Akademische Kunst: Merkmale, Geschichte: Akademien der Schönen Künste Automatische übersetzen
Was ist akademische Kunst?
Im Kunst Der Begriff "akademische Kunst" (manchmal auch "Akademismus" oder "Eklektizismus") wird traditionell verwendet, um den Stil von lebensechter, aber hochgesinnter Kunst zu beschreiben realistische Malerei und Skulptur Verfechter der europäischen Kunstakademien, insbesondere der Französische Akademie der bildenden Künste . Dieser "offizielle" oder "anerkannte" Kunststil, mit dem sich später eine enge Verbindung abzeichnete Neoklassizistische Malerei und in geringerem Maße die Symbolismus Bewegung, wurde in einer Reihe von malerischen und skulpturalen Konventionen verkörpert, die von allen Künstlern befolgt werden. Insbesondere wurde ein starker Schwerpunkt auf das intellektuelle Element gelegt, kombiniert mit einem festen Satz von Ästhetik . Gemälde sollten vor allem eine entsprechend aufgeschlossene Botschaft enthalten. Zu den Künstlern, deren Werke die Ideale der akademischen Kunst widerspiegeln, gehören Peter-Paul Rubens (1577-1640), Nicolas Poussin (1594-1665), Jacques-Louis David (1748-1825) Jean-Antoine Gros (1771–1835), JAD Ingres (1780–1867) Paul Delaroche (1797-1856), Ernest Meissonier (1815-91) Jean-Leon Gerome (1824-1904), Alexandre Cabanel (1823-89), Pierre Puvis de Chavannes (1824-98), Thomas Couture (1815-79) und William-Adolphe Bouguereau (1825-1905).
Die Geschichte der Französischen Akademie, deren Gründung nur als Mittel zur Stärkung der politischen Autorität des Königs offiziell anerkannt wurde, verdeutlicht die Probleme bei der Schaffung eines solchen monolithischen Systems der kulturellen Kontrolle. Seit ihrer Gründung im Jahr 1648 versuchte die Französische Akademie, ihre Autorität der Lehre, Produktion und Ausstellung von bildender Kunst aufzuzwingen, erwies sich jedoch später als unfähig, sie zu modernisieren oder sich an wechselnde Geschmäcker und Techniken anzupassen. Infolgedessen wurde es im 19. Jahrhundert zunehmend ignoriert und außer Gefecht gesetzt moderne Künstler wie Gustave Courbet, Claude Monet, Vincent Van Gogh und Pablo Picasso haben Theorie und Praxis der Kunst revolutioniert.
Ursprünge
Ab dem 16. Jahrhundert spezialisierte sich eine Reihe von Kunstschulen entstanden in ganz Europa, beginnend in Italien. Diese Schulen – bekannt als "Akademien" – wurden ursprünglich von einem Patron der Künste (typischerweise dem Papst, einem König oder einem Prinzen) gesponsert und verpflichteten sich, junge Künstler nach den klassischen Theorien von zu erziehen Renaissance-Kunst . Die Entwicklung dieser künstlerischen Akademien war ein Höhepunkt der Bemühungen (begonnen von Leonardo Da Vinci und Michelangelo ) den Status praktizierender Künstler zu verbessern, sie von bloßen Handwerkern zu unterscheiden, die Handarbeit leisten, und sie von der Macht der Zünfte zu befreien. Für mehr sehen Sie Geschichte der akademischen Kunst (unten).
Merkmale der akademischen Kunst
Die wichtigsten Prinzipien der akademischen Kunst, wie sie von der französischen Akademie festgelegt wurden, lassen sich wie folgt ausdrücken:
1. Rationalität
Die Akademie war bemüht, einen "intellektuellen" Kunststil zu fördern. Sagen wir im Gegensatz dazu den "sinnlichen" Stil der Rokoko , der "sozialbewusste" Stil des Französischen Realismus , der "visuelle" Stil der Impressionismus oder der "emotionale" Stil von Expressionismus . Die bildende Kunst galt als eine intellektuelle Disziplin mit einem hohen Maß an Vernunft, daher war die "Rationalität" eines Gemäldes von entscheidender Bedeutung. Eine solche Rationalität wurde durch den Gegenstand eines Werks, die Verwendung klassischer oder religiöser Allegorien und / oder durch Verweise auf klassische, historische oder allegorische Themen veranschaulicht. Sorgfältige Planung – durch Vorplanung Skizzierung oder die Verwendung von Wachsmodellen – wurde ebenfalls geschätzt.
