beide wurden durch schöne Metallarbeiten und komplexe lineare Designarbeiten veranschaulicht. Obwohl die meisten heidnischen keltischen Künstler im frühen 1. Jahrtausend n. Chr. Vollständig in das Römische Reich aufgenommen worden waren, tauchten ihre Traditionen von Spiral-, Zoomorph-, Knoten- und Zeilensprung-Designs später in vielen Formen der hiberno-sächsischen Kunst auf (600-1100 n. Chr.) (siehe unten), wie etwa beleuchtete Evangeliumshandschriften, religiöse Metallarbeiten und Hochkreuzskulpturen. Berühmte Beispiele keltischer Metallkunst sind der Gundestrup-Kessel, die Petrie-Krone und der Broighter-Goldtorc.
Römische Kunst (um 200 v. Chr. – 400 n. Chr.)
Die Architektur
Im Gegensatz zu ihren intellektuellen griechischen Nachbarn waren die Römer in erster Linie praktische Menschen mit einer natürlichen Affinität für Ingenieurwesen, militärische Angelegenheiten und den Aufbau von Imperien. Römische Architektur wurde entwickelt, um eine wachsende Bevölkerung sowohl in Italien als auch in ihrem gesamten Reich zu bewundern, zu unterhalten und zu versorgen. So werden römische architektonische Errungenschaften durch neue Entwässerungssysteme, Aquädukte, Brücken, öffentliche Bäder, Sportanlagen und Amphitheater (z. B. das Kolosseum 72-80 n. Chr.) Veranschaulicht, die durch bedeutende Fortschritte bei den Materialien (z. B. die Erfindung des Betons) und in der Bau von Bögen und Dachkuppeln. Letzteres ermöglichte nicht nur die Überdachung größerer Gebäude, sondern verlieh auch dem Äußeren eine weitaus größere Pracht und Majestät. All dies revolutionierte das griechisch dominierte Gebiet der Architektur, zumindest in Form und Größe, wenn nicht in seiner Kreativität, und bot endlose Möglichkeiten zur Verschönerung von Reliefs, Statuen, Fresken und Mosaiken. Zu den bekanntesten Beispielen römischer Architektur zählen das massive Kolosseum, der Titusbogen und die Trajansäule.
Malerei, Skulptur
Wenn die römische Architektur einzigartig großartig war, ahmten ihre Gemälde und Skulpturen weiterhin den griechischen Stil nach, mit der Ausnahme, dass ihr Hauptzweck die Verherrlichung der Macht und Majestät Roms war. Die frühe römische Kunst (ca. 200-27 v. Chr.) War detailliert, unidealisiert und realistisch, während die späteren imperialen Stile (ca. 27 v. Chr. – 200 n. Chr.) Heroischer waren. Die mittelmäßige Malerei blühte in Form von Wandgemälden im Innendesign auf, während die hochwertigere Tafelmalerei in Tempera- oder Enkaustikpigmenten ausgeführt wurde. Römische Skulptur auch in der Qualität variiert: sowie Zehntausende von durchschnittlicher Qualität Porträtbüsten Von Kaisern und anderen Würdenträgern stellten römische Bildhauer auch einige wunderbare historische Reliefskulpturen her, wie zum Beispiel die Spiralflachreliefskulptur auf Trajansäule und feierte den Sieg des Kaisers im Dakerkrieg.
Weitere Informationen zur Geschichte der Malerei, Bildhauerei, Architektur und des Kunsthandwerks des antiken Rom finden Sie unter: Römische Kunst .
Alte Kunst aus aller Welt
Obwohl die Kunstgeschichte im Allgemeinen hauptsächlich von Zivilisationen geprägt ist, die aus europäischen und chinesischen Kulturen stammen, tauchte eine beträchtliche Menge von Kunst und Handwerk seit den frühesten Zeiten an der Peripherie der bekannten Welt auf. Weitere Informationen zu Geschichte und Artefakten dieser Kulturen finden Sie unter: Ozeanische Kunst (aus dem Südpazifik und Australasien), Afrikanische Kunst (aus allen Teilen des Kontinents) und Stammeskunst (aus Afrika, den Pazifikinseln, Indonesien, Birma, Australasien, Nordamerika und Alaska).