2. Nachricht
Der "Botschaft" des Gemäldes, die angemessen "erhebend" sein und einen hohen moralischen Gehalt haben sollte, wurde große Bedeutung beigemessen. Dieser Grundsatz war die Grundlage für die offizielle " Hierarchie der Genres ", ein Ranking-System, das 1669 erstmals vom Sekretär der Französischen Akademie angekündigt wurde. Die Genres wurden in der folgenden Reihenfolge ihrer Bedeutung aufgelistet: (1) Geschichtsmalerei ; (2) Porträtkunst ; (3) Genre-Malerei ; (4) Landschaften ; (5) Stillleben-Malerei . Die Idee war, dass Historienbilder bessere Plattformen sind, von denen aus man eine hochgesinnte Botschaft vermitteln kann. Eine Kampfszene oder ein Stück Biblische Kunst würde eine offensichtliche moralische Botschaft über (sagen wir) Mut oder Spiritualität vermitteln, während ein Stilllebenbild einer Blumenvase Mühe haben würde, dasselbe zu tun. In der Praxis gelang es den Künstlern, moralischen Inhalt in alle Arten von Bildern, einschließlich Stillleben, zu injizieren. Siehe zum Beispiel das Genre von Vanitas Malerei , gemeistert von Harmen van Steenwyck (1612-56) und andere, die typischerweise eine Reihe symbolischer Objekte darstellten, die alle eine Reihe moralischer Botschaften übermittelten, die auf der Sinnlosigkeit des Lebens ohne christliche Werte beruhten.
Neben christlichen Prinzipien oder humanistischen Qualitäten wurden akademische Künstler ermutigt, dem Betrachter eine ewige Wahrheit oder ein Ideal zu vermitteln. Daher sind einige akademische Gemälde nur einfache Allegorien mit Namen wie "Dawn", "Evening", "Friendship" usw., in denen die Essenz dieser Ideale durch eine einzige Figur verkörpert wird.
3. Andere künstlerische Konventionen
Im Laufe der Zeit bauten die akademischen Autoritäten nach und nach eine Reihe malerischer Regeln und Konventionen auf. Hier eine kleine Auswahl:
Geschichte und Entwicklung der akademischen Kunst
Die oben genannten Merkmale der akademischen Kunst erschienen nicht über Nacht. Vielmehr entstanden sie im Laufe der Zeit als Ergebnis mehrerer andauernder Debatten zwischen unterschiedlichen Standpunkten, die typischerweise von bestimmten Künstlern verkörpert wurden, die dann zu "Modellen" wurden, die kopiert werden sollten. Es gab mehrere Debatten, wie zum Beispiel:
Disegno oder Colorito: Was hat Vorrang?
Das Italienische Renaissance umarmte zwei wichtige Fraktionen: die Florentiner Renaissance Fraktion, die sich für " disegno "(Design); und die venezianische Renaissance-Fraktion, die bevorzugte" colorito "(Farbe). Der Unterschied zwischen diesen beiden Fraktionen kann wie folgt zusammengefasst werden:
Für einen Florentiner bestand ein Gemälde aus Form / Design plus Farbe: Mit anderen Worten, Farbe war eine Qualität, die dem Design hinzugefügt werden sollte. Für einen Venezianer bestand ein Gemälde jedoch aus Form / Design, das mit Farbe verschmolzen war. Mit anderen Worten, es war untrennbar mit dem Design verbunden. In Florenz wurde die Farbe als Attribut des Objekts angesehen, zu dem sie gehörte: Ein blauer Hut oder ein grüner Baum waren blaue und grüne Flecken, die innerhalb der Grenzlinien dieser Objekte lagen. In Venedig wurde Farbe als eine Eigenschaft verstanden, ohne die der Hut oder der Baum kaum existieren kann, also die Fähigkeit eines Malers, sich zu vermischen Farbpigmente war alles wichtig.
Poussin oder Rubens?
Nicht lange nach der Umstrukturierung der französischen Akademie im Jahr 1661 wurde die Renaissance-Debatte von zwei rivalisierenden Fraktionen wiederbelebt. Es ging darum, welcher Kunststil überlegen war – der des französischen Künstlers Nicolas Poussin (1594-1665) oder des flämischen Malers Peter Paul Rubens (1577 & ndash; 1640). Poussin hat sich auf das Mittelformat spezialisiert mythologische Malerei und klassische, pastorale Landschaften – siehe zum Beispiel Et in Arcadia Ego (1637, Louvre, Paris – und schätzte Klarheit und Rationalität über alles. Für viele war dieser hochbegabte rationale Ansatz die perfekte Verkörperung der Ideale der Akademie. Rubens hingegen malte alle großen religiösen und historischen Szenen mit enorme Begeisterung und Stil, und mit einem wunderbaren Auge für üppige Farben. In einfachen Worten lautete die Frage: Sollte Poussins Linie (disegno) oder Rubens ’Farbe (colorito) dominieren? Auf einer höheren Ebene ging es darum, worauf es ankam Das Herz der Kunst: Intellekt oder Emotion? Das Problem wurde nie endgültig gelöst – nicht zuletzt, weil beide so außergewöhnliche Künstler waren – und es tauchte eineinhalb Jahrhunderte später wieder auf
Ingres oder Delacroix?
Im 19. Jahrhundert wurde die Auseinandersetzung aber diesmal mit neuen Champions wiederbelebt. Jetzt waren es die neoklassizistischen, coolen, polierten Gemälde des politischen Künstlers Jacques-Louis David (1748-1825) – siehe: Tod von Marat (1793) und Eid der Horatii (1785) – und sein Nachfolger JAD Ingres (1780-1867) gegen die farbenfrohe, dramatische Romantik von Eugene Delacroix (1798-1863). Ingres war der ultimative Akademiker, dessen gedämpfte Porträts, weibliche Akte und Historienbilder nach klassischer Konvention exquisit arrangiert und poliert wurden. Im Gegensatz dazu war Delacroix der feurige Held der Franzosen Romantik deren großformatige, kräftige, manchmal gewalttätige Leinwände (wenn auch sorgfältig ausgearbeitet und skizziert) stellten eine weitaus ungehindertere Interpretation der klassischen Theorie dar. (Im Vergleich dazu war ein Maler, der beide Seiten dieser stilistischen Kluft überschritt, der napoleonische Geschichtsmaler Antoine-Jean Gros: 1771-1835).
Die Debatte ging schließlich zugunsten von Ingres, der zum Direktor der Französischen Akademie in Rom (1835-40) ernannt wurde. Das Ziel der französischen Kunstwelt war es jedoch bald, die Linie von zu synthetisieren Klassizismus mit der Farbe der Romantik. Der Akademiker William-Adolphe Bouguereau beispielsweise glaubte, der Trick, ein guter Künstler zu sein, bestehe darin, die grundsätzliche Wechselbeziehung von Linie und Farbe zu erkennen, eine Ansicht, die von dem Akademiker Thomas Couture wiederholt wurde, der sagte, wann immer jemand ein Gemälde als besser oder besser bezeichnet Bessere Linie, es war wirklich Unsinn, weil die Farbe von der Linie abhing, um sie zu vermitteln, und umgekehrt.
Alte Meister kopieren oder Natur kopieren?
Eine weitere Debatte über den akademischen Kunststil betraf grundlegende Arbeitsmethoden. War es für einen Künstler besser, Kunst zu lernen, indem er die Natur ansah oder die Gemälde alter Meister unter die Lupe nahm? Anders ausgedrückt, was überlegen war – die intellektuelle Fähigkeit zu interpretieren und zu organisieren, was man sieht, oder die Fähigkeit zu reproduzieren, was man sieht? In gewisser Weise nahm diese akademische Debatte die Auseinandersetzung der Impressionisten und Postimpressionisten über die Vorzüge akribischer Studiomalerei gegenüber spontaner vorweg Freilichtmalerei .