Konstantinopel, Christentum und byzantinische Kunst
Mit dem Tod des Kaisers Theodosius im Jahr 395 n. Chr. Wurde das Römische Reich in zwei Hälften geteilt: eine westliche Hälfte, die sich ursprünglich in Rom befand , bis sie im 5. Jahrhundert n. Chr. Entlassen wurde, dann Ravenna ; und eine östliche Hälfte in der sichereren Stadt Konstantinopel . Gleichzeitig wurde das Christentum zur ausschließlichen offiziellen Religion des Reiches gemacht. Diese beiden politischen Entwicklungen hatten einen großen Einfluss auf die Geschichte der westlichen Kunst. Erstens trug der Umzug nach Konstantinopel dazu bei, die griechisch-römische Zivilisation und Kultur zu verlängern. zweitens führte das Wachstum des Christentums zu einer völlig neuen Kategorie von Christliche Kunst Architekten, Maler, Bildhauer und andere Handwerker erhielten das Thema, das in den nächsten 1200 Jahren in der bildenden Kunst vorherrschte. Sowie Prototypformen von frühchristliche Kunst Dies führte auch direkt zur Entstehung der byzantinischen Kunst. Siehe auch: Christliche Kunst, byzantinische Zeit .
Kunst des Byzanz (Konstantinopel) (330-1450 n. Chr.)
Byzantinische Kunst war fast ganz religiöse Kunst und konzentrierte sich auf seine christliche Architektur. Zu den Meisterwerken gehört die beeindruckende Hagia Sophia (532-37) in Istanbul. die Sophienkirche in Sofia, Bulgarien (527-65); und die Kirche der Hagia Sophia in Thessaloniki. Die byzantinische Kunst beeinflusste auch die Ravenna Mosaiken in den Basiliken Sant’Apollinare Nuovo, San Vitale und Sant ’Apollinare in Classe. Weltliche Beispiele sind der Große Palast von Konstantinopel und die Cisterna Basilica. Neben neuen architektonischen Techniken wie der Verwendung von Pendelelementen, um das Gewicht der Deckenkuppel zu verteilen und so größere Innenräume zu ermöglichen, wurden neue dekorative Methoden eingeführt, wie Mosaike aus Glas anstelle von Stein. Aber die ostorthodoxe Marke des Christentums erlaubte (anders als in Rom) keine 3D-Kunstwerke wie Statuen oder Hochreliefs, da sie glaubten, dass sie den menschlichen Aspekt des Fleisches und nicht die göttliche Natur des Geistes verherrlichten. So entwickelte die byzantinische Kunst (z. B. Malerei, Mosaikarbeiten) einen bestimmten Stil bedeutungsvoller Bilder (Ikonografie), um komplexe Theologie auf sehr einfache Weise darzustellen. Zum Beispiel wurden Farben verwendet, um verschiedene Ideen auszudrücken: Gold stellte den Himmel dar; Blau, die Farbe des menschlichen Lebens und so weiter.
Nach 600 n. Chr. Entwickelte sich die byzantinische Architektur in mehreren Epochen – wie der Mittelzeit (ca. 600 bis 1100) und der komnenischen und paläologischen Periode (ca. 1100 bis 1450) – und wurde zunehmend von den östlichen Bautraditionen beeinflusst Dekoration. In Westeuropa wurde die byzantinische Architektur von romanischen und gotischen Stilen abgelöst, während sie im Nahen Osten weiterhin einen signifikanten Einfluss auf die frühislamische Architektur hatte, wie die Große Moschee der Umayyaden von Damaskus und der Felsendom in Jerusalem zeigten.
Byzantinische Malerei
In Ermangelung einer Skulptur spezialisierten sich die byzantinischen Künstler auf die 2-D-Malerei und wurden Meister der Tafelmalerei , einschließlich Miniaturen - insbesondere Ikonen - und Manuskriptbeleuchtung . Ihre Werke hatten großen Einfluss auf Künstler in ganz West- und Mitteleuropa sowie in den islamischen Ländern des Nahen Ostens.