ANMERKUNG: Keines dieser Probleme hatte eine genaue Antwort, und im Allgemeinen hieß es, welcher Künstler oder welche Art von Malerei die konkurrierenden Merkmale am besten zusammenfasste. Die Hauptschwäche der Akademie als Institution lag in der Annahme, dass es einen „richtigen“ Ansatz für die Kunst gibt und (was noch wichtiger ist), dass sie die richtige Einrichtung sind, um sie zu finden.
Währenddessen gingen europäische Maler und Bildhauer auf die Suche nach neuen Kunststilen, neuen Farbschemata, neuen Kompositionsformen und neuen Arten von Pinselstrichen, ohne die in den Akademien herrschenden Argumente der Doktrin zu beachten. Die Mächtigen moderne Gemälde von Gustave Courbet ( Atelier des Malers , 1855, Musee d’Orsay), Whistler ( Symphonie in Weiß, Nr. 1: Das weiße Mädchen 1862, Nationale Kunstgalerie, Washington DC), Jean-Francois Millet ( Die Gleaners 1857, Musee d’Orsay und Mann mit einer Hacke , 1862, Getty Museym LA), Edouard Manet ( Olympia , 1863, Musee d’Orsay) und Claude Monet ( Impression: Sunrise 1872, Musee Marmottan Monet, Paris; oder Nympheas 1920-6, Orangerie Museum, Paris) waren mehr als ein Match für jene konformistischen akademischen Maler wie Alexandre Cabanel, Jean-Leon Gerome und Adolphe-William Bouguereau.
Wie die Akademien die Kunsterziehung und Ausstellungen kontrollierten
Die französische Akademie hatte ein virtuelles Monopol in Bezug auf Lehre, Produktion und Ausstellung von Visuelle Kunst in Frankreich befanden sich die meisten anderen Akademien in der gleichen Position. Infolgedessen konnte ein angehender Maler ohne die Genehmigung der Akademie weder eine offizielle "Qualifikation" erwerben, seine Werke der Öffentlichkeit präsentieren, noch Zugang zu offiziellen Patronats- oder Lehrpositionen erhalten. Kurz gesagt, die Akademie war der Schlüssel zum zukünftigen Wohlstand eines Künstlers.
Wie akademische Kunst gelehrt wurde
Die Akademieschulen unterrichteten Kunst nach strengen Konventionen und Regeln und beteiligten sich nur daran gegenständliche Kunst : gab es keine abstrakte Kunst zulässig. Bis 1863 orientierte sich der Unterricht innerhalb der Akademie ausschließlich an der Praxis von figur zeichnung – das heißt, die Werke alter Meister zu zeichnen. Das Kopieren solcher Meisterwerke galt als das einzige Mittel, um die korrekten Prinzipien von Kontur, Licht und Schatten zu absorbieren. Der von Akademielehrern gelehrte Stil wurde als akademische Kunst bezeichnet.
Die Schüler begannen mit Zeichnung , zuerst nach Drucken oder Zeichnungen klassischer griechischer Skulpturen oder Gemälden alter Meister wie Michelangelo (1475-1564) und Raffael (1483-1520) des Hohe Renaissance Epoche. Nach Abschluss dieser Phase mussten die Schüler Zeichnungen zur Bewertung vorlegen. Wenn sie Erfolg hatten, zogen sie Gipsabgüsse oder Originale antiker Statuen heran. Anschließend mussten sie erneut Zeichnungen zur Bewertung vorlegen. Bei Erfolg durften sie live kopieren männliche Akte (bekannt als "Zeichnen aus dem Leben").
Hinweis: Ein Nebeneffekt des Fokus auf das Zeichnen aus dem männlichen Akt bestand darin, dass es Künstlerinnen aus moralischen Gründen schwierig wurde, bis zur zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts (1861 für die London Royal Academy) Zutritt zur Akademie zu erhalten Probleme.
Erst nach mehrjähriger Ausbildung in Zeichnen sowie Anatomie und Geometrie durften die Schüler malen, also verwenden Farbe . Tatsächlich stand Malen erst 1863 auf dem Lehrplan der Ecole des Beaux-Arts (Schule der französischen Akademie): Stattdessen mussten die Schüler im Atelier eines Akademikers malen lernen. (Anmerkung: Zu den besten Akademikerateliers gehörte das Atelier von Gustave Moreau , in Paris.) Diese dogmatische Lehrmethode wurde durch strenge Zulassungsvoraussetzungen und Leistungsnachweise untermauert. Zum Beispiel der Eintritt in die Pariser Ecole des Beaux-Arts war nur für Studierende möglich, die eine Prüfung bestanden und ein Zeugnis eines renommierten Kunstprofessors besaßen. Bei Akzeptanz begann der Student den Kunstkurs und schrittweise voran (wie wir gesehen haben), nachdem er ein Portfolio von Zeichnungen zur Genehmigung vorgelegt hatte. Darüber hinaus fanden regelmäßig Kunstwettbewerbe zu bestimmten Zeiten statt, um die Fähigkeiten der Schüler zu erfassen.
Gleichzeitig hielten die Akademien das strenge Rangsystem der Malerei-Genres . Geschichtsmalerei war die höchste Form, gefolgt von Porträtmalerei, Genremalerei, Landschaftsmalerei und schließlich Stillleben. Die höchsten Preise wurden daher an Historienmaler vergeben – eine Praxis, die bei den studentischen Künstlern große Unzufriedenheit auslöste.
Salon-Ausstellungen
Typischerweise veranstaltete jede Kunstakademie im Laufe des Jahres eine Reihe von Ausstellungen (Salons), die großes Interesse bei Kunstkäufern und Sammlern weckten. Damit ein Gemälde vom Salon angenommen werden konnte, musste es zuerst von der Salon- "Jury" genehmigt werden – einem Komitee von Akademikern, die jede Einreichung prüften.
Ein erfolgreicher Auftritt auf einem dieser Displays war ein garantiertes Gütesiegel für einen aufstrebenden Künstler. Da in der Regel mehrere tausend Gemälde in Augenhöhe bis zur Decke ausgestellt waren, gab es einen enormen Wettbewerb um die Erlangung der Spitzenposition durch das Hängende Komitee, das wie üblich vom Genre eines Gemäldes und (ohne Zweifel) von der Kunst beeinflusst wurde "akademische Konformität" seines Künstlers.
Die Französische Akademie hatte zum Beispiel eine eigene offizielle Kunstausstellung, bekannt als Pariser Salon . Der 1667 erstmals abgehaltene Salon war das prestigeträchtigste Kunstereignis der Welt. Infolgedessen ist sein Einfluss auf Französische Malerei – vor allem auf künstlerischen Stil, malerische Konventionen und den Ruf der Künstler war enorm. Bis in die 1850er Jahre hatte der Pariser Salon einen enormen Einfluss: Bis zu 50.000 Besucher konnten an einem einzigen Sonntag teilnehmen, und bis zu 500.000 besuchten die Ausstellung während ihres achtwöchigen Laufs. Eine erfolgreiche Ausstellung im Salon verschaffte einem Künstler einen enormen kommerziellen Vorteil.
Auch wenn ein Künstler eine Akademie erfolgreich abgeschlossen und auf dem Salon „ausgestellt“ hatte, hingen seine Zukunftsaussichten in hohem Maße von seinem Status an der Akademie ab. Künstlern, die regelmäßig im Pariser Salon ausgestellt haben und für deren Gemälde oder Skulpturen die Genehmigung erteilt wurde, wird möglicherweise die assoziierte und letztendlich vollständige Mitgliedschaft in der Akademie angeboten (Akademikerstatus). Die Sicherung dieser begehrten Auszeichnung war das Ziel eines jeden ambitionierten Malers oder Bildhauers. Sogar impressionistische Maler, die vom Salon abgelehnt worden waren – wie Manet, Degas und Cezanne – reichten der Salon-Jury in der Hoffnung auf Akzeptanz weiterhin Werke ein.
Hinweis: Obwohl die Briten königliche Akademie (RA) teilte einige der Schwächen der französischen Akademie der Schönen Künste und andere, nahm eine unabhängigere Linie an. Zum Beispiel der unorthodoxe Stil von JMW Turner hinderte ihn nicht daran, das jüngste Mitglied der RA zu werden.