Irische christliche Kunst (c.600-1100 CE)
Irland lag an der Peripherie Westeuropas und war weder von Rom noch von den nachfolgenden Barbaren beeinflusst. Infolgedessen wurde die irisch-keltische Kunst weder durch griechische oder römische Redewendungen verdrängt, noch im heidnischen Mittelalter beigesetzt. Darüber hinaus konnte die Kirche ein relativ sicheres Netzwerk von irischen Klöstern aufbauen, die schnell zu wichtigen Zentren des religiösen Lernens und der Gelehrsamkeit wurden und sich allmählich auf die Inseln vor Großbritannien und Teile von Nordengland ausbreiteten. Dieses klösterliche Netzwerk wurde bald zu einem wichtigen Förderer der Künste und zog zahlreiche Schriftgelehrte und Maler in seine Drehbücher, um eine Reihe von immer kunstvoller werdenden Werken zu schaffen beleuchtete evangeliumshandschriften : Beispiele sind: die Cathach von Colmcille (um 560), das Buch Dimma (um 625), die Durham-Evangelien (um 650), das Buch der Totengräber (um 670) und das höchste Buch der Kells (wird auch das Buch Columba genannt) und gilt als Höhepunkt der westlichen Kalligraphie. Diese Evangeliumsbeleuchtungen verwendeten eine Reihe historisierter Buchstaben, Rauten, Kreuze, Trompetenornamente, Bilder von Vögeln und Tieren und nahmen gelegentlich ganze Seiten (Teppichseiten) mit geometrischen Mustern oder Zeilensprungmustern auf. Der kreative Erfolg dieser verzierten Manuskripte wurde durch die Verfügbarkeit von keltischen Mustern aus Schmuck und Metallarbeiten, die für die irische säkulare Elite hergestellt wurden, und durch verstärkte kulturelle Kontakte zu angelsächsischen Handwerkern in England erheblich gefördert.
Eine andere frühchristliche Kunstform, die in Irland entwickelt wurde, waren religiöse Metallarbeiten, beispielhaft dargestellt durch Meisterwerke wie die Tara-Brosche, den Ardagh-Kelch, den Derrynaflan-Kelch und den Moylough-Gürtelschrein sowie Prozessionskreuze wie das Tully-Lough-Kreuz aus dem 8./9. Jahrhundert und das große Kreuz von Cong aus dem 12. Jahrhundert, in Auftrag gegeben von Turlough O’Connor. Schließlich gab die Kirche ab dem späten 8. Jahrhundert eine Reihe großer religiöser Kreuze in Auftrag, die sowohl mit Szenen aus der Bibel als auch mit abstrakten Zeilensprüngen, Knüpfarbeiten und anderen keltischen Mustern verziert waren. Beispiele hierfür sind Muiredachs Kreuz in Monasterboice, County Louth und das Ahenny-Hochkreuz in Tipperary. Diese hohen Kreuze der heiligen Schriften blühten zwischen 900 und 1100, obwohl der Bau noch im 15. Jahrhundert andauerte.
Leider begann mit der Ankunft der Wikinger (um 800-1000) der einzigartige irische Beitrag zur westlichen Zivilisation im Allgemeinen und zum Christentum im Besonderen zu schwinden, trotz einiger Beiträge von Wikinger-Kunst . Danach setzte sich die römische Kultur – angetrieben von der Kirche von Rom – in ganz Europa durch.
Ein Wort zur asiatischen Kunst
Im Gegensatz zum Christentum, das die bildliche Darstellung von Propheten, Heiligen und der Heiligen Familie erlaubt, verbietet der Islam alle Formen menschlicher Ikonographie. Somit Islamische Kunst konzentrierte sich stattdessen auf die Entwicklung von komplexen geometrischen Mustern, beleuchteten Texten und Kalligraphie .
In Ostasien wurden in den visuellen Künsten Indiens und Tibets farbintensive Figuren (aufgrund ihres breiten Spektrums an Pigmenten) und starke Konturen verwendet. Malen in Indien war äußerst vielfältig, ebenso wie Materialien (Textilien, die haltbarer waren, ersetzten oft Papier) und Größen (indische Miniaturen waren eine Spezialität). Chinesische Kunst spezialisiert auf zeremonielle Bronzeskulptur, Kalligraphie und Pinselmalerei und Jade schnitzen sowie Lackwaren und Chinesische Keramik . In Japan waren buddhistische Tempelkunst, Zen-Tuschmalerei, Yamato-e- und Ukiyo-e-Holzschnitte vier der Haupttypen Japanische Kunst .
Romanische Kunst (karolingisch, ottonisch) (c.775-1050)
Auf dem Kontinent die Wiederbelebung von mittelalterliche christliche Kunst begann mit Karl I. , dem König der Franken, der 800 von Papst Leo III. zum Heiligen Römischen Kaiser gekrönt wurde. In den Aachener Hofschriften Karls des Großen entstanden eine Reihe großartiger christlicher Texte, darunter: das Evangelistarium von Godscalc, die Lorscher Evangelien und das Evangelien des hl. Medard von Soissons. Ironischerweise wurde sein großes architektonisches Werk – die Pfälzer Kapelle in Aachen (um 800) – nicht von St. Peter oder anderen Kirchen in Rom beeinflusst, sondern von der byzantinischen Basilika San Vitale in Ravenna. Das karolingische Reich löste sich aber schnell auf Karolingische Kunst markiert einen wichtigen ersten Schritt in der Verbreitung von Mittelalterliche Kunst und die Wiederbelebung der kontinentalen Kultur. Darüber hinaus wurden viele der romanischen und gotischen Kirchen auf den Grundlagen der karolingischen Architektur erbaut. Die frühen romanischen architektonischen Errungenschaften Karls des Großen wurden von den heiligen römischen Kaisern Otto I-III in einem Stil fortgesetzt, der als bekannt ist Ottonische Kunst , die sich in die vollwertige "Romanik" verwandelte. (In England und Irland wird der romanische Stil normalerweise als normannische Architektur bezeichnet.)