Verfall des Salons
In den 1860er Jahren hatten die französische Akademie und andere den Kontakt zu künstlerischen Trends verloren und förderten hartnäckig eine Form akademischer Kunst und eine strenge Lehrmethode, die altmodisch und nicht mit modernen Stilen zu tun hatte. (Sie stuften die Gemälde immer noch nach der "Hierarchie der Gattungen" ein [siehe oben], so dass beispielsweise ein Historienbild einer Landschaft immer "überlegen" war und daher im Salon an einer besseren Stelle "aufgehängt" würde.)
Aufgrund dieser Unfähigkeit, auf dem neuesten Stand zu bleiben, wurde der Salon immer konservativer und ging schließlich in einen ernsthaften Niedergang. Das erste offensichtliche Anzeichen von Ärger kam im Jahr 1863 mit der Ankündigung des französischen Herrschers Kaiser Napoleon III, dass ein besonderes Salon des Refuses Gleichzeitig mit dem offiziellen Salon sollten alle Arbeiten präsentiert werden, die von der Salon-Jury abgelehnt wurden. Der alternative Salon erwies sich als ebenso beliebt wie der offizielle. Trotzdem ist daran zu erinnern, dass der französische Impressionismus – immer noch der beliebteste Malstil der Welt – vom offiziellen Salon abgelehnt wurde und seine Anhänger gezwungen wurden, privat auszustellen. Sehen Impressionistische Ausstellungen in Paris (1874 & ndash; 86).
Fairerweise sollte man beachten, dass nicht jedes Gemälde, das im jährlichen Salon der Französischen Akademie aufgehängt wurde, altmodisch oder inhaltlich rückwärtsgerichtet war. Einige progressive Gemälde haben die Jury überholt. Solche Arbeiten schlossen ein: das historische Gemälde Joan of Arc (1879, Metropolitan Museum of Art, NY) von Jules Bastien-Lepage ; das Orientalistische Malerei Hassan et Namouna (1870, Privatsammlung) von Henri-Alexandre-Georges Regnault; Der Tod von Francesca da Rimini und Paolo Malatesta (1870, Musee d’Orsay, Paris) von Alexandre Cabanel, Jean-Leon Geromes klassischer Pollice Verso (1872, Phoenix Art Museum); Pierre-Auguste Cots Neo-Rococo-Bild Spring (1873, Metropolitan Museum of Art, NY) und William-Adolphe Bouguereaus The Wave (1896, Metropolitan Museum of Art, NY).
Später progressivere alternative Salons – wie der Salon des Independants , gegründet von Albert Dubois-Pillet, Odilon Redon, Georges Seurat und Paul Signac, und der Salon d’Automne , initiiert von Hector Guimard, Frantz Jourdain, Georges Desvallières, Eugene Carrière, Felix Vallotton und Edouard Vuillard, hat sich herauskristallisiert, um der Öffentlichkeit ein umfassendes Angebot zu bieten moderne Kunst . In den Jahren 1884 bis 1914 halfen diese neuen Salons, der Öffentlichkeit revolutionäre neue Malstile vorzustellen, darunter Neoimpressionismus, Fauvismus und Kubismus, um nur drei zu nennen. Erst dann konnte die Öffentlichkeit sehen abstrakte Gemälde und abstrakte Skulptur .
Akademische Kunst im späten 19. Jahrhundert
In den 1880er Jahren gab es in Frankreich zwei parallel arbeitende Kunstsysteme: das "offizielle" System der akademischen Kunst , an dem die Akademie der bildenden Künste und ihre Schule, die Ecole des Beaux Arts (sie hatte die Kontrolle über den Salon in Frankreich aufgegeben), beteiligt waren 1881); und ein alternatives System moderner Kunst , an dem Privatschulen sowie der Salon des Independants und andere private Ausstellungsorte beteiligt sind.