Die Kirche investiert in Kunst, um ihre Botschaft zu vermitteln
Die Verbreitung von Romanische Kunst im 11. Jahrhundert fiel es mit der Wiederbehauptung des römischen Christentums zusammen, und dessen Einfluss auf die weltlichen Autoritäten führte zur christlichen Rückeroberung Spaniens (ca. 1031) sowie zum Kreuzzug zur Befreiung des Heiligen Landes vom Islam. Der Erfolg der Kreuzfahrer und der Erwerb der Heiligen Reliquien lösten eine Welle neuer Kathedralen in ganz Europa aus. Zusätzlich zu seinem Einfluss auf die internationale Politik übte Rom über sein Netzwerk von Bischöfen und seine Verbindungen zu Mönchsorden wie den Benediktinern, den Zisterziensern, Kartäusern und Augustinern eine wachsende Macht aus. Von diesen Klöstern aus übten die Beamten eine wachsende administrative Macht über die örtliche Bevölkerung aus, insbesondere die Befugnis, Steuereinnahmen für religiöse Werke, insbesondere für den Bau von Kathedralen (einschließlich Skulpturen und Metallarbeiten sowie Architektur), illuminierte Manuskripte des Evangeliums , zu erheben. und Kulturwissenschaft – ein Prozess am Beispiel des mächtigen Benediktinerklosters in Cluny in Burgund.
Romanische Architektur (um 1000-1200)
Obwohl auf der griechischen und römischen Antike basiert, Romanische Architektur zeigten weder die Kreativität der Griechen, noch die Ingenieurskunst der Römer. Sie verwendeten dicke Mauern, Rundbögen, Pfeiler, Säulen, Kreuzgewölbe, schmale Schlitzfenster, große Türme und dekorative Arkaden. Die Grundlast des Gebäudes wurde nicht von den Bögen oder Säulen getragen, sondern von den massiven Mauern. Und seine Dächer, Gewölbe und Strebepfeiler waren im Vergleich zu späteren Stilen relativ primitiv. Vor allem die Innenräume waren dunkel und vergleichsweise mit schweren Steinmauern eingefasst. Trotzdem führte die romanische Architektur zwei wichtige Formen der bildenden Kunst wieder ein: Skulptur (die seit dem Fall Roms nicht mehr existierte) und Glasmalerei , wenn auch in geringem Umfang.
Gotische Kunst (um 1150-1400)
Zum größten Teil durch Mönchsorden und lokale Bischöfe finanziert, gotische Architektur nutzte eine Reihe von technischen Fortschritten bei Spitzbögen und anderen Designfaktoren, um die Massen zu beeindrucken, zu inspirieren und zu erziehen. So gingen die massiv dicken Wände, die kleinen Fenster und die trüben Innenräume aus, es kamen hohe Decken ("bis zum Himmel reichend"), dünne Wände und Buntglasfenster. Dies verwandelte das Innere vieler Kathedralen in inspirierende Heiligtümer, in denen Analphabeten die Geschichte der Bibel im Schönen sehen konnten Glasmalerei Kunst seiner riesigen Fenster. Tatsächlich wurde die gotische Kathedrale von den Architekten als Miniaturdarstellung des Universums angesehen. Fast jedes Merkmal sollte eine theologische Botschaft vermitteln: nämlich die großartige Herrlichkeit Gottes und die geordnete Natur seines Universums. Religiös Gotische Kunst – das heißt, Architektur, Reliefskulptur und Statuen – wird am besten durch die Kathedralen von Nordfrankreich, insbesondere Notre Dame de Paris, veranschaulicht ; Reims und Chartres sowie der Kölner Dom, der Stephansdom und in England die Westminster Abbey und das York Minster .