Das offizielle System richtete sich an konservative Kreise – zum Beispiel wurden sowohl Skulptur als auch Architektur von starken Anhängern der akademischen Kunst betrieben -, hatte aber keinen wirklichen Einfluss auf andere Bereiche, nicht zuletzt, weil es die Innovation nicht förderte. Es wurde von realistischen Künstlern gerne kritisiert Gustave Courbet für die Förderung des Idealismus, anstatt den gegenwärtigen sozialen Belangen mehr Aufmerksamkeit zu schenken. Es wurde von kritisiert Impressionistische Maler für sein kosmetisch gepflegtes Finish, bei dem die Künstler verpflichtet waren, das Gemälde an die akademischen Stilstandards anzupassen, indem sie die Bilder idealisierten und perfekte Details hinzufügten. Praktiker des Realismus und des Impressionismus lehnten die niedrige Einstufung von Landschaften, Genrebildern und Stillleben in der akademischen Hierarchie der Genres nachdrücklich ab.
Inzwischen florierte das alternative System . Alles ernst Kunstsammler , Händler und Kunstkritiker in Paris widmeten sie den neuen Entwicklungen im Salon des Independants weitaus mehr Aufmerksamkeit als dem alten, sich wiederholenden Stil der akademischen Malerei im offiziellen Salon. Privatschulen gediehen, darunter die Akademie Julian (seit 1868), Charles Gleyre’s School (seit 1843), Academie Colarossi (seit 1870) und Lhote Academy (seit 1922). In London war die führende inoffizielle Akademie die Slade School of Fine Art (eröffnet 1871), die mit den hoffnungslos trockenen Lehrmethoden der offiziellen Royal Academy konkurrierte. Es gab andere Schulen, die unterrichteten Kunstdesign , wie der berühmte Deutsche Bauhaus-Designschule (1919 & ndash; 32). Inzwischen Secession – siehe zum Beispiel die Münchner Secession (1892), the Wiener Secession (1897) und der Berliner Secession Bewegung (1898) – breitete sich in ganz Europa aus und gründete fortschrittliche alternative Organisationen zu den Akademien alten Stils. Kurz gesagt, um die Jahrhundertwende geschah alles, was neu, innovativ und aufregend war, "außerhalb" des offiziellen Systems.
Europäische Akademien der bildenden Künste: Ursprung und Geschichte
Die erste Akademie für moderne Kunst war die Kunstakademie in Florenz 1562 vom Maler, Architekten und Kunsthistoriker Giorgio Vasari (1511-74) unter Großherzog Cosimo 1 de Medici gegründet.
Die zweite wichtige Kunstakademie, die Akademie der Künste in Rom (benannt nach dem Heiligen Lukas, dem Schutzpatron der Maler), der um 1583 in Rom ins Leben gerufen wurde, wurde vom Papst gestiftet und von dem Maler Federico Zuccaro (1542-1609) geleitet. Aufgrund des Widerstands mächtiger lokaler Malerzünfte breitete sich die Kunstakademie in ganz Italien nur langsam aus.
Wachstum des Akademiesystems
Außerhalb Italiens war die erste Akademie, die gegründet wurde (1583), in Haarlem in Holland unter Karel Van Manda (1548-1606). In Frankreich war die erste die Akademie Royale de Peinture et de Sculpture , die 1648 durch die Bemühungen des Malers in Paris gegründet wurde Charles Lebrun (1619-1690), deren Einfluss auf die französische Malerei und Bildhauerei in den Jahren 1663-83 vorherrschte.
Trotz seiner engen Verbundenheit mit den italienischen Akademien, die von Reisenden auf der Messe sehr geschätzt wurden große Tour war die französische königliche Akademie viel aktiver. Es eröffnete Niederlassungen in Provinzstädten, vergab Stipendien für ein Studium an der Französischen Akademie in Rom und wurde zum Vorbild für alle anderen königlichen und kaiserlichen Akademien Nordeuropas.
Zu gegebener Zeit wurden Kunstschulen in der Nürnberger Akademie (1674) von Joachim Von Sandrart (1606-1688), Polen (1694), Berlin (1697), Wien (1705), St. Petersberg (1724), Stockholm (1735) gegründet., Kopenhagen (1738), Madrid (1752), London (1768).