Stark beeinflusst von Internationale Gotik , die europäische Wiederbelebung der bildenden Kunst zwischen ungefähr 1300 und 1600, im Volksmund als "Renaissance" bekannt, war ein einzigartiges und (in vielerlei Hinsicht) unerklärliches Phänomen, nicht zuletzt wegen (1) der ausgelöschten Pest des Schwarzen Todes (1346) aus einem Drittel der europäischen Bevölkerung; (2) der 100-jährige Krieg zwischen England und Frankreich (1339-1439) und (3) die Reformation (um 1520) – keine davon war der Entwicklung der bildenden Kunst förderlich. Glücklicherweise sind bestimmte Faktoren im Renaissance-Kernland von Florenz und Rom – insbesondere die Energie und der enorme Reichtum der Florentiner Medici-Familie und den päpstlichen Ambitionen von Papst Sixtus IV. (1471-84), Papst Julius II. (1503-13), Papst Leo X. (1513-21) und Papst Paul III. (1534-45) gelang es sogar, alle natürlichen Hindernisse zu überwinden wenn die Kirche dabei fast bankrott wäre.
Renaissance-Kunst wurde gegründet am Klassizismus – eine Wertschätzung der Künste der klassischen Antike, ein Glaube an den Adel des Menschen sowie künstlerische Fortschritte in linearer Perspektive und Realismus. Es entwickelte sich in drei italienischen Hauptstädten: erstens Florenz , dann Rom und zuletzt Venedig . Die Renaissance-Chronologie wird normalerweise wie folgt aufgelistet:
Renaissance-Architektur verwendete Gebote aus dem alten Griechenland und Rom, behielt aber viele moderne Merkmale der byzantinischen und gotischen Erfindung bei, wie Kuppeln und Türme. Wichtige Architekten waren unter anderem: Donato Bramante (1444-1514), der größte Vertreter der Architektur der Hochrenaisance; Baldassare Peruzzi (1481–1536), ein bedeutender Architekt und Innenarchitekt; Michele Sanmicheli (1484–1559), der Hauptschüler von Bramante; Jacopo Sansovino (1486-1570), der berühmteste venezianische Architekt; Giulio Romano (1499-1546), der Chefpraktiker der italienischen Baukunst im Stil der Spätrenaissance; Andrea Palladio (1508–1580), ein einflussreicher Theoretiker; und natürlich Michelangelo selbst, der bei der Gestaltung der Kuppel mitgewirkt hat Petersdom in Rom .
Zu den größten Bildhauern der nördlichen Renaissance gehörten: der deutsche Lindenholzbildhauer Tilman Riemenschneider (1460-1531), bekannt für seine Reliefs und freistehende Holzskulptur; und der Holzschnitzer Veit Stoss (1450-1533), bekannt für seine zarten Altarbilder.
Weitere Informationen finden Sie unter: Niederländische Renaissancekunst (1430-1580); Deutsche Renaissancekunst (1430-1580) und flämische Malerei .
Barocke Kunst (um 1600-1700)
In dieser Zeit begann die katholische Gegenreformation , die Massen vom Protestantismus abzuwenden. Die erneute Schirmherrschaft für bildende Kunst und Architektur war ein wesentliches Merkmal dieser Propagandakampagne und führte in beiden Bereichen zu einem großartigeren, theatralischeren Stil. Dieser neue Stil, bekannt als Barocke Kunst war effektiv der Höhepunkt des dramatischen Manierismus.
Die Barockarchitektur nutzte das theatralische Potenzial der Stadtlandschaft am Beispiel des Petersplatzes (1656-67) in Rom vor dem gewölbten Petersdom voll aus. Der Architekt, Gianlorenzo Bernini (1598-1680), setzte bei der Annäherung an die Kathedrale immer mehr Kolonnaden ein, um den Besuchern den Eindruck zu vermitteln, von den Armen der katholischen Kirche umarmt zu werden. Der gesamte Ansatz ist gigantisch aufgebaut, um Ehrfurcht zu erregen.
In der Malerei war Peter Paul Rubens (1577-1640) der größte Vertreter der katholischen Kunst der Gegenreformation – "der Prinz der Maler und der Maler der Fürsten". Weitere führende katholische Künstler waren Diego Velazquez (1599-1660), Francisco Zurbaran (1598-1664) und Nicolas Poussin (1594-1665).