Im 18. Jahrhundert wurden in mehreren deutschen Bundesländern sowie in Städten in Italien und der Schweiz kleinere Akademien eingerichtet. Die erste offizielle amerikanische Akademie der bildenden Künste erschien 1805 in Philadelphia. In Irland gibt es zwei Akademien für bildende Kunst: die Königliche Hibernian Akademie (RHA), gegründet 1823, und die Königliche Ulster Akademie der Künste (RUA), gegründet 1930.
Akademische Kunst im 20. Jahrhundert – weitgehend irrelevant
Der Ruf der akademischen Kunst hat in den ersten drei Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts weiter abgenommen. Zunächst gab es, wie oben erwähnt, die Expressionistische Bewegung gefolgt von Kubismus , die beide als ganz gegen das Establishment galten. Dann, in der Zeit von 1916 bis 1925, die Dada Bewegung griff die Idee der traditionellen Kunst an. Danach dominierte die Abstraktion mit Ausnahme des figurativen Surrealismus (1925-50) und der amerikanischen Szenenmalerei (1925-45) die Kunst bis mindestens in die 60er Jahre. So mögen Bewegungen Neo-Plastizismus (1918-31), Abstrakter Expressionismus (1947-65) und Op-Art (1955-70), um nur drei zu nennen, vertraten eine völlig andere Ästhetik als die akademische Kunst. Keiner dieser Stile erforderte irgendeine Form von akademischer Ausbildung oder traditioneller Handwerkskunst und die meisten schienen einigen, wenn nicht allen von den Griechen aufgestellten Regeln zu widersprechen, die von der italienischen Renaissance wiederentdeckt und von den Akademien gefördert wurden.
Nach 1960 war die Kunstwelt – deren Zentrum sich jetzt in New York und nicht in Paris befand – noch weiter zusammengebrochen – das Bild der Massenkonsumenten Pop-Art im Gegensatz zu der strengen Strenge von Minimalismus . Die Sache weiter zu verwirren, völlig neu Arten von Kunst erfunden wurden, wie Konzeptkunst , und Installationskunst . Neue Formen von Kunstfotografie entstanden, sowie verschiedene Arten von digitalen und Computerkunst . In den späten 1980er / frühen 1990er Jahren zeitgenössische Kunst Wettbewerbe, wie die Turner-Preis wurden selten, wenn überhaupt, von traditionellen oder akademisch ausgebildeten Künstlern gewonnen. Mit anderen Worten, zumindest äußerlich war die Kunstakademie – bis zum Jahr 2000 – für die gängige Kunstpraxis nahezu bedeutungslos geworden.
Akademische Kunst im 21. Jahrhundert: Alte Werte gegen Computer-Software
Dennoch bleibt dabei eine oberflächliche Kluft zwischen dem Stil von postmoderne Kunst und im Stil der akademischen Malerei gibt es Gründe zu der Annahme, dass sich die Dinge ändern könnten. Dies trotz der Tatsache, dass nicht-akademische Kunst – wie von Künstlern wie beispielhaft Francis Bacon (1909-92), Andy Warhol (1928-87) und Picasso (1881-1973) – ist die angesagteste Kunstform in Auktionshäusern wie Christie’s und Sotheby’s.
Warum also könnte es zu einem Wiederaufleben der akademischen Kunst kommen? Lassen Sie uns eines klarstellen: Kunst, die an den heutigen Akademien unterrichtet wird, unterscheidet sich stark von der Kunst, die vor 50 Jahren unterrichtet wurde, geschweige denn vor 100 Jahren. Die akademische Kunst selbst wurde daher sowohl inhaltlich als auch in Bezug auf die Unterrichtsmethoden erheblich modernisiert. Aber der Hauptgrund, warum es wichtiger werden könnte, ist, dass heute die abstrakte, hypermoderne Kunst dominiert: Es ist dieses Zeug, das jetzt Mainstream ist. Vielleicht suchen Sammler nach etwas Neuem – nach einer Rückkehr zu alten Werten, zumindest in Bezug auf Malerei oder Skulptur. Dagegen ist die immer größere Leistung von Computern mit ihrer Grafik- und Design-Software und anderen Online-Tools, die möglicherweise alle handgefertigten Kunstwerke überflüssig machen, wenn nicht sogar aussterben lassen.
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