Im protestantischen Nordeuropa war die Barockzeit geprägt von der Blüte von Niederländische realistische Genremalerei , ein Stil, der einzigartig für die neuen bürgerlichen Auftraggeber von kleinen Innenräumen, Genregemälden, Porträts, Landschaften und Stillleben geeignet ist. Es entstanden mehrere Schulen niederländischer Malerei des 17. Jahrhunderts , darunter die von Haarlem, Delft, Utrecht und Leiden. Führende Mitglieder waren die beiden Unsterblichen Rembrandt (1606-1669) und Jan Vermeer (1632-1675) sowie Frans Snyders (1579-1657), Frans Hals (1581-1666), Adriaen Brouwer (1605-38) und Jan Davidsz de Heem (1606-84), Adriaen van Ostade (1610-85), David Teniers der Jüngere (1610-90), Gerard Terborch (1617-81), Jan Steen (1626-79), Pieter de Hooch (1629-83)) und die Landschaftsmaler Aelbert Cuyp (1620-91), Jacob van Ruisdael (1628-82) und Meyndert Hobbema (1638-1709).
Rokokokunst (um 1700 – 1789)
Dieser neue Stil der dekorativen Kunst, bekannt als Rokoko , beeinflusste am meisten die Innenarchitektur , obwohl auch Architektur, Malerei und Skulptur betroffen waren. Als Reaktion auf die Ernsthaftigkeit des Barocks war das Rokoko ein unbeschwerter, beinahe skurriler Stil, der am französischen Hof in Paris aufwuchs Schloss von Versailles vor der Verbreitung in ganz Europa. Rokoko-Designer nutzten die ganze Bandbreite an Gipsarbeiten, Wandgemälden, Wandteppichen, Möbeln, Spiegeln, Porzellan, Seiden und anderen Verzierungen, um dem Hausbesitzer ein komplettes ästhetisches Erlebnis zu bieten. In der Malerei wurde der Rokoko-Stil von den französischen Künstlern Watteau (1684-1721), Fragonard (1732-1806) und Boucher (1703-70) vertreten. Die größten Werke wurden jedoch vom venezianischen Giambattista Tiepolo (1696-1770) geschaffen, dessen fantastische Wand- und Deckengemälde das Rokoko zu neuen Höhen führten. Sehen Sie insbesondere die Renaissance von Französische dekorative Kunst (1640-1792), von französischen Designern speziell in Form französischer Möbel entworfen , in Versailles und anderen königlichen Schlössern im Stil von Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) und Louis Seize (XVI). So wie es war, symbolisierte das Rokoko die dekadente Trägheit und Entartung der französischen Aristokratie. Aus diesem Grund wurde es von der Französischen Revolution mitgerissen, die den neuen strengeren Neoklassizismus einleitete, der mehr dem Zeitalter der Aufklärung und der Vernunft entsprach.
Neoklassische Kunst (geblüht um 1790-1830)
In der Architektur leitet sich der Neoklassizismus von den zurückhaltenderen "klassischen" Formen des Barock ab, die in England von Sir Christopher Wren (1632-1723) praktiziert wurden, der die St. Paul’s Cathedral entworfen hat . Wieder eine Rückkehr zu den klassischen Ordnungen der griechisch-römischen Antike. Der Stil zeichnete sich durch monumentale Strukturen aus, die von Säulen getragen und mit Kuppeln der klassischen Renaissance gekrönt wurden. Durch den Einsatz von Innovationen wie geschichteten Kuppeln wurde den Palästen, Kirchen und anderen öffentlichen Strukturen mehr Glanz verliehen. Berühmte neoklassizistische Gebäude sind: das Pantheon (Paris), entworfen von Jacques Germain Soufflot (1756-97), der Arc de Triomphe (Paris), entworfen von Jean Chalgrin, das Brandenburger Tor (Berlin), entworfen von Carl Gotthard Langhans (1732-1808), und das United States Capitol Building , entworfen von dem in England geborenen Benjamin Henry Latrobe (1764-1820), und später von Stephen Hallet und Charles Bulfinch. Siehe auch die Ära von Amerikanische Kolonialkunst (c.1670-1800).
Die Maler des Neoklassizismus ließen sich auch von der Klassischen Antike inspirieren und betonten die Tugenden von Heldentum, Pflicht und Gravitation. Führende Exponenten waren den Französisch politischen Künstler Jacques-Louis David (1748-1825), der deutschen Portrait- und Historienmaler Anton Raphael Mengs (1728-1779) und den Französisch Meister des Akademischen Kunststiles, Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867). Zu den neoklassizistischen Bildhauern gehörten Antonio Canova (1757-1822),
Bertel Thorvaldsen (1770-1844) und Jean-Antoine Houdon (1741-1828).
Weitere Informationen zur Geschichte der Malerei, Bildhauerei und Architektur in dieser Zeit finden Sie unter: Neoklassizistische Kunst .
Romantik-Bewegung (blühte c.1790-1830)
Im Gegensatz zu den universellen Werten, für die der Neoklassizismus steht, äußerten romantische Künstler eine persönlichere Reaktion auf das Leben, wobei sie sich mehr auf ihre Sinne und Emotionen als auf Vernunft und Intellekt stützten. Dieser Idealismus wurde, wie auch der Neoklassismus, von der Französischen Revolution gefördert, so dass einige Künstler von beiden Stilen betroffen waren. Natur war ein wichtiges Thema für Romantiker, und der Stil wird durch die englische Schule für Landschaftsmalerei , das Freilichtgemälde von John Constable (1776-1837), Corot (1796-1875) und Angehörige der Franzosen veranschaulicht Barbizon Schule und die amerikanische Hudson River School für Landschaftsmalerei sowie der expressionistischere JMW Turner (1775-1851). Der wohl größte romantische Landschaftsmaler ist jedoch wohl Caspar David Friedrich (1774-1840). Erzähl- oder Geschichtsmalerei war ein weiteres wichtiges Genre in der Romantik: Zu den führenden Vertretern zählen Francisco Goya (1746-1828), Henry Fuseli (1741-1825), James Barry (1741-1806), Theodore Gericault (1791-1824) und Eugene Delacroix (1798) -63) sowie spätere Exponenten von Orientalistische Malerei und launische Präraffaeliten und Symbolisten.
Weitere Informationen zur Geschichte der romantischen Malerei und Bildhauerei finden Sie unter: Romantik in der Kunst .
Realismus (ab ca. 1845)
Als das 19. Jahrhundert voranschritt, veranlasste das wachsende Bewusstsein für die Rechte des Menschen und die sozialen Auswirkungen der industriellen Revolution einige Künstler, sich von idealistischen oder romantischen Themen zu entfernen, und sich für profane Themen zu entscheiden, die in einem realistischeren Stil dargestellt wurden Naturalismus . Dieser neue Schwerpunkt (von William Hogarth im 18. Jahrhundert teilweise vorweggenommen, vgl Englische figurative Malerei ) wurde am Beispiel der Realismus Stil, der in den 1840er Jahren in Frankreich entstand, bevor er sich in ganz Europa ausbreitete. Dieser neue Stil zog Maler aus allen Genres an – insbesondere Gustave Courbet (1819-77) (Genremalerei), Jean Francois Millet (1814-75) (Landschaft, Landleben), Honore Daumier (1808-79) (Stadtleben). und Ilja Repin (1844-1930) (Landschaft und Porträts).
Impressionismus (um 1870-80)
Der französische Impressionismus , der vor allem von Claude Monet (1840-1926) verfochten wurde, war ein spontaner, farbempfindlicher Stil des Pleinairismus, dessen Ursprünge auf Jean-Baptiste Camille Corot und den Techniken der Barbizon-Schule beruhten natürliches Licht. Es umfasste ländliche Landschaften [ Alfred Sisley (1839-1899)], Stadtlandschaften [ Camille Pissarro (1830-1903)], Genreszenen [ Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), Paul Cezanne (1839) -1906) und Berthe Morisot (1841-95)] sowie figurative Gemälde und Porträts [ Edouard Manet (1832–83), John Singer Sargent (1856–1925)]. Andere mit dem Impressionismus verbundene Künstler sind James McNeil Whistler (1834-1903) und Walter Sickert (1860-1942).
Impressionisten versuchten, flüchtige Momente im Freien originalgetreu wiederzugeben. Wenn also ein Objekt dunkelviolett erscheint – möglicherweise aufgrund von Lichtausfällen oder reflektiertem Licht -, dann hat der Künstler es violett gemalt. Naturalistische "Academic-Style" -Farbschemata, die theoretisch oder zumindest im Studio entwickelt wurden, haben dies nicht zugelassen. Infolgedessen bot der Impressionismus eine völlig neue Bildsprache – eine, die den Weg für revolutionärere Kunstbewegungen wie den Kubismus ebnete – und von Historikern und Kritikern oft als die erste moderne Schule der Malerei angesehen wird .
In jedem Fall hatte der Stil einen massiven Einfluss auf die Pariser und die Weltkunst und war das Tor zu einer Reihe von farbbezogenen Bewegungen, darunter Postimpressionismus, Neoimpressionismus, Pointillismus, Divisionismus, Fauvismus, Intimismus, amerikanischer Luminismus oder Tonalismus sowie Amerikanischer Impressionismus , der Newlyn School und der Camden Town Group , dem Franzosen Les Nabis und der allgemeinen expressionistischen Bewegung.
Postimpressionismus (ab ca. 1885)
Im Wesentlichen ein Überbegriff, der eine Reihe von Entwicklungen und Reaktionen auf den Impressionismus umfasst, Post-Impressionismus beteiligten sich Künstler, die impressionistische Farbschemata verwendeten, aber mit den Einschränkungen nicht zufrieden waren, die durch die bloße Reproduktion der Natur auferlegt wurden. Neoimpressionismus mit seiner Technik von Pointillismus Pionierarbeit leisteten Georges Seurat und Paul Signac (1863-1935). Zu den wichtigsten Postimpressionisten zählen Paul Gauguin , Vincent Van Gogh und Paul Cezanne . Inspiriert von Gauguins Synthetismus und Bernards Cloisonnismus , die postimpressionistische Gruppe Les Nabis förderte eine breitere Form der dekorativen Kunst; Ein anderer Stil, bekannt als Intimisme , befasste sich mit Genreszenen von häuslichen, intimen Innenräumen. Das Werk von Pierre Bonnard (1867-1947) und Edouard Vuillard (1868-1940) zeigt Parallelen zu anderen ruhigen Innenräumen wie denen von James McNeil Whistler und dem vom niederländischen Realismus beeinflussten Peter Vilhelm Ilsted (1861-1933). Eine andere sehr wichtige Bewegung – eher Antiimpressionist als Postimpressionist – war Symbolismus (Blütezeit 1885-1900), die den Fauvismus, den Expressionismus und den Surrealismus beeinflusste. Beachten Sie auch, dass viele postimpressionistische Künstler die Formen und Ästhetiken des Klassizismus als Reaktion auf den passiven Naturalismus der impressionistischen Kunst übernahmen. Dies führte zu einer weit verbreiteten Klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst , bekannt als "Return to Order", zwischen 1900 und 1930.
Weitere Informationen zur Kunstpolitik in Frankreich finden Sie im Pariser Salon .
Kolorismus: Fauvismus (ab 1900)
Der Begriff "Fauves" (wilde Tiere) wurde erstmals von dem Kunstkritiker Louis Vauxcelles auf der Salon d’Automne-Ausstellung 1905 in Paris verwendet, als er die farbenfrohen Gemälde von Henri Matisse (1869-1954) und Andre Derain (1880-1954) beschrieb. und Maurice de Vlaminck (1876-1958). Andere Fauvisten waren der spätere Kubist Georges Braque (1882-1963), Raoul Dufy (1877-1953), Albert Marquet (1875-1947) und Georges Rouault (1871-1958). Die meisten Anhänger von Fauvismus ging weiter zum Expressionismus oder zu anderen Bewegungen, die mit dem Expressionismus in Verbindung stehen Ecole de Paris .
Skulptur des 19. und frühen 20. Jahrhunderts
Bildhauerische Traditionen sind zwar nie unabhängig von denen der Malerei, beschäftigen sich jedoch hauptsächlich mit Raum und Volumen, während Fragen der Größe und Funktion auch als Unterscheidungsmerkmale fungieren. Im Großen und Ganzen spiegelte die Skulptur die neuen Tendenzen der modernen Kunst im 19. Jahrhundert langsamer wider, so dass Bildhauer wie Auguste Rodin (1840-1917) einen Monumentalismus verfolgen konnten, der im Wesentlichen vom Neoklassizismus abgeleitet war, wenn nicht sogar von der Renaissanceideologie. Die öffentliche Dimension der Skulptur bot sich auch zur Feier der viktorianischen Werte und historischen Figuren an, die ebenfalls in der großartigen Weise früherer Zeiten ausgeführt wurden. So entstanden erst Künstler wie Constantin Brancusi (1876-1957) und Umberto Boccioni (1882-1916) begann sich diese Skulptur um die Jahrhundertwende wirklich zu verändern.
Expressionistische Kunst (ab ca. 1900)
Der Expressionismus ist ein allgemeiner Malstil, der darauf abzielt, eine persönliche Interpretation einer Szene oder eines Objekts auszudrücken, anstatt dessen Merkmale aus dem Leben wiederzugeben. Er ist häufig durch energische Pinselführung, pastose Farbe, intensive Farben und kräftige Linien gekennzeichnet. Zu den frühen Expressionisten gehörten Vincent Van Gogh (1853-90), Edvard Munch (1863-1944) und Wassily Kandinsky (1866-1944). Eine Anzahl von Deutscher Expressionist In den ersten drei Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts entstanden Schulen. Diese enthielten: Die Brücke (1905-11), eine 1905 in Dresden ansässige Gruppe, die E
